[핫피플] 제4회 안양공공미술프로젝트예술감독 백지숙 '개념미술'이 아니라 '개념있는 미술'을 제안한다

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제4회 안양공공미술프로젝트예술감독 백지숙 ‘개념미술’이 아니라 ‘개념있는 미술’을 제안한다

<4회 안양공공예술프로젝트(이하 APAP)>의 본 전시가 3월 28일 개막해 6월 8일까지 안양파빌리온과 안양예술공원에 새롭게 개관하는 ‘김중업박물관’을 중심으로 펼쳐진다. 미국 현대음악의 거장 폴린 올리베로스가 안양 시민들과 함께 준비한 퍼포먼스인 ‘딥 리스닝(Deep Listening)’ 을 비롯해, 후지코 나카야, 컨플릭트 키친, 그라이즈데일 아츠, 앤소니 매콜, 오노레 도, 배영환, 송상희 등 총 27개 팀의 국내외 작가들이 참여해 24점의 신작을 포함한 다양한 작품을 선보인다.
APAP는 지난 10년간 국내에서 열리는 대규모 국제미술행사 중 하나로 자리 잡으며 한국 공공예술 담론을 실험하는 장으로 그 역할을 톡톡히 해왔다. 2012년 예산이 전액 삭감되는 어려움을 겪었지만 가까스로 존폐위기를 면했다. 힘겹게 부활한 만큼 4회 APAP의 진두지휘를 맡은 백지숙 예술감독은 무엇보다 지난 APAP의 성과를 되돌아보고 내실을 다지는 데 집중했다. 그리고 시민들에게 공공예술을 새롭게 인식시키고 함께 즐길 수 있는 행사로 꾸미기 위해 공공성을 향한 다양한 실험을 시도했다.
우선 연중 진행된 ‘작품 보존・관리 프로젝트’는 기존의 APAP 소장품 92점의 가치를 지속시키고 시민과 작품 간의 관계를 회복시키기 위해 안양시민과 전문가들의 의견을 바탕으로 새로운 대안을 모색했다. 그 시작으로 1회 때 건립됐으나 제대로 활용된 적 없는 <알바로시자홀>을 <안양파빌리온>으로 명칭을 변경하고 ‘공원도서관’, ‘만들자연구실’을 운영하는 APAP의 허브로 만들었다. 이밖에도 안양 곳곳에 방치된 작품들을 철거하거나, 적절한 장소로 옮기고, 일부는 개보수해 새로운 작품으로 탈바꿈시켰다. 백 감독은 “처음부터 공공예술 작품에 보존연한(life cycle)을 지정하지 않은 것이 문제였다. 개별 작품을 보존관리의 일반론으로 접근하면 아무 소용없다는 것을 깨달았다”고 털어놓았다. 그리고 “시민들의 삶과 유리된 작품을 제대로 살려내려면 그 과정 자체가 창의적이어야 한다. 새로운 작품을 만드는 것만큼 정교한 보존 관리 과정이 필요하다”고 덧붙였다.
4회 APAP는 특별히 ‘퍼블릭 스토리’를 전달하는 ‘미디어’에 대한 고민을 주제화한다. 백 감독은 공공예술이 그동안 너무 물질적으로 이해됐다고 말한다. “일반적으로 ‘미디어’라고 하면 테크닉한 문제로 받아들여지는 경우가 많은데 이번 APAP 에서는 미디어에 대한 다양한 관점, 미디어의 문법을 각자 해석하는 과정, 미디어의 효과에 초점을 맞췄다. 무엇보다 옛날 식의 광장 개념을 대체하는 현재 미디어 환경 속에서 공공 담론의 장을 어떻게 확보할 것인지에 궁극적인 가치를 두고 있다.” 미디어아티스트 최태윤이 총괄하는 ‘만들자연구실’은 지난해 2월부터 시민들을 대상으로 오픈 소스 기술을 접할 수 있는 국내외 작가들의 다양한 워크숍을 제공해 메이커 문화를 실험했다. 독립큐레이터 김윤경이 기획을 맡은 ‘인터페이스 : 나의, 나만의 공공예술’ 프로젝트는 공공장소에 물리적인 결과물로 남은 APAP 소장품을 시민들의 삶 속에 적극적으로 개입시키고자 모바일 애플리케이션을 적극적으로 활용했다.
그리고 APAP를 일회적인 행사가 아니라 지속가능한 형태의 프로젝트로 만들기 위해 국내외 네트워크 구축에도 심혈을 기울였다. 한국문화예술위원회에서 주최하는 공모사업 ‘공공미술 2.0’에 선정돼 공공미술 아카이브를 마련하는데 주력하며, 현재 안양 시내 5개 도서관을 연결하는 프로젝트를 진행하고 있다. 또한 1970년부터 공공미술을 지원해 온 미술단체인 ‘크리에이티브 타임(Creative Time)’과 교류하며 <리빙 에즈 폼> 노마딕 버전 전시를 아시아에 처음 선보인다.

이슬비 기자

[컬럼] 예술을 빙자한 상품

팔 물건이 넘쳐난다. 돈이 없어 그렇지 살 물건이 너무 많다. 대형마트의 주말풍경은 대단하다. 보기 좋게 진열된 상품과 묵묵히 주워 담는 사람, 그들은 주머니 사정을 봐가며 살까 말까 망설이지 않는다. 돈 내고 살 때와 카드로 살 때는 씀씀이가 다르다. 계산대 앞에는 물건을 잔뜩 담은 카드들이 줄줄이 서 있다. 바코드 찍히는 소리야말로 이 시대의 전위음악이 아닌가 한다. 눈 감고 들어보면 소비사회를 찬양하는 교향곡으로 들린다. 가격을 깎는 법도 없다. 말없이 카드를 내밀면 계산원 또한 말없이 계산서와 카드를 내준다. 상품을 사고파는 우리 시대의 너무나 깨끗한 풍경이다. 먹고살고 품위를 유지하기 위해 꼭 필요한 상거래가 이렇게 자리 잡았다. 그런데 이런 상거래의 대상인 상품을 혐오하는 분야가 있으니 바로 미술 분야다.
‘예술을 빙자한 상품’. 이 말은 작품이 돈만 밝히고 작가 정신이 스며있지 않은 그렇고 그런 작품을 빗댈 때 하는 말이다. 그런데 이 말에는 작품이 상품이 되지 말아야 한다는 뉘앙스가 있다. 작품은 사고파는 상품과는 다른 그 무엇이라는 거다. 상품을 사고파는 기능이 미술에서는 혐오스럽게 여겨지다니, 이야말로 어떻게 먹고살지 하는 걱정을 안 할 수 없다. 몇 억 원이 넘는 아파트도 부동산 가게에서는 ‘물건’이라 한다. 행복의 보금자리를 단순히 사고파는 대상인 물건으로 취급한다. 다 그렇다. 두부 한 모도 그냥 거래되지 않는다. 두부가 매장에 놓이는 과정 간단한 일이 아니라 한다. 두부를 만드는 공장이 있고 유통시키는 중간상이 있다. 그다음 소비자가 사서 맛나게 먹는다. 미술작품을 사서 맛나게 먹을 수는 없다만 문화적 욕구를 충족시켜줄 상품이기는 마찬가지이다. 이크! 큰일 날 소리. 미술을 두부와 비교하다니.
TV 방송에서 미술관련 프로그램은 대부분 밤 12시가 넘어야 볼 수 있다. 가까이 하고 싶어도 너무나도 먼 당신이 되어버렸다. 이렇게 늦은 시간에 하는 이유는 시청률이 낮아서란다. 사실 나도 잘 보지 않는다. 잘 시간 빼먹고 봐야 하는데 그렇게 되질 않는다. 미술을 드라마나 오락프로처럼 시청률로 비교해선 안 되겠지만 밀려도 이렇게 밀리다니. 왜 이렇게 미술이 딴 세상 취급을 받으며 외면당하는 것일까. 답은 간단하다. 미술은 딴 나라 세상이기 때문이다.
그런가 하면 대형서점 미술 코너에는 서양미술을 소개하는 책으로 넘쳐난다. 너도 나도 서양미술 순례 여행기이거나 서양의 유명 작가를 소개하는 책이 대부분이다. 이미 아는 내용을 이리저리 포장해서 다시 보여주기도 한다. 한 국 작가의 작품 팸플릿을 보자. 웬 영어가 그렇게도 많은지 눈앞이 어지럽다. 세계화, 국제화를 앞세우다 보니 자기 얘기가 드러나지 않는다. 다른 예술분야를 찾아본다. 시, 소설, 영화, 드라마 등은 자기 얘기, 삶에 밀착된 표현을 한다. 자국 영화 상영이 할리우드 영화보다 더 많이 상영되는 나라는 우리나라를 포함해서 몇 안 된다 한다. 이크! 큰일 날 소리. 미술을 영화와 비교하다니.
우리는 순수에 너무 오염(?)되었다. 자기 가랑이가 찢어져도 오직 순수다. 팔리면 ‘상품’이고 안 팔리면 ‘작품’이라는 등식이 만들어졌다. 요새 미술시장이 꽁꽁 얼어붙었다 한다. 소비성향의 끝자락에 있는 미술은 지금 상황이 아주 심각하다. 작품가격도 너무 비싸다. 미술작품이 좋아도 사고 싶다는 말을 꺼내지 못한다. 웬만큼 여유가 있지 않고서야 몇 백만 원 혹은 그 이상의 돈을 쓰기가 쉽겠나. 판화와 같이 대중과 가까이 하는 방법을 찾아보 자. 뭐 다른 방법이 없을까? 생음악도 좋지만 음반이 따로 있듯이, 두고두고 즐길 수 있거나 내가 소유했다는 만족감을 채울 수 없을까. 그것도 아주 착한 가격으로 말이다.
작품하기도 어려운데 친구들에게 괜한 걱정을 안겨 미안하게 되었다. 다른 예술분야도 어렵다는 걸 잘 알고 있다. 시나 소설로 먹고사는 작가 역시 극소수다. 그래도 그들은 베스트셀러가 되기를 꿈이나 꾸지 않는가. 베스트셀러! 신나게 팔린다는 뜻이다. 그런데 환쟁이끼리는 이런 말 자체를 어색해 한다. 말해 보았자 별 뾰족한 수가 없어서다. 한편으론 안 팔리면 ‘작품’이라는 마지막 보호막이 있어 배짱 두둑하다. 가난해도 폼 난다. 나는 지금까지 미술인이 어렵다고 말만 할 것이 아니라, 먹고살기 위한 방법을 찾아 보아야한다고 말한 것이다. 너무나 당연한 얘기인데도 말 꺼내기조차 조심스럽다. 우린 신자본주의 사회의 가장 적응 못하는 영역에서 살고 있다. 우리만 모르고 있다. 조금 타락(?)해도 괜찮다는 자기용서가 먼저 있어야 이 어려움을 이겨낼 수 있다. 이크! 큰일 날 소리, 순수한 미술이 타락해야 한다니.

김주호・조각가

모니터 광장

변화, 지속, 소통의 톱니바퀴가 잘 맞물리길 바라며

신년호가 새해를 맞기 위해 재정비하는 고민들을 담고 있었다면, 2월호는 그야말로 한 해를 맞는 시작점에 해당하는 정보를 제시하는 호였다고 평가하면 적절할 것 같다. 지난해에 개막한 전시들을 뒤로하고 진정 새해에 개막하는 전시들, 미술행사들을 기다리고 있는 지금, 한 해의 전시를 프리뷰하는 지면은《 월간미술》을 사랑하고, 미술을 애정하는 독자들에게 봄바람 같은 설렘을 안겨주었으리라. 젊은 작가들을 소개한 지면도 마찬가지다. 이들에 대한 소개는 곧 앞으로 미술계에 불어올 바람을 미세하게나마 먼저 느낄 수 있는 창구이니 말이다.
지난 1년간, 아직 넓은 시야를 갖추지 못한 학생으로서 전통 깊은 미술잡지를 모니터하며 의견을 제시한다는 것이 부담스러웠지만, 나와 같은 위치에서 《 월간미술》을 지켜보는 독자도 있으리라 생각하며 느낀 점, 제시하고 싶은 점들을 전해보았다. 그리하여 1년이 지난 지금, 《 월간미술》을 되돌아보면 상당한 변화, 그것도 지속과 변화가 적절히 배합된 긍정적인 변화가 있었다고 생각된다. 그것이 모니터들의 의견이 반영된 것이든 《 월간미술》 내의 변화에 따른 고민이 반영된 것이든 지면 구성부터 새로운 코너의 신설, 기사를 선정하는 기준, 논하는 시각, 제시하는 방법까지 다양한 부분이 변했고, 또 그 변화의 일정부분은 분명 독자와의 소통을 통한 것이었다고 느낀다.

강한라

젊은 작가를 향한 젊은 시도

20~30대 예술가들 사이에는 흔히 이런 말이 떠돈다. ‘마흔까지만 버티면.’ 이 말은 마흔 살이 될 때까지 작업을 지속하는 것이 얼마나 어려운지를 말해준다. 실제로 수많은 20~30대 작가가 경제적 어려움과 불안한 미래에 무시로 흔들린다. 현실은 냉혹하다. 사회적 배려마저 없다면 그들은 꿈과 현실 속에서 어느 것을 택하게 될까.

젊은 세대 작가들이 포기하지 않고 꿈을 펼칠 공간을 마련하는 일이 참으로 중요한데, 그것의 한 방법을 이번 특집 에서 엿볼 수 있었다. 그점에서《 월간미술》이 언론의 역할을 잘 수행해내고 있다고 생각한다. 젊은 작가들에게 자신의 작품세계를 알릴 기회, 독자에겐 다양한 작품을 볼 수 있는 기회가 되니 윈윈이라 하겠다. 특히 선정된 100인의 작가의 생각을 나열한 목록에서 그들의 스펙을 지우고 오로지 이름과 생년, 생각만 드러낸 것은 그 작가에 대한 편견을 없애고 작품을 보는데 참으로 도움이 되었다.
여러 기사에서 문제로 지적한 부분- 파편화된 취향, 과대포장과 알맹이의 부재, 작위적인 형식 등-과 같은 세대적 특성에 대해서도 젊은 작가들이 분명 고민해야 할 부분이 있다고 생각한다. 마지막으로 지금 이 순간, 가장 치열하게 자신과 싸우고 있을 젊은 작가들에게 격려의 박수를 보내고 싶다.

권은영

 

어떤 체념

생계는 물론 부양의 책임이 있는 상황에 예술을 하는 것은 욕심이라 생각했다. 이 때문에 경제적 부담을 던 노년 즈음하여 동네 작은 부스전에 그림을 거는 것을 미래의 보상으로 생각하고, 현 (젊은)시점에 요구되는 것을 우선으로 하던 때가 있었다. 그러다 생의 저점에 잡은 동아줄이 아이러니하게 미술계에서 일을 하고 예술인(내지 예술주변인)이 되게 했다.《 월간미술》 특집으로 다룬 100인 작가와 여러 차이가 있지만, 그들처럼 2535세대에 속해 동일시할 것도 많은 내가 편견 없이 진술된 그들의 관심사와 현재의 고민에 진면목을 확인하라는 대목 그대로를 실천하고 싶으면서도 어쩐지 어려웠던 이유가 있었다. 작가에게 작업 설명과 현재의 고민을 간단하게 서술하라는 것이 즉답화법의 불편함이 아닐 수가 없을 것이고, 내 경우 ‘생의 저점’이나 ‘동아줄’로 표현한 저마다의 개인적 일화를 태연자약 고백하기도 어렵지 않겠냐 등의 이유다. 그렇게 2535세대 작가와의 교감을 놓치고 차라리 “그냥 그렸다”거나 “그리는 게 너무 좋아서 그렸다”는 게 나을 것 같다는 이 세대 작가를 향한 쓴소리에 항거할 대응책이 궁함을 느낀다. 세대의 당사자로서 가장 큰 아쉬움은 그들이 새로운 충격을 주지 못해서가 아니다. 같은 또래조차도 소통의 문제를 느낀다는 것, 예술적 동지를 찾기 어렵다는 것. 그것이 생계보다도 때로 더 어렵다는 것. 그리고 그 이상의 느낌을 2025세대를 보면 느낀다는 우스운 이야기.

오정은

 

한국 미술계에 새로운 바람을 기대하며

2월호 특집기사 를 꼼꼼히 읽었다. 궁금했다. 2535 젊은 작가 세대들이 작업을 하면서 무슨 생각을 가지고 있는지. 거두절미하고 지면전시를 보듯이 이미지들을 읽으면서 나는 솔직히 그리 암울하지 않을 젊은 작가 세대를 읽었다고 생각했다. 그리고 인터뷰 기사를 보고 그들이 가지고 있는 생각을 어렴풋이나마 파악했다. 대부분 사회와 개인, 시간과 공간, 사실과 허구, 일상과 해프닝, 예술가로서의 자의식 등의 문제에서 비롯된 작업이 많아보였는데 이 지점 역시 흥미로웠다. 분명 이전 세대와는 다른 지점을 고민하고 다음 세대를 준비하고 있는 (혹은 이미 시작한) 그들이 이끌어갈 미술계는 지금과는 다른 모습으로 나아갈 수 있으리라는 일말의 기대감이 생기기도 했다. 그리고 어디선가 끊임없이 이런 ‘고민’을 하는 사람들이 있다는 사실이 고마웠다. 기사 하나를 읽었을 뿐인데 참 많은 생각이 꼬리를 물어물어 나왔다. 사실 지난 1년간의 모니터 요원으로서의 활동도 그러했다. 모니터링을 하며《 월간미술》을 큰 틀로도 바라보고 작은 그림으로도 읽으려고 노력했다. 개인적인 시각이나 생각이 아주 배제될 순 없었겠지만 매달의 미술계를 모종의 의무감으로 접하며 파악해나갈 수 있었던 유익한 시간이었다.

신지현

편집실에서·도움주신 분들

隔世之感

#1. 평소 영화나 TV를 즐기는 편이 아니다. 재미가 없다. 몰입도 안 된다. 어린 애들이 떼로 나와서 춤추는 쇼는 정신이 없고 드라마는 현실성이 없어 마땅찮다. 게다가 TV 화면이 너무 선명한 탓에 과하게 덕지덕지 화장을 한 배우 얼굴 보는 것도 부담스럽다. 엉성한 세트나 엉뚱한 소품 등 눈에 걸리는 게 한두 가지가 아니다. 그렇더라도 그러려니 하고 그냥 보면 그만일 텐데 그게 잘 안 된다. 시시콜콜 트집을 잡고 깐족거리며 불평불만을 내뱉고 만다. 그러면 뭐든지 하나를 보면 초집중해서 보는 마누라가 참다못해 소리를 꽥지른다. “제발 좀 입 닥치고 보던지 아니면 꺼져버려”라고. 깨갱, 내가 생각해도 욕먹어 싸다.
#2. 이번 달부터 <아트스타 코리아>라는 프로가 케이블 채널에서 방영된단다. ‘아트 서바이벌’을 표방한 이 프로그램에 서울시립미술관까지 적극 동참하기로 했단다. 이래저래 한동안 화제가 될 듯하다. 사실 몇 달 전부터 이 프로에 직간접으로 관여한 여러 사람을 만나 얘기를 들었다. 의견이 분분했다. 그러니 나까지 이러쿵저러쿵 맞장구 치고 싶지는 않다. 다만 화면에 등장할 ‘아티스트’나 ‘멘토’, ‘심사위원’들 보다 궁금한 게 따로 있다. 프로그램을 기획하고 제작한 프로듀서와 (방송)작가, 그리고 적지 않은 돈을 투자한 ‘보이지 않는 손’의 머릿속 꿍꿍이가 무엇인지 궁금하단 말이다. 과연 그들은 한국/현대/미술/계를 어떻게 이해하고 있을까? 미술/작가란 존재를 어떻게 생각할까? 미술마저 거대자본을 등에 없고 대중 홀리기에 혈안이 된 엔터테인먼트 사업의 노리개가 되지 않기를 바란다. 미술-작가를 소재로 실험하는 그 의도가 탐탁지 않고 불편하다
#3. 나는 2003년 1월호에 ‘비평가 44인이 선정한 우리가 주목해야할 젊은작가’라는 특집을 만들었었다. 당시 이 기사 때문에 온라인 게시판에서 정말 치열한 논쟁이 벌어졌었다. 지금 생각하면 헛웃음이 나올 일이지만, 핵심은 크게 두 가지. 하나는 “미술이 <가요 Top 10>이냐? 어떻게 잡지에서 작가들 순위를 매겨서 줄을 세우느냐!’였고, 또 하나는 ‘작가가 무슨 연예인이냐? 왜 작품보다 작가 얼굴사진을 더 크게 나오냐!’ 였다. 심지어 어떤 작가(누굴까요?)는《 월간미술》 불매운동을 주장하기도 했다. 옛말치고 틀린 것 하나도 없다. ‘십년이면 강산도 변한다’더니 세상 참 많이 변했다. 이젠 작가들이 제 발로 방송카메라 앞에서 포즈 취하고 심사를 받겠다고 나서는 세상이 됐으니 말이다.
#4. 격세지감의 현장 하나 더. 세종문화회관 미술관에서 열린 <박노해 사진전>. “전쟁 같은 밤일을 마치고 난/새벽 쓰린 가슴 위로/차거운 소주를 붓는다/…” 던 얼굴 없는 시인이 35㎜ ‘라이카’ 카메라를 목에 걸고 나타났다. 30년 만이다. 벽에 걸린 사진보다 전시장 분위기가 더욱 감동적이었다. 이제부터 그를 ‘박기평’이란 진짜 이름으로 불러주련다.

편집장 이준희 dam2@unitel.co.kr

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반이정 미술비평

반이정
미술비평

미술판에서 뿐만 아니라 대중적으로 이름이 널리 알려진 평론가이자 파워 블로거(blog.naver.com/dogstylist)다. 그만큼 관심사와 활동범위가 다양하고 폭넓다. 현대미술부터 영화나 대중문화, 시사정치 그리고 자전거에 이르기까지 그야말로 종횡무진이다. 2013년 3월호부터 시작한 ‘반이정의 9809 레슨 ‘연재를 이번호에 마감한다. 횟수로는 12회였지만 연재 기간은 꼬박 2년이 걸렸다. 최근이 연재를 바탕으로 강연회도 열였다. 앞으로 단행본을 낼 계획이라고.[/one_sixth][one_sixth]

김남수 안무비평가

김남수
안무비평가

이번 특집 기사의 기획 단계에서 그를 정식으로 처음 만났는데 다양한 분야의 참고 자료를 망라하는 박식함으로 기자를 한 번 놀라게 하더니 엄청난 양의 원고로 두 번 놀라게 했다. 이영철 관장의 제안으로 백남준아트센터 학예사로 근무하면서 신화, 샤먼문화에 관심을 가지게 됐고 본격적으로 연구하기 시작했다고. 현재 국립아시아문화전당 아시아예술극장 드라마투르그로 재직 중이다. 연출을 도와 공연을 만드는 전반적인 일에 참견하는 자라고 추가 설명을 보내왔다.[/one_sixth][one_sixth]

임금님 올댓시네마 과장

임금님
올댓시네마 과장

영화 <만신>을 감독한 작가 박찬경과 인터뷰를 진행하고 영화 스틸 컷을 얻는 과정에서 적극적인 도움을 주었다. 특히 이번 호 표지를 장식한 박 감독의 인물사진을 고화질로 구하기 위한 기자의 등쌀에도 평정심을 잃지 않고 시종일관 친절하게 대하는 고귀한 자태를 보여주었다. 동국대 경영학과를 졸업하고 2010년 영화 홍보 마케팅 전문회사인 올댓시네마에 입사해 <더 울버린> , <월터의 상상은 현실이 된다>, <26년>, <소원> 등에 참여했다.[/one_sixth]

유러피안 재즈의 독립선언문

황덕호│재즈 칼럼니스트

에버하르트 베버 〈클로에의 색깔(The Colours of Chloë)〉 (ECM 1042)

에버하르트 베버
〈클로에의 색깔(The Colours of Chloë)〉 (ECM 1042)

전기 사운드와 록 비트가 뒤섞인 마일스 데이비스(Miles Davis)의 1969년 문제작 <마녀들의 연금술 (Bitches Brew)>이 거의 완성되자 프로듀서 티오 마세로(Teo Macero)는 그때까지 마일스에게 대단히 우호적이었던 평론가 랠프 글리즌에게 홍보용 테이프를 들려주었다. 음악을 듣고 글리즌은 다음과 같이 말했다. “재즈가 죽었다는 것은 이제 분명하군요. 바로 당신 같은 사람들이 그런 짓을 하고 있는 겁니다.” 그것은 단지 글리즌만의 느낌은 아니었다. 기존의 재즈팬은 재즈의 아이콘이던 마일스의 변모에 적지 않게 당황했으며 서슴없이 재즈의 죽음을 이야기했다. 역사학자 에릭 홉스봄의 말대로 그것은 음악에서 벌어진 친부살해였다. “아들인 록이 아버지인 재즈를 살해한 것이다.”

하지만 <마녀들의 연금술>에 대한 글리즌의 반감은 그리 오래가지 않았다. 그는 이미 록과 솔(soul) 음악의 가치를 인정하고 있었고 1967년부터 그가 주관해오던 몬터레이 재즈 페스티벌에 블루스, 록, 소울 음악인들을 초대하고 있었다. 글리즌의 취향 변화는 그의 세대(1917년생) 안에서는 그리 흔한 것이 아니었다(이러한 취향 변화로 그는 몬터레이 페스티벌의 공동 설립자인 지미 라이언스 (Jimmy Lyons)와 갈등을 빚었다). 사조의 흐름에 민감했던 글리즌은 아들 세대(1940년대 생)의 취향으로 옮겨갔으며 그가 라이너노트(음반 안에 삽입된 해설문)를 쓴 마일스의 <마녀들의 연금술>은 단번에 50만 장이 팔려나갔다. 이는 재즈음반으로서 전무했던 기록이었다.
그런데 재즈의 이러한 변화를 진정으로 기쁘게 바라본 것은 예상 외로 유럽의 재즈뮤지션이었다. 1930년대부터 자생적인 재즈 음악인을 배출하기 시작한 유럽은 1960년대가 저물 때까지 어떻게 하면 아프리카계 미국 음악인들처럼 연주할 수 있을지 고민하고 있었다. 그들 역시 블루스와 스윙의 느낌을 제대로 표현하고 싶었다. 하지만 1950년대 말 모든 형식을 거부한 프리재즈가 등장하고 10년 뒤에는 재즈가 다른 음악들과 뒤섞이게 되자 유럽 재즈 음악인들은 재즈가 기존의 단일한 모습을 갖지 않아도 된다는 사실을 인식하게 되었다. 그들은 재즈를 위한 다른 재료들을 찾기 시작했다. 색소폰 주자 얀 가바렉(Jan Garbarek)의 말대로 자신들은 블루스를 제대로 연주 할 수 없었기에 자신들만의 음악적 전통을 찾아 나섰다. 그러한 흐름을 가장 예민하게 포착한 프로듀서 만프레드 아이어(Manfred Eicher)는 1969년 독일 뮌헨에 자신의 음반사 ECM을 설립했다.
슈투트가르트 태생의 베이스 주자 에버하르트 베버는 1960년대까지만 하더라도 미국 재즈의 스타일에서 크게 벗어나지 않았다. 하지만 1973년 ECM 레이블을 통해 자신의 첫 음반 <클로에의 색깔 (The Colours of Chloë)>을 발표했을 때 그 음악은 미국 재즈로서는 상상할 수도 없는 독특한 색채를 지녔다. 그것은 유러피언 재즈의 완성된 독립선언문이었다. 과거에는 정통 비바퍼(bebopper)였지만 새로운 음악을 찾아 일본을 경유해 독일로 들어온 색소폰 주자 찰리 마리아노(Charlie Mariano)를 영입해 1975년에 결성한 베버의 그룹 컬러즈는 1977년 작 <조용한 발>을 통해 그 선언문의 마지막 구두점을 찍었다. 이제 재즈는 연기 자욱한 음습한 지하클럽에서 나와 넓은 지평선의 대지 위로 나왔고 널따랗게 펼쳐진 음의 여백은 그 대지를 감싼 하늘같았다. 재즈는 이제 한 폭의 수채화가 되었고 에버하르트의 아내 마야 베버(Maja Weber)가 늘 그렸던 커버 그림들은 이를 시각적으로 구현해주었다. 그것은 유럽이라는 지역의 감수성이자 당시 프로그레시브 록을 통해 상상의 나래를 펼쳤던 한 세대의 감수성이었다.
베버는 지난 2007년 뇌졸중으로 쓰러져 현재 연주 일선에서 물러나 있다. 그래서 2012년에 발표된 베버의 최근작 <이력서(Resume)>는 1990년부터 2007년까지의 실황녹음들을 모아 놨는데 부클릿에는 마야가 그린 몇 점의 그림과 함께 그녀가 2011년 세상을 떠났음을 전하고 있다. 영원히 젊었던 베이비부머 세대 혹은 68세대가 어느덧 작별의 인사를 건네고 있다. ●

[반이정 미술비평] 2009년. 동조성과 성역에 갇힌 비평의 위기

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노순택  2009

노순택 <그날의 남일당> 2009

 

여기 사람이 있다.

2009년 세상을 떠들썩하게 만든 사건 사고 가운데에는 부조리한 갑을관계나 비평과 언론이 제 기능을 상실해서 초래한 재난이 많았다. 재개발 문제가 낳은 용산 참사, 성상납을 폭로한 여성 연기자 장자연 씨의 자살, (2014년 현재까지 20명 넘는 연쇄 자살을 낳은) 쌍용차 평택공장 정리해고, MBC 뉴스데스크 앵커 신경민의 하차, 노무현 전 대통령의 자살 등이 모두 그렇다. 이명박 정부는 100일 이상 지속된 도심 촛불집회로 부담을 안은 채 집권 첫해를 보냈다. 이듬해 1월20일 출근 시간대,
재개발 사업 문제로 정부와 대치하던 철거민 시위자들이 상망하는 사건이 발생했다. 경찰 특공대 과잉 진압과정에서 철거민들이 점거 농성하던 망루에 불이 붙어서 철거민 5명과 경찰 특공대원 1명이 불에 타서 사망한 것이다. 당소 사고를 중계하던 인터넷 방송 진행자는 “어, 어, 저기 사람이 있어요!”라고 외쳤다.
참사 직후 남일당 건물 주변을 점거한 유가족과 시민운동가들이 경찰과 대치하며 한 해가 지나가는 사이 언론과 정치비평은 제 기능을 할 수 없었다. 장례가 무기한 연기되면서 희생자들의 시신을 병원에 안치하는 비용이 눈덩이처럼 불어났다. 이 소식을 접한 파견 미술가 이윤엽은 사고 당시 방송 진행자가 외친 ‘저기 사람이 있어요!’를 차용해서 <여기 사람이 있다>는 제목을 단 목판화1 두 점을 제작해서 팔았다. 기금 마련을 위해 한 점당 3만 원에 총 6백점을 내놓았는데 판화는 3일 동안 모두 판매되어 시신 안치 비용으로 쓰였다. 정상 기능을 상실한 언론과 정치 비평은 실질적인 도움을 줄 수 없었다.

비평가들의 그룹 전시회

볼거리가 지배하는 세상에서 시각정보를 해독하는 미술비평은 침묵하는 대상에게 해석을 달아주는 점에서, 시인 김춘수가 <꽃>에서 ‘하나의 몸짓에 지나지 않았던’ 무엇을 ‘잊혀지지 않는 하나의 의미’로 만드는 이름 불러주기에 비유할 만하다. 말 없는 대상에게 말을 건네는 비평의 재능은 견제 받지않는 권한이기 쉽고 따라서 무분별하게 남용될 수도 있다. 비평이 지니는 고유한 역할 때문에 화단에서 작가와 비평가는 공생관계를 표방하지만 비평가에게서 작가로 향하는 일방향성이 훨씬 강하다. 공식적인 관계에서 작가와 비평가는 논평의 대상과 주체로 나뉘어 만난다. 비평가가 논평 대상이 되는 때는 ‘비평의 위기’ 같은 익숙한 화두가 논제로 떠오를 때에 국한되는데, 이때마저 이 주제를 논하는 주체는 바로 비평가들이다. “(출품작가) 10명 중 반이정을 제외한 9인은 대학에서 미술 실기를 전공했다. 이건 한국 미술계의 기반이 얼마나 취약한지 단적으로 보여준다. 이전의 미술비평들이 이해불가한 비문과 비약으로 채워진 경우가 적지않았던 이유이기도 하다.”(김민경 기자.《 주간동아》 678호)
《 주간동아》가 리뷰로 다룬 일민미술관의 기획 그룹전《 비평의 지평》은 현장에서 활동하는 미술비평가와 기획자 10인(강수미 류병학 고충환 반이정 장동광 최금수 서진석 임근준 유진상 심상용)을 작품 출품자로 초대한 역발상 기획물이다. 참신한 발상의 전시였지만, 큰 화제가 되진 않았다. 출품작의 평균적인 완성도 때문일 수도 있고, 이론과잉으로 치달은 평균적 기성 비평의 경직된 인상 때문일 수도 있으리라. 진정성을 상실한 레토릭이 된 ‘비평위기’의 원인으로 조직 동조성의 반복을 지목할 수 있다. 소속된 조직과 조화하는 방향으로 자신의 행동과 생각을 일치시키려는 경향이 동조성이다. 규범을 따름으로써 자신의 소속감을 확인시키는 거다. 의복 동조성(Clothing Conformity)이란 조직 생활의 심리적 압박이 의복을 통해 표출되는 현상인데, 비평가 집단의 동조성은 평균적인 비평의 문체와 어투를 따라 하는 것으로 실행되곤 한다.
“《 프리즈 Freeze》의 기사들은 전체적으로 직접적이고, 이해하기 어려운 미술전문용어를 피하며, 미술사적 지식이나 이론적 배경 없이도 이해할 수 있게 쉽게 쓰인 것이 특징이자 목표다. (중략) 최근 미술사가 이론과 결합하여, 정신분석학·(후기)구조주의 분석학·해체학 등을 통해 작품에 의미를 부여하는 일은 그다지 반갑지 않다. 특히 작품을 보지도 않고 작가의 정신분석에 임하는 일이나, 또 이론을 제대로 읽지 않고 어설픈 방법으로 분석을 모 방하는 것은 정말 어리석은 일이다. 작가들마저 이론에 작품을 맞추는 경향이 강한데, 이는 그들의 작품세계를 제한하는 일이라고 본다.” (제임스 로버츠《 프리즈》 편집장 인터뷰《 월간미술》 2001년 4월)
“또한 비평이 자칫 공허한 이론의 언설에 빠질 수 있는 미학을 좀 더 현실 속에서 구체적이고 실제적인 미학으로 거듭나기 위해서는 어떠한 이론적인 잣대로 무장하기보다 숨겨진 진주를 찾을 수 있는 비평가의 직관이 필요하다고 본다.” (유근택《 월간미술》 특집 ‘작가가 본 미술비평’ 2003년 2월)
“어떤 진술은 내 작업을 너무 거창하게 포스트모던 빅 뉴스에 몰아넣어서, 작업에 깃들인 실제 내면 풍경이 지워지기도 하였다. 그럴때 작업이나 작품은 ‘선험적’ 이론들을 입증하는 사물에 지나지 않게 되고, 급기야 지워지기 까지 한다. 어떤 비평가는 ‘안목’이 없다. 부지런히 터득한 지식과 이론으로 작품과 작업과 미술판을 줄줄 엮어 나가기는 하는데, 도무지 속 없다. 모던 혹은 포스트모던 포장지로 멋지게 말아놓기는 했는데, 풀어 보니 빈 곽 안에 물음표밖에 없는 꼴. 듣기 싫겠지만, 옛적 문인 화론에서 하던 말을 빌리면, ‘기운생동(氣韻生動)’하지 않는다는 말.” (김학량 《 월간미술》 특집 ‘작가가 본 미술비평’ 2003년 2월)
어설픈 학식을 드러내기 위해 기성 비평이 범하는 잦은 개념적 오류나 불투명한 글귀를 둘러싼 주변의 지적과 내부의 자성에도 불구하고, 개선이 더딘 이유는 비평문화의 동조성 때문일 것이다. 현대미술이 다른 예술 장르에 비해 훨씬 고상한 담론을 담보한다는 보장은 전혀 없다. 하지만 대중예술과 견주어 전문 영역이 강한 건 분명할 게다. 바로 이 점이 비문과 허세에 찬 지식을 남발하게 만든다.

슈퍼스타K. 독설의 중독성

<슈퍼스타K>2는 케이블 채널 Mnet이 제작한 국내 최초의 오디션 프로그램으로 2009년 7월 첫 방송을 타고 그해 마지막 방송 전국 시청률이 8.4%까지 치솟았다. 예상 못한 시청률 덕에 매년 시즌을 이어가며 스테디셀러로 자리를 굳혔다. “슈퍼스타K는 14.6%라는 케이블 채널에서는 상상할 수 없는 경이로운 시청률”을 기록했고 이로 인해 “그 뒤 우후죽순 오디션 프로그램이 생겨났다. 오디션 프로그램에 소극적이던 공중파 방송도 앞을 다투어 경쟁에 합류했다.”고 언론은 평가한다(고재열 기자《 시사인》230호). 대중 엔터테인먼트의 심사위원들이 보인 자세로부터 기성 비평의 빈틈 두 가지를 읽을 수 있다. 하나는 독설에 대한 사유이고, 다른 하나는 인품에 대한 자성이다.
숨은 신예의 발굴이라는 오디션 프로그램의 본래 취지보다 오디션 방송에서 큰 볼거리를 만드는 건 심사위원의 거침없는 독설이다. “최악인데?” “할 말이 없다.” “이건 시작에 불과해요.” 심사위원 이승철이 미숙한 도전자들에게 날린 직설화술의 일부를 인용하면 이렇다. 도전자의 마음에 깊은 상처를 남기는 심사위원의 독설에 시청자가 열광하는 현상을 어떻게 설명할까? 폐부를 찌르는 비평이 실종된 시대에 비평의 드라마성을 엔터테인먼트와 결합시켰기 때문에 중독성이 강한 걸 테다. 기성미술비평이 이같이 중독성 강한 독설을 본받아야 하는 건 아닐 거다. 그렇지만 완곡 화법에 길들어져 야성을 상실한 점을 돌아보는 계기로 삼아야 할 거다. 한국 근대기 미술평론가 김복진은 제4회 조선미전에 관해 쓴 평문《( 개벽》1926년 6월)에서 동양화가 노수현의 출품작 <일완>을 평하면서 이렇게 적었다.
“‘칭찬이 아닌 평문은 쓰지 않는 게 좋다’고 일본 어떤 문인은 말하였다마는 나는 뒤바꾸어 욕이 아닌 비평을 쓸 까닭이 없다고 한다. 칭찬하려면 쓸 것도 없이 입만 딱 닫는 것이 제일 날 것이 아니냐.”
한편 후속 오디션 프로그램에 가세한 SBS 의 심사위원 가수 보아가 밝힌 심사기준은 놀랍게도 인성(人性)이다. 보아가 인성을 심사 기준으로 댄 이유는 “인성은 한 사람의 기본이고 인성에 따라 앞으로 미래에 대한 의지나 노력, 가능성도 좌지우지된다고 생각한다.”란다. 미학을 윤리학과 연관시킨 거다. 이는 예술가보다 비평가에게 더 요청되는 기준일 것이다. 직업을 불문하고 개인이 내놓은 성과물은 결국 그 개인으로 구성된다. 개인이 성과를 만들고 성과는 개인을 이룬다. 특히 성과물을 ‘언어’로 내놓는 직종이라면 성과물과 인성 사이의 연관성은 더 깊으리라. 허구적 이야기꾼이 아닌 사실의 언어로 기술하고 평가하고 판단하는 비평가라면 그의 성품은 더욱 투명하게 글에 반영되어야 할 것이다. 이해관계에 종속된 비평은 평가절하된 자신의 인품을 투영하고야 만다. 비평이 지켜야 할 최소한의 윤리를 실천한 귀감을 선대에서 쉽게 찾을 수 있을까?

2009년 일민미술관에서 열린 에 출품된 필자의 작품

2009년 일민미술관에서 열린 <비평의 지평전>에 출품된 필자의 작품

선배 비평가라는 성역

“사실 미술비평은 그 출생 이후 언제나 주어진 사회의 존속에 관여하는 세력의 부산물이었다. 그리고 그것을 담당하는 자들은 그 세력으로부터 직접적으로 보조를 받고 그러한 세력 을 방조하는 무리에 지나지 않았다.” 아놀드 하우저의 극단적 자조 문구를 인용하지 않더라도 미술과 미술비평의 체질은 상류문화를 지향한다. 그 안에 몸담고 있는 사람의 체질도 크게 다르지 않다. 위계질서를 중시하는 한국사회라면 그 비중은 실로 크다.
2009년 11월 26일. 미술평론가 석남 이경성 선생이 미국에서 타계했다. 한국 1세대 미술평론가라는 상징성만큼 이경성은 그가 남긴 평문보다 그가 두루 역임한 무수한 문화계 요직들로 인해 성역시되는 면이 분명히 있다. 무수한 요직과 더불어 현역으로 활동하는 또 다른 1세대 비평가가 있다. 2010년 2월 문화체육 관광방송통신위원회 국회 업무보고 자리에 2명의 문예위원장이 나타나는 바람에 업무보고가 연기되었다. 문화부(유인촌 장관)에 의해 해임된 김정헌 전임 위원장이 해임무효확인 청구소송 1심에서 승소해서 국회에 나타나 오광수 위원장과 나란히 앉은 것이다. 김정헌 전임 위원장의 소송 건에 대해 이후 2심 승소에 이어 2010년 대법원도 “해임처분을 취소하라”는 원심을 확정한다. 전임 위원장의 해임이 부당했다는 1,2심과 대법원이 판단한 사건의 진위를 비평가 출신 오광수는 후임에 위촉되기 전에 공감할 수 없었을까?
1세대 미술평론가 오광수 위원장이 논란 속에 퇴출된 자리에 재위촉된 게 이번이 처음은 아니다. 1998년 민중미술 이론가 배경이 있는 한국예술종합학교 영상원장 최민이 광주비엔날레 전시총감독 자리에서 전격 해촉되어 미술계 안팎에서 비난이 일 때도, 후임 총감독에 위촉된 바 있다. 나이주의가 지배하는 한국 사회에서 원로라는 신분은 견제와 비난으로부터 무한히 자유롭다. 비평의 위기는 견제받지않는 위치에 있을 때 현실이 된다. 비평에 위아래를 두려는 자세는 비평의 직업정신과도 상호 모순된다.

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아이폰, 국내 지각 출시

11월 28일 서울 잠실실내체육관에서 열린 ‘아이폰 론칭쇼’3에 예약 고객들이 줄을 섰다. 출시 전 예약자만 4만~6만 명에 달했고, 예약 사이트가 마비될 만큼 소비자가 몰렸다. 출시 3일 동안 4만 대 가까운 판매 실적을 올렸는데, 이는 출시 후 한 달간 7만 대를 판매한 경쟁사 삼성의 옴니아 II를 훨씬 앞서는 수치다. 컴퓨터 회사 애플이 내놓은 첫 휴대전화 아이폰은 2007년 1월 처음 출시되었지만, 이동통신사의 지배구조가 강한 한국에서는 데이터 통신 수입 감소를 우려한 이동통신사(KT)와 애플 사이의 협상이 지연되면서 “다음 달에는 꼭 출시된다.”는 헛소문이 돌고 이로 인해 ‘담달폰’이라는 오명을 안은 채 1년 10개월 만에 지각 출시되었다. 하지만 아이폰의 국내 출시는 완전한 경쟁시장에서 구도를 바꿔놓았다. 아이폰 국내 출시를 앞두고 삼성의 옴니아 II는 가격을 반토막 냈고, 경쟁사 SK텔레콤은 가입비 30% 절감을 발표했다. 견제받지 않는 미디어도 망한다.

연말. 이재용 김정은의 후계구도

이명박 정부는 12월 31일자로 이건희 전 삼성 그룹 회장의 단독 특별사면을 심의 의결한다고 발표한다. 이에 앞서 12월 5일 삼성은 사장단 회의에서 이건희 회장의 아들 이재용 전무를 삼성전자 부사장으로 승진시켜 핵심 요직인 최고운영책임자(COO)를 맡겼다. 이번 인사로 승진한 10명의 다른 사장 평균 연령이 50대 초반인 점도 이재용 후계구도를 위한 포석으로 해석되었다. 같은 해 12월 25일 김정일 국방위원장의 아들 김정은의 생일을 ‘국가적 명절’로 지정하고 경축한다는 내부 지시를 전당과 전군에 내려 보낸 북한은 이미 김정은의 후계 사실을 그해 중순께 당·군·정에 공식 통보했고 해외 공관에도 통보했다. 남과 북에서 같은 시기에 이행된 후계구도는 내용은 달라도 같은 형식으로 반복되었다. 견제받지 못할 때, 당사자가 위기를 의식하지 못할 때, 위기의 폐해가 당사자보다 공동체와 연결될 때, 위기는 이미 한창 진행 중인 거다. ●

 

[section_title]2009 시대상[/section_title]

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노무현 김대중 서거

박연차 정관계 로비 사건을 수사하던 검찰이 전직 대통령 노무현까지 소환조사하기에 이른다. 노무현 전 대통령은 자신의 홈페이지에 “더 이상 노무현은 여러분이 추구하는 가치의 상징이 될 수가 없습니다. 저는 이미 민주주의, 진보, 정의, 이런 말을 할 자격을 잃어버렸습니다. 저는 이미 헤어날 수 없는 수렁에 빠져 있습니다. 여러분은 이 수렁에 함께 빠져서는 안 됩니다. 여러분은 저를 버리셔야 합니다”라는 글을 올리고 1달이 지난 5월 23일 투신자살한다. 정부의 반대로 노무현 전 대통령의 영결식에서 추도사를 할 수 없었던 김대중 전 대통령도 7월 입원하여 투병 끝에 8월 18일 사망한다. 그리하여 지난 10년의 짧은 정권 교체의 상징적 인물 둘이 연달아 세상을 등졌다. 세상의 변화는 이렇게 체감되었다.

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장자연 성상납 폭로 자살

여배우 장자연의 자살은 연예계의 낡은 관행인 갑을관계의 악용을 보여준다. 성상납을 요구받았다고 밝힌 이른바 장자연 문건은 국회대정부질문에서 이종걸 민주당 의원에 의해 “장자연 문건에 따르면 ‘당시 《조선일보》 방사장을 술자리를 만들어 모셨고, 그 후로 며칠 뒤에 《스포츠조선》 방사장이 방문했습니다’라는 글귀가 있다. 보고 받았냐”고 되물어 공론화되었다. 경찰청의 중간 수사결과 발표에도 《조선일보》 고위 임원, 《조선일보》 고위임원 아들, 인터넷 언론사 대표가 수사 대상자에 포함되어 있다. 그러나 문건에 명시된 인물들이 처벌받은 건 아니다

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국립현대미술관 서울관 확정 발표

1월15일 문화예술인 신년인사회에서 “종로구 1월 15일 문화예술인 신년인사회에서 이명박 대통령이 “종로구 소격동 국군기무사령부 부지를 국립현대미술관으로 조성하겠다”고 밝혔다. 그렇지만 2011년 1월 ‘국립현대미술관 서울관 전문가 설명회’에서 있었던 관계자의 설명에 따르면, 서울관의 기본 계획이 수립된 건 2006년 11월이다. 2012년 완공 예정이라는 문화부의 당초 발표와는 달리 사망자 4명을 포함해 20명이 넘는 사상자를 낸 대형화재 사고 등의 악재가 끼면서 서울관은 박근혜 정부가 들어선 2013년 말에 개관한다.

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신경민의 마지막 클로징 멘트

인지도와 경력에 가려 엄기영을 한국 최상의 앵커인줄 믿고 살았다. 신경민 앵커가 브라운관에 등장하기 전까지는 그랬다. 뉴스가 끝나는 순간 남기는 클로징 멘트로 유명세를 탄 신경민 앵커는 이명박 정부와 MBC 모두에 부담이 되었다. 앵커에서 하차한 후 그는 2012년 민주통합당 대변인으로 변신해야 했다. 2009년 4월 13일 신경민 앵커의 마지막 클로징 멘트는 이렇다. “회사 결정에 따라서 저는 오늘자로 물러납니다. 지난 1년여 제가 지닌 원칙은 자유, 민주, 힘에 대한 견제, 약자 배려 그리고 안전이었습니다. 하지만 이런 언론의 비판을 이해하려고 하지 않아서 답답하고 암울했습니다. 구석구석과 매일매일 문제가 도사리고 있어 밝은 메시지를 전하지 못해 아쉬웠지만 희망을 품은 내일이 언젠가 올 것을 믿습니다. 할 말은 많지만 저의 클로징 멘트를 여기로 클로징하겠습니다.”

[월드 리포트] 고기와 케이크가 있는 풍경

박진아│미술사

오스트리아의 중세 무역도시 크렘즈(Krems)에 위치한 포룸 프로너 현대미술 전시관(Forum Frohner)에서는 <미술 속의 음식: 쾌락과 덧없음(Eating in Art: Pleasure and Transience)전>(2013.10.20~ 3.23.)을 열어 현대미술 속에 음식거리와 요리가 어떻게 표현되어 오늘날 우리의 일상을 반영하고 있는지 조명하고 있다.
지난 몇 년 구미권에서는 텔레비전 전파를 타고 불기 시작한 쿠킹쇼 유행에 힘입어 음식과 요리를 주제로 미술작품을 탐색해 보는 시도가 눈에 띄었다. 2009~2010년 독일 뒤셀도르프 쿤스트할레에서 기획돼 여러 도시를 순회한 <우주를 먹다(Eating the Universe)전>을 시작으로, 2011년 뉴욕 로버트 맨 화랑(Robert Mann Gallery) 기획의 <생각거리(Food for Thought)전>, 2012년 시카고대 스마트 현대미술관(Smart Museum of Art)에서 열린 <잔치 후대(Feast: Radical Hospitality in Contemporary Art)전>, 그리고 최근인 2013년 연말부터 올해 초까지 시카고 아트 인스티튜트에서 열린 <미술과 식욕: 미국회화로 본 요리와 문화(Art and Appetite)전>은 20세기부터 현재까지 음식과 요리, 식사문화를 창조적 모티프로 삼은 현대미술 작품들을 연대적 흐름으로 정리한 전시회들이다.
최근 기획되는 전시나 문화이벤트는 음식과 요리를 21세기적 소비문화학 관점에서 보다 경고성 짙은 논조를 띠는 추세다. ‘인류 역사상 유례없이 음식거리가 양적으로 풍족해진 과잉 풍요의 글로벌 21세기, 과연 음식은 현대사회와 어떤 관계를 맺으며 진화해왔을까’라는 문제의식을 관객에게 던지고 음식을 둘러싼 과잉 대 부족, 포식 대 기아, 맛좋음 대 역겨움이 공존하는 역설적 현실을 숙고해 보라고 권유한다. 예컨대 스위스 제네바에 있는 아리아나 박물관은 유엔미술 프로젝트의 일환으로 2012년에 <푸드(FOOD)전>을 기획해 2015년까지 전 세계 순회전시를 앞두고 있다. 현재 오스트리아 크렘스 쿤스트할레 포룸 프로너관에서 전시 중인 <미술 속의 음식: 쾌락과 덧없음>은 한층 더 깊은 철학적 논조를 띤다. 음식이란 인간의 육신에 자양분을 주고 미각에 쾌락을 안겨주지만 결국 일시적이고 부질없는 생(生)에 대한 은유일 뿐이라며 관객에게 자기성찰과 겸손을 제안한다. 과잉 풍족의 시대인 21세기 오늘, 현대인이 ‘희귀’한 먹거리도 쉽게 구하고 무심하게 버리는 ‘일용품(commodity)’ 정도로 취급하고 있지는 않냐고 넌지시 꼬집는다.
음식거리가 서양미술에 모티프로 등장한 것이 새로운 현상은 아니다. 과음과 과식을 7대 죄악의 하나로 보았던 기독교 사상에 근거해, 16세기부터 17세기까지 네덜란드와 플랑드르 정물화는 육체적 쾌락에 쉽게 유혹받는 인간 무리를 쉽게 상하고 벌레먹어 썩는 음식거리에 빗대어 인생무상(vanitas)을 경고했다. 그 연장 선상에서, 에덴의 동산에서 지식의 열매 사과를 따먹은 후 원죄의 타락에 빠진 인간상을 일관적으로 그려온 오스트리아 화가 아돌프 프로너(Adolf Frohner)는 이번 전시에 <식료품(Das Lebensmittel)> 칸막이 그림 시리즈를 선보여 재조명받고 있다.
인간은 생존하기 위해서 음식을 먹고 마시고 소화하고 배설한다. 철학적인 관점에서 볼 때 인간이 음식을 섭취하는 행위는 육신과 외부 세계, 자아와 타자 사이의 물리적 간격을 이어주는 연결고리이며, 한걸음 나아가서 삶과 죽음의 경계에 놓인 인간에게 생명을 멈추지 않고 돌아가게 도와주는 매개물이기도 하다. 이 전시 <미술 속의 음식: 쾌락과 덧없음>은 1960년대 빈 행위주의 (Wiener Aktionismus)야말로 바로 이 철학적 착상에 근거하여 음식재료나 잔치 의례를 퍼포먼스적 요소로 적극 도입한 대표적인 미술운동이었다고 선언하는 것으로 출발한다. 돼지 도살장에서 죽은 동물의 피와 내장을 갖고 펼친 헤르만 니치(Hermann Nitsch)의 난교극장(1962~1998), 장황한 테이블세팅과 요리를 활용해 벌인 루돌프 슈바르츠코글러(Rudolf Schwarzkogler)의 <결혼피로연>(1965), 온몸에 음식물을 뒤범벅시키는 난장판을 연출했던 오토 뮐(Otto Muehl)의 <푸드 테스트(Nahrungsmittel Test)>(1966)는 모두 음식물에 빗대어 인간의 생로병사와 원초적 성욕을 은유한 강력한 퍼포먼스였다.

미술, 음식문화에 대한 근원적 질문을 던지다

오스트리아의 실험주의 영화가 페터 쿠벨카(Peter Kubelka)는 요리란 자연상태의 식재료에 열과 조리술을 가해 자연과 문화를 이어주는 연결고리임을 넘어서 자연(식재료)을 예술적 조형물(완성된 요리)로 구현하는 고도의 창조과 정이라 정의했다. 그런가 하면 요리란 동물이든 식물이든 살아있는 생명을 죽여야만 하는 잔인함을 내포한다. 사진가 하인츠 치불카(Heinz Cibulka)는 가축 도살 장면을 촬영한 <사진 퍼포먼스> 시리즈를 통해서 요리란 “죽이고, 먹고, 살아가고 잉태하는” 순환과정의 은유라고 정의하면서 동시에 먹이사슬 최상단에 놓인 인간조차도 결국 그 같은 생사의 대섭리에서 벗어날 수 없음을 기억하라고 촉구한다.
음식(飮食)문화는 시대마다 변천하면서 호모 소셜리스(Homo Socialis) 즉, 사회적 인간의 단면을 보여주는 바로미터 노릇도 했다. 태곳적부터 오늘날까지 문화권을 막론하고 여러 사람이 모여 술과 조리된 먹을거리를 나누고 먹고마시는 식사 관행은 인간 사회 속의 여러 기능을 윤활하게 촉진시키고 질서를 유지하는 데 반드시 필요한 종교적・사회적 의례(ritual)였다. 인류의 모든 종교는 제각각 음식과 관련된 독특한 상징체계와 섭생규칙을 가르친다. 전투에 임했던 장군과 병사들은 잔치를 거나하게 열어 먹고 마시면서 사기를 북돋웠고, 고위 정치가나 중대한 계약을 앞둔 사업가는 성찬을 베풀어 손님을 극진하게 대우하는 것으로써 신뢰를 다졌다. 예나 지금이나 구애는 남성이 여성을 저녁식사에 초대하는 것에서 출발하며, 혈연과 혼인으로 구성된 가족이란 함께 살면서 한솥밥을 나눠먹는 식구(食口)들을 뜻하게 되었다.
이 ‘사회적 의례로서의 식사’ 라는 범인류적 주제에 착안해 음식과 미술를 교접한 음식미술의 선구자로 미술계는 스위스의 조각가 다니엘 스푀리(Daniel Spoerri)를 꼽는다. 1960년부터 1970년대까지 계속된 스푀리의 이른바 ‘이트 아트(Eat Art)’는 요리한 음식을 잘 차려낸 밥상에 둘러앉아 여럿이 나눠먹는 식사 의례란 개인과 개인, 나아가서 세대와 세대 간 끊임없이 반복되는 생의 순환(life cycle)을 뜻한다.
노벨문학상 수상자 엘리아스 카네티(Elias Canetti)는 “인간은 낯선 그 무엇을 잡아 잘게 썰고 뒤섞고 꾸며 담아내는 과정을 반복하는 것만으로도 살아갈 수 있다”고 했다. 값싼 석유에 의존한 물류 및 운송력, 첨단 포장과 보관기술, 세련된 식품가공기술 덕택에 슈퍼마켓만 가면 원산지나 제철과 무관하게 사실사철 먹거리를 쉽게 구할 수 있게 된 초간편의 시대 21세기, 현대 인류는 음식물이 어디서 어떻게 제조되어 우리 곁으로 오는지 모른 채 점점 더 자연과 멀어져가고 있다. 이를 환기시키려는 듯 요제프 보이스의 <내게 꿀을 다오(Gib mir Honig)>는 인간과 자연 간 깨지기 쉬운 공생(symbiosis)의 균형을 유지하는 것이 얼마나 중요한지를 꿀벌과 벌꿀통에 빗대어 표현한 개념주의 설치물이다. 디터로스(Dieter Roth)는 초콜릿 덩어리를 깎아 만든 자화상 조각 <사자로서의 자아(Lowenselbst)>(1967년)에서 재료에 내재된 부패와 사멸의 운명을 작품의 일부로 포함시켰다. 유엔식량농업기구에 따르면 전 세계서 생산되는 식품 중 3분의 1이 소비되지 못한채 폐기된다. 이에 대한 논평으로 오스트리아의 사진작가 클라우스 피힐러(Klaus Pichler)는 <3분의1(One Third)> 시리즈에서 바로크 정물화풍을 빌려서 식품산업계가 그토록 집착하는 유통기한제의 진정한 의미를 재고한다. 탈가족화 추세 속에서 전에 없이 1인가구가 많아진 요즘, 마르쿠스 하나캄과 로즈비타 쉴러(Markus Hanakam & Roswitha Schuller) 2인조팀은 플라스틱과 인조가죽을 삼각형으로 잘린 조각 케이크로 형상화해 대량 생산된 기계가공식품으로부터 영양을 섭취하는 현대인의 식생활 양태를 지적한다.
미술 속의 음식을 인류문화사를 이해하기 위한 문화적 자취로만 이해하는 단계는 지났다. 예컨대, 태국의 리르크릿 티라바냐(Rirkrit Tiravanija)는 전시장에서 커리를 요리해 관중에게 나워주는 퍼포먼스(뉴욕 모마, 2012년)를 통해서 요리, 미술, 외교를 연결했다. 2012년 잘츠부르크에서 열린 한 아트 프로젝트는 젊은이들이 슈퍼마켓에서 버려지는 음식물을 구제해 파티요리를 만드는 단편영화 <쓰레기 속에서(Days in Trash)>를 제작해 소비주의의 병폐를 창조적으로 극복할 것을 제안했다. 빈에 있는 티센-보르네미자 아트 컨템포러리(Thyssen-Bornemisza Art Contemporary)가 운영하는 서퍼클럽(Supper Club) 이벤트는 미래의 연회 메뉴와 식사문화를 탐색해보는 문화실험소다. 이제 현대미술은 음식을 인간 행동을 변화시키고 미래 문화를 창출하기 위한 문화적 실험 도구이자 적극적인 참여 수단으로 응용하고 있는 것이다. ●

[월드 토픽] 미디어아트를 바라보는 두 가지 시선

안경화│백남준아트센터 학예팀장

지난 2월, 도쿄의 롯폰기와 에비스에서는 미디어아트에 대한 서로 다른 접근 방식을 보여주는 두 개의 전시 <일본문화청미디어예술제(Japan Media Arts Festival, 이하 ‘미디어예술제’)>와 <에비스영상제(The Yebisu International Festival for Art & Alternative Visions)>가 열렸다. 한국의 문화부에 해당하는 일본 문화청과 국립신미술관에서 작품을 주최하고 <미디어예술제>는 아트, 엔터테인먼트, 애니메이션, 만화의 4개 부문에 걸쳐 공모를 받고 수상자를 선정하는 콘테스트 형식을 취한다. 미술관에서 펼쳐지는 미디어아트 전시에 애니메이션과 만화가 포함되는 경우는 많지만 엔터테인먼트부문이 공존하는 경우는 극히 드물다. <미디어예술제>의 이러한 장르적 특성은 미디어아트를 “영화, 만화, 애니메이션 및 컴퓨터, 그 외의 전자기기 등을 이용한 예술”로 정의한 일본의 ‘문화예술진흥기본법’ 덕택에 가능한 것으로, 이는 <미디어예술제>에 대한 찬반 양론을 불러일으키는 소지를 제공하고 있다. 일본 정부의 미디어아트에 관한 정의에 긍정적인 이들은 실험적인 예술과 엔터테인먼트 사이에 경계가 없다고 주장하는 반면, 반대하는 이들은 부가가치 창출이라는 문화의 산업적인 특성만을 지나치게 중시한다는 측면에서 비판적인 견해를 피력한다.
<미디어예술제>에는 또 다른 비판이 가해지고 있는데, 두 번째 논쟁은 심사위원 구성과 관련되어 있다. 주최 측은 이번 대회에 84개국의 4,327점이 출품되었고 이 중에서 일본 출신 아티스트의 작품이 2,000점이라는 사실을 들어 예술제가 국제적인 행사로 성장했다고 밝혔다. 하지만 예술제의 심사위원이 전원 일본인으로 구성되었다는 점은 수상작 선정에 있어서 자국 작가의 작품과, 일본의 문화적 감수성과 공감대를 형성하는 해외 참여자의 작품이 유리할 수 있다는 우려를 낳았다. (이 점은 애니메이션부문의 대상 수상작으로 14년 만에 해외 작품이 선정되었다는 사실로도 어느 정도 뒷받침된다.) 진정한 국제행사가 되려면 이제 절반이 넘는 해외 참가자들에게 공정한 잣대를 제시할 수 있도록 심사제도의 정비가 필요한 시점이다.
이와 같이 겉으로 드러난 문제점과 몇 십 년 만에 도쿄에 내린 폭설에도 불구하고, <미디어예술제> 는 줄을 서서 봐야할 정도로 대성황을 이루었다. 심지어 출품작에 비해 전시 공간이 비좁을 뿐만 아니라, 공간 구획 없이 모든 작품을 한 장소에 모아놨기 때문에 작품 감상이 쉽지 않았는데도 말이다. 전시 이외에도 백남준이 “나에게는 세상에서 가장 위대한 의사”라고 칭한 엔지니어 슈야 아베의 공로상 수상 기념 심포지엄 <엔지니어링! 백남준>을 비롯하여 스크리닝, 토크, 워크숍 등의 부대 행사에도 많은 청중이 참석하였다. 이처럼 수많은 관객의 자발적인 참여는, <미디어예술제>가 애니메이션부문 우수상을 받은 히데아키 안노의 <에반게리온 신극장판: Q>와 만화부문 대상작인 히코 아라키의 <죠죠의 기묘한 모험 8부>를 포함하여 전 세계적으로 인기 있는 작가들의 애니메이션과 만화를 한 자리에서 경험할 수 있는 기회이기 때문이다. 또한 이러한 상황을 설명할 수 있는 근본적인 요인으로 미디어아트 전반에 대한 일본인의 남다른 애정과 관심을 들 수 있다.
올해 아트부문 대상을 수상한 카르스텐 니콜라이는 알바 노토(alva noto)라는 또 다른 이름으로도 알려진 노이즈 음악가이도 하다. 기술적인 장치를 이용하여 사운드와 비주얼을 결합한 작품을 제작해온 니콜라이의 은 텔레비전 모니터에 자석을 대고 움직이거나 코일을 부착한 후 전기를 흐르게 하여 새로운 이미지를 만들어내던 백남준의 실험 TV 시리즈를 연상케 하는 작업이다. 벽면에 설치된 4개의 네온 튜브에서 발하는 빛이 카메라를 통하여 CRT 텔레비전에 전달되면, 텔레비전 모니터에는 4개의 선이 나타난다. 이 선들은 천장에 매달린, 끝 부분에 자석이 부착된 기다란 추가 불규칙적으로 모니터 위를 움직일 때마다 색채와 형태가 왜곡되고, 이러한 자기장의 파동은 사운드 시스템으로 전달되어 소리를 발생시킨다. 작가가 와타리현대미술관에서 기획한 백남준 추모 콘서트에서 영감을 받아 제작했다는 이 작품은 그동안 소개된 니콜라이의 다른 작품들과 비교했을 때 최고의 작품이라고 평가할 수는 없다. 대상은 이란 개별 작업이 아닌, 예술과 과학을 가로지르며 지속적으로 작품 활동을 펼쳐 온 아티스트 니콜라이에게 수여된 것으로 보였다

 

다른 컬러, 동일한 컬러, 그리고 세계화

대상 수상작 보다 관객들을 집중시킨 작품은 심사위원 추천작으로 전시된 에이 와다의 이었다. 구형의 오픈 릴(open reel) 자기(磁氣) 녹음기를 사용한 작품과 퍼포먼스를 꾸준히 진행해 온 와다는, 앞면에 투명한 아크릴이 부착된 4개의 높은 단 위에 자기 녹음기 한 대씩을 설치하였다. 4대의 자기 녹음기에 부착된 릴이 회전함에 따라 릴에 감겨 있던 자기 테이프가 풀려 나가고, 풀어진 테이프는 추상적인 형상을 만들면서 단 속으로 떨어진다. 자기 테이프가 끝까지 풀린 순간 릴이 반대로 회전하기 시작하고, 이어서 테이프는 릴에 다시 감겨 올라가게 되는데, 이처럼 조금 전과 반대의 상황이 벌어지는 동안 테이프에 녹음된 음악이 큰소리로 재생되면서 관객들은 자연스럽게 이 작품으로 시선을 돌리게 된다. 용도 폐기된 테크놀로지의 산물에 새로운 기술을 덧대어 본래의 기능을 상실한 다른 매체로 변환시킨 와다의 재능은, 이미 오래된 텔레비전의 내부를 조작하여 텔레비전을 드럼과 같은 악기로 변모시킨 전작 <브라운 튜브 재즈 밴드>(2010 일본문화청미디어예술제 우수상 수상작)에서 빛을 발한 바 있다.
<미디어예술제>의 출품작들이 디지털 테크놀로지에 기반을 두거나 직접적으로 움직임을 연출하는 특성을 보이는 반면, <에비스영상제>에 소개된 작업은 대부분 사진, 비디오, 필름과 같이 미디어아트의 역사에서 ‘고전’의 영역에 속하는 매체들로 표현되었다. 도쿄도사진미술관에서 열리는 전시인 만큼 매체의 형식보다는 매체를 통해 전달되는 ‘이미지’에 중점을 둔 이 영상제는, 매년 동시대의 상황을 드러내고 삶의 다양성을 탐구하는 주제에 맞춰 작가를 선정하는, 지극히 전통적인 주제전이자 그룹전의 형식을 띠고 있다.
<제6회 에비스영상제>의 <트루 컬러(True Colors)전>은 세계(globalization)라는 익숙한 주제를 선택한 만큼 얼마나 참신한 이야기를 끌어내는지가 관건이었다. 이를 해결하기 위하여 기획자는 18명의 작가(팀)가 참여한 전시 이외에도 심포지엄, 토크, 강연, 그리고 15종류의 스크리닝 프로그램과 에비스 가든 플레이스에서 열린 시징맨의 퍼포먼스를 통해 세계화의 서로 다른 목소리를 대변하는 무대를 만들고자 노력하였다. 페스티벌 디렉터인 히로미 기토자와가 세계화에 대하여 언급하려는 내용은 전시 제목인 <트루 컬러>에 대한 해석, 즉 본성·본색·개성의 의미를 지닌 ‘트루컬러’가 다양한 국가와 인종을 배경으로 동시대에 공존하는 각기 다른 문화·전통·사상·자연환경 등을 제시하는 데 적합한 단어라는 언급에서 뚜렷이 드러난다.
전시 작품들 중에서 색색의 페인트를 칠한 오래된 건물들을 촬영한 앙리 살라의 <내게 색채를 줘>는 기획자가 의도하는 세계화와 지역화의 복잡하고도 미묘한 관계, 세계화로 인한 예기치 못한 현상 등을 함축적으로 암시한 영상이다. 공산주의 체제가 휩쓸고 간 알바니아의 수도 티라나의 도심 재건사업 중 하나를 촬영한 이 작업은, 자유가 주어진 사회에서 오히려 지역적 특성과 개별적인 맥락이 사라져가는 역설적인 상황을 묘사하고 있다. <내게 색채를 줘> 이외에도 살라의 초기 영상 6점이 스크리닝의 첫 번째 섹션으로 구성되었다. 기획자가 살라의 작업을 집중적으로 소개했다는 사실에서 개인과 전체, 지역화와 세계화와 같은 이분법적으로 나누어진 양 극단의 개념들이 명확히 구분할 수 없게 엉켜있고, 모든 일에는 명과 암이 공존한다는 평범한 진리를 기록한 그의 작품들이 <트루 컬러전>의 주제를 포괄적으로 전달하고 있음을 짐작할 수 있다.
세계화의 다양한 양상에 초점을 맞춘 이 전시에는 세계화의 한 측면을 스포츠와 전체주의의 속성에 빗대 표현한 타란 질과 필라 마타 듀퐁의 <실내 체육관>, 카메룬과 에티오피아의 일상을 인류학자의 시각으로 기록한 다이스케 분도, 이츠이 가와세의 비디오와 함께 서양의 시각으로 바라본 아시아의 정형화된 모습을 비판하고 이를 넘어서려는 아시아 출신 작가들의 영상이 다 수 소개되었다. 하지만 각 지역의 특수성에 집중한 작품들을 감상하면서, 특히 대형 스크린을 통해 티베트의 종교 의식인 코라의 과정을 고화질로 촬영한 리우(Jawshing Arthur Liou)의 비디오를 보면서, 이 작업이 티베트를 바라보는 기존의 시선에 동의하거나 그 시선을 강화하는 것은 아닐까 하는 생각이 들었다. 타이완 출신으로 미국에 거주하는 작가는 티베트 불교의 성지인 카일라스 산과 컬러풀한 색상의 옷을 입고 황량한 설산을 오르는 순례자들을 공들여 촬영하였다. 하지만 아시아인의 작업임에도 ‘문명화되지 않은, 순수한, 미지의, 성스러운’과 같이 티베트를 떠올릴 때 쉽게 연상되는 형용사들로부터 이 비디오는 자유로울 수 없었다. 오히려 <코라>는 오리엔탈리즘을 극복하거나 무시하거나 대안을 제시하기보다는, 아시아인인 필자 역시 전 지 구적으로 획일화된 시각에 맞춰 아시아를 바라볼 수밖에 없음을 깨닫게 하는 작품이었다. 우리도 모르는 사이, 세계화의 트루 컬러는 이미 우리를 동일한 컬러로 물들인 것이다. ●

[프리뷰] Preview

정연두
삼성미술관 PLATEAU 3.13~6.3

낯선 이들의 꿈, 소망과 열정에 주목해 우리의 눈에 보이지 않는 것을 통해 세상을 다시 바라보게 하는 정연두의 개인전이 열린다. 이번 전시는 스펙터클이 주도하는 오늘날의 미술계에서 우리의 일상과 맞닿은 예술로써 현대미술에 대한 새로운 관점을 제안하고자 기획되었다. 정연두는 사람에 대한 관심과 애정, 세심한 관찰을 늘 작품의 모티프로 삼으며, 일상에서 만나는 평범한 사람들의 삶에 다가서는 매력적인 작업을 전개해 왔다. 이번 전시는 국내에서 6년 만에 선보이는 대규모 개인전으로 국내에 많이 소개되지 않았던 초기 대표작과 더불어 2점의 신작을 새롭게 선보이며 다양한 사회계층의 일상을 조명한다. 인간의 표면과 내면, 사회와의 관계를 성찰하고 우리사회에 대한 작가의 진심 어린 관심과 공감을 드러낸다.

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SeMA 골드 <노바디>
서울시립미술관 3.18~5.11

3인의 재외 한인 여성작가의 눈을 통해 우리 안의 타자가 갖는 의미를 돌이켜본다. 민영순 윤진미 조숙진이 참여해 사회와 개인 안에서 타자의 의미를 찾는다. 민영순은 미국에서 바라보는 한국 사회 안의 외국인 노동자, 새터민, 난민들에 대해 이야기하고 캐나다에 거주하는 윤진미는 국가와 개인, 도시와 재난 사이를 자신의 신체를 통해 탐구한다. 또한 조숙진은 명상적인 작품을 통해 노바디의 힘을 모색한다. 이번 전시에서는 해외 거주 한국 미술가들이 어디에도 속할 수 없고, 어디에나 속하는 노바디로서의 위치를 탐구하며 예술가가 어떻게 세상과, 또 자신과 대면해왔는지를 살펴본다. 특히 비서구, 여성이라는 보다 강화된 타자적 조건 속에서 끊임없이 대면해 온 정체성 문제가 3명의 작가들에게 있어 어떻게 서로 다른 방식으로 표출되는가를 비교해 볼 수 있다
민영순 작

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달의 변주곡
백남준아트센터 2.26~6.29

인류 역사상 유례없는 속도전을 펼치고 있는 현대인들이 예술이 표현하는 새로운 시간성을 느낄 수 있는 전시. 이번 전시에서는 7명의 작가의 작품을 통해 현대예술의 다양한 시간성을 체험함으로써 일상을 되돌아보게 한다.
데이빗 클레어바트 작

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곽남신
OCI미술관 3.12~4.30

대상의 실루엣을 이용한 ‘그림자 회화’로 독창적인 작업세계를 펼쳐온 곽남신의 개인전. 인간의 삶의 문제를 화두로 한 ‘껍데기’라는 주제를 통해 인간과 사회에 대한 풍자와 유머를 회화, 드로잉, 판화, 입체설치 등의 다양한 장르로 선보인다.

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황인기
사비나미술관 3.12~4.18

3년만에 개최하는 황인기의 개인전. <내일이면 어제가 될 오늘>이라는 타이틀로 시간의 덧없음과 현대 물질만능주의에 관한 이야기를 선보인다. 이번전시는 그동안의 디지털산수화, 레고산수화에서 벗어나 보다 확장된 방식의 설치작업으로 구성된다.

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코리아나미술관 3.20~5.31

<뮌, 기억극장전>이라는 타이틀로 진행되는 전시. 작가는 이번 전시에서 기억하는 방식, 기억이 유지되고 소실되는 과정 등을 극장 형태의 설치작품으로 가시화하고 미디어가 포함된 6개의 오브제 설치 작품과 3개의 비디오 작업으로 구성한다.

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건축적 조각
소마미술관 3.7~5.9

경계면에서 놀이를 행하던 유희적 공간을 모티브로 미술관 주변 경계면과 틈의 장소에 대한 조형적 의미를 살린다. 이번전시에서는 건축물 및 실내 공간을 제 3자의 시각으로 조명하는 입체, 설치, 영상작품 등 총40여점 소개한다.
문경원 작

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정수진
갤러리 스케이프 3.27~5.18

회화의 다차원성과 사물의 상호관계를 화면에서 다뤄온 정수진의 개인전. 작가는 세계의 기원을 역추적하고 이분화된 세상의 논리, 관념들을 평면의 다차원 구조로서 재정리하며 한층 심화된 회화의 다차원성을 구체적으로 풀어낸다.

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클로즈업
두산갤러리 3.5~4.3

작가 함진과 유승호가 함께하는 기획전. 두 작가의 작업은 자세히 들여다보면 이미지 전체를 볼때와 또 다른 풍경을 발견하게 된다. ‘클로즈업’의 묘미 느낄 수 있는 두 작가의 작업을 통해서 새로운 시선으로 세상을 바라보는 계기를 마련한다.
함진 작

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이완
Project Space 사루비아다방 3.7~4.5

‘개인과 집단, 그리고 그것을 구성하고 와해시키는 기준’을 찾아 나가는 작업을 하는 이완의 개인전. 이번전시에서는 사회 구성원들에게 ‘우리는 무엇인가?’라는 질문을 던지고 집단과 개인, 객관적 기준과 주관적 사고 사이의 간극을 가시화한다.

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네오산수
대구미술관 2.11~5.18

전통 산수화와 그 개념이 현대미술 속에서 어떻게 현대적으로 차용되고 변용되었는지를 살피며 우리 시대 새로운 미술의 의미를 모색하고자 기획되었다. 다양한 장르에서 활동하며 한국 현대미술을 대표하는 작가 31명의 작품으로 구성되었다.
김영현 작

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이제
갤러리 조선 3.12~4.2

지난 3년 동안 도시를 소재로 작업한 신작 회화들을 발표한다. 뉴욕과 서울, 제주를 오가면서 경험한 낯설음과 익숙함의 풍경을 다뤘다, 작가는 빛이 꺼진 공간 속에서 인간의 자리나 흔적들로부터 번지는 모습들을 통해 현실을 표현한다.

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떠나거나, 혹은 남거나
갤러리 팩토리 2.18~3.16

사라지기 쉬운 대상을 작품의 주요 소재로 삼는 3명의 작가 김재민이, 우리, 하나에 우타무라의 그룹전. 이들 작가는 예술의 끊임없는 딜레마인 ‘일시성, 단명성’ 그리고 ‘영원성’의 관계를 ‘작품 부활’ 작업을 통해 재조명한다.
김재민이 작

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설원기
통인옥션갤러리 3.5~30

드로잉을 단순히 밑그림이 아닌 하나의 장르로 인식해 그 자체에 매력을 느끼고 즐기는 설원기의 개인전. 작가는 생활 속의 드로잉을 통해 순간의 기억과 경험을 일깨우며 겉모습이 아닌 본질의 중요성을 말하고자 한다.

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양옥경
서대문자연사박물관 3.18~4.6

서양화가 양옥경의 15번째 개인전이 열린다. 작가는 인간세상의 권력구조와 상하관계를 자연과 동물에 빗대어 표현한다. 색과 채도 등이 다르게 표현된 대상을 통해 물질만을 쫓는 세태를 비판하고 인간의 본성을 역설적으로 풀어나간다.

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판화가 대화하는 법
BSSM 백순실미술관 3.1~4.20

강정헌 구성수 김상구 곽남신 박영진 백순실 이지연 홍성담이 참여해 판화의 매체적 함의에 대해 살펴본다. 판화를 장르로 규정짓기보다 하나의 매체로서 그 동시대적, 확장적 의미를 탐색하며 예술에 대한 개념, 사고의 형태를 재고하게 한다.
박영진 작

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박철/ 이상원
영은미술관 3.1~5.4 / 3.1~30
제 1전시장에서는 3월1부터 5월4일까지 ‘한지 부조회화’ 작업을 지속적으로 진행해온 박철의 개인전을 선보인다. <지에 수복을 담다>라는 타이틀로 진행되는 이번 전시는 옛 것과 새 것의 조화를 꾀하고 토속적인 것과 근대적인 것을 접목해 그 간극을 메우는 새로운 방식을 선보인다. 제 2전시장에서는 3월 1일부터 3월30일까지 영은창작스튜디오 9기 입주작가 이상원 개인전을 개최한다. 현대를 살아가는 개인과 군중, 우리 삶 속 여가의 풍경에 대해 작가만의 회화 기법을 구축해 가고 있는 최근작을 중심으로 선보인다 .
박철(좌) 이상원 작

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최소한의 최대한
아트센터 화이트블럭 2.28~4.27

모더니즘의 추상주의 시대를 벗어난 현재 상황에서도 추상적 작업을 지속하는 작가들의 작품을 살펴볼 수 있다. 이번 전시에는 이강욱 정승운 오윤석 3인의 작가가 참여해 드로잉, 평면회화, 설치작업 등 다양한 작품을 만나볼 수 있다
오윤석 작

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김성호
갤러리 현대 3.14~4.12

거대한 책과 비현실적인 장난감을 조형적으로 배치해 개인의 내면에 고정된 진리가 아닌 ‘낯선 환경’을 제시해 온 김성호의 개인전, 이번 전시는 4년 만의 개인전으로 작가 특유의 상상력과 표현기법이 돋보이는 신작 12점을 선보인다.

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 장혜홍
복합문화공간 행궁재

동양에서 부귀를 상징하는 모란꽃을 소재로 복을 염원하는 마음을 표현한 작품을 선보인다. 모란꽃 봉오리가 맺히고 만개하여 지는 과정을 염색물감과 아크릴물감을 혼합하여 면천에 염색기법으로 표현하고 보석을 부착하여 화려하게 구성하였다.

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조해영
갤러리 BK 2.18~3.23

존재하는 것이 무엇인가에 대해 질문하며, 시각을 통해 대상의 존재를 끊임없이 사유한다. 자신의 주관적인 시점을 배제하며, 보이는 대상의 객관적 시선의 단면을 통해 순간적으로 포착되는 대상을 현실에 존재하는 찰나의 풍경으로 담아내었다.

 

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송동
송원아트센터 3.22~4.18

중국적 전통과 가치를 작품과 결합하는 방식으로 가장 중국적인 작품이 가장 세계적인 작품이라는 것을 보여준 중국현대미술의 대표작가 송동의 개인전. 이번전시는 60여개의 침대를 쌓아올린 설치물을 비롯한 설치작품으로 구성된다.

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 Dzine
리안갤러리 서울 3.12~4.26

시카고를 근간으로 활동 중인 디자인의 개인전. <Thinking of Forever>이라는 타이틀로 열리는 이번 전시에서 작가는 블랙 미러 페인팅과 조각, 설치 등 특유의 표현기법으로 자신의 문화적 정체성을 나타낸 신작 10점을 소개한다.

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한경우
송은아트스페이스 2.28~4.12

대상을 바라보는 ‘시각’과 대상을 인지하는 우리의 ‘관점’ 사이에는 서로 일치하지 않는 간극이 존재한다는 점에 주목하는 한경우의 송은미술대상 수상전.이번 전시에서는 관념에 의한 지각이 적극적으로 다루어지는 영역을 소재로 신작을 선보인다.

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 이희상
노암갤러리 3.19~4.3

30여년을 한결같이 흑백 다큐멘터리 사진으로 작품을 제작해온 이희상 작가의 개인전. 이번 전시 ‘적막-은밀한 소환’은 아무도 돌아보지 않는 생물과 사물 그리고 그들의 은밀한 이야기에 접근하는 작가의 날카로운 시선을 볼 수 있다.

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현대미술 20인의 시각과 전망전
예일화랑 3.13~22

전국 각지역에서 역량있는 작가 20인을 선정한 예일화랑의 봄 정기기 획전. 오세영 김동호 이건임 김수남 조태근 김정택 문홍규 손문익 이희돈 이홍전 이원교 김형돈 한경옥 장국보 박정희 한춘희 배희권 김명희 이혜임 이종혁이 참여한다.
오세영 작

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 김성은
에프앤아트스페이스 3.7~29 

라는 타이틀로 열리는 김성은의 개인전. 작가는 자신의 일상 속에서 가장 쉽게 볼 수 있는 대상인 사무실 모습을 화려한 단색조의 풍경으로 표현하며삭막한 사무실을 작가만의 시선이 담긴 새로운 풍경으로 생산해 낸다.

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천경자와 젊은 친구들
미광화랑 3.21~4.3

천경자 이진원 김성철 김해진이 각각 15점의 드로잉을 선보인다. 대가와 손자뻘 되는 젊은 작가의 드로잉 작품을 통해 한자리에 모았다. 예술가의 연륜이나 유명과 무명의 경계를 초월한 본질적인 것에 초점을 맞춘 기획전이다.
천경자 작

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제이안
세종문화회관 미술관 3.19~25

도시의 이미지를 색으로 표현하는 사진작업을 해 온 제이안의 5번째 개인전. <청계천-기억될 시간들>은 2004년부터 현재까지 계속 진행하고 있는 프로젝트로 서, 청계천 공구상 골목의 독특한 정서와 풍경을 재해석하고 기록한 사진을 선보인다.

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이순구
갤러리 JOY 3.20~4.15

갤러리 조이의 재개관전. 커다랗게 입벌려 웃으며 입 안 가득 사랑의 메시지를 전달하고 있는 천진하고 진솔함이 묻어나는 순박한 웃음은 보는 이들을 저절로 웃음 짓게 한다. 작가는 함박웃음 그림을 통해 행복과 웃음을 선사한다.

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소소혜
갤러리 예담 3.5~11

소소한 일상의 풍경을 세밀한 붓질과 선명한 색채로 표현하는 소소혜의 개인전. <여산여수>라는 타이틀로 열리는 이번 전시에는 통속적인 산수의 고정관념을 벗어나 새로운 시각으로 바라 본 30여 점의 작품을 선보인다.

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 김수연
무등갤러리 3.13~19

여행을 통해 수시로 변하는 자연의 아름다운 순간들을 포착하고 그때 느낀 감동을 표현하는 김수연의 개인전. 이번 전시에서는 푸른색과 회색을 주조로 한 풍경을 통해 작가가 히말라야와 킬리만자로에서 느꼈던 깊이감을 전한다.

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사빈 펄먼
표갤러리 사우스 2.11~3.10

오스트리아 출신 사진작가 사빈 펄먼의 작품을 한국에서 처음으로 선보인다. 작가는 순간을 기록한 사진을 통해 대상의 시각적인 아름다움을 부각시켜 대상이 지닌 본질을 애매모호하게 표현하며 사물의 진정한 본질이 무엇인지 묻는다.

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박성환
가온갤러리 3.5~16

물감의 흐름, 갈라짐, 기포 등 우연적인 효과를 활용하는 박성환의 개인전이 열린다. 작가는 손이나 행위가 아닌 우연성과 자연적인 효과에 기댄 순수한 이미지를 ‘영적-실재 그 자체의 세계를 캔버스에 우주 최초로 연그림’으로 표현한다.

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유혜경
해운대아트센터 2.25~3.16

<유쾌한 산수>라는 제목처럼 상상을 통해 나온 이야기를 통해 즐거움을 선사하는 유혜경의 개인전이 열린다. 작가는 거대하게 솟아오른 바위산에서 암벽등반을 하거나 다양한 형태의 유람을 즐기는 모습을 통해 현대인들의 분주한 삶을 위로한다.

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장을봉
서학아트스페이스 3.7~31

돌을 깎는 고된 작업을 통해 돌의 무게를 덜어내는 일련의 시간들을 회화적 질감으로 차례차례 보여준다. 무겁고 단단하고 거친 돌의 물성을 거스르지 않으면서 새로운 존재로 환기시키는 일을 통해 세상 모든 것에 깃든 존재의 의미를 되새긴다.

 

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양화정
갤러리 이브 3.6~25

꽃이 피어나는 과정에 주목하는 양화정의 32번째 개인전. 작가는 일상생활 속에서 관심을 가지고 관찰한 인간의 일생을 꽃이 피고 지는 주기에 비유하여 파스텔톤의 부드러운 색감과 작가 특유의 구성으로 표현한다.
이혜승 작

 

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오윤경
갤러리 가비 3.14~4.2

익숙한 사물의 패턴 형식에서 서사적 구조를 찾아내는 오윤경의 개인전. 작가는 종이접기를 통해 무한히 반복되는 삶을 반추한다. 이번 전시에는 사진, 컴퓨터 프로그램, 복합매체 프린팅 등을 사용해 다양한 이미지를 선보인다.

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Simon’s Friends
갤러리 시몬 3.20~5.9

문범 배형경 노상균 강애란 최선명 권소원 김주현 황혜선 구자영 김신일 이창원 김지은이 참여하는 개관 20주년 기획전. 이번 전시에서는 평면, 미디어, 조각, 설치를 아우르며, 한국 현대미술의 흐름을 감상하는 장일 될 것이다.

 

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김재신
갤러리 두 3.4~27

통영 토박이인 작가는 ‘동피랑’의 이야기를 그의 작품 속에 새겨 넣었다. 동화와 같은 평면세계는 시골 풍경에 대한 추억을 지닌 이에겐 고향에 대한 향수를, 도시에서 자라난 어린 세대에게는 새로운 세계에 대한 낭만을 불러일으킨다.

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나옥자
세종갤러리 3.4~16

하찮은 대상도 애정 어린 시선으로 바라보는 나옥자의 개인전. 작가는 소박한 예술가적 심성과 감흥으로 이를 사각의 캔버스 안에 담아 다양한 색이 조화롭게 자리한 한국인의 일상의 자연스러움을 작품 내면에 표현한다.

[Review] 조형섭-부흥상회

가난과 쇠락으로부터 벗어나려는 한국 사회는 발전, 개발 등과 더불어 부흥이라는 염원을 하나의 집단심리 표상으로 삼았다. ‘부흥상회’와 같은 이름은 한국 현대사의 초입에서 만날 수 있는 집단표상이다. 그러나 부흥이라는 낱말은 이미 진부해졌고, ‘○○상회’라 이름도 오래전의 일이라 ‘○○수퍼’의 단계를 지나 편의점과 할인마트의 시대를 맞았다. 따라서 ‘부흥상회’라는 간판은 역설적이게도 쇠락을 대변하는 오브제로 남았다. 조형섭은 부흥과 쇠락이라는 사회의 역설을 차용해서 예술을 이야기한다. 작업실과 전시장이라는 한정된 공간에서의 행위를 통하여 명망성 경쟁의 우위를 확보하고 자본가치를 획득하는 것이 대세인 가치전도의 시대에 그는 예술의 장 바깥 마을의 서사를 탐구하고 있다. 조형섭의 출발은 채집이다.
그는 자신의 생활 주변에서 발견한 평범한 오브제를 중심으로 작업을 풀어나간다. 그의 오브제는 나무와 쇠, 플라스틱, 페인트, 자개 등의 물질들이다. 그런데 그의 오브제가 예술창작의 일반적인 질료들과 다른 점은 그 속에 시간과 공간의 서사를 탑재하고 있다는 점이다. 그것은 작가 자신과 연관한 장소의 상황을 집약한 따뜻한 오브제들이어서 예술적 소통을 위한 의제생성과 그것을 풀어나가는 다양한 방법론들을 펼쳐내기에 최적의 질료들이다. 다만 전제할 것은 그 오브제들을 채집한 예술가의 마음이다. 이미 그 자체로 장소성을 반영하여 모종의 상황을 담고 있는 물건을 선택하고 그 의미 맥락을 전유하려고 하는 예술가의 마음이야말로 채집한 사물을 예술작품으로 전환하는 결정적 변수이다.
오브제를 해체하고 다른 질료를 결합해 재조합하는 과정에서 조형섭은 새로운 오브제를 만든다. 버려진 물건들의 쓸모를 재발견하고 그것을 원본으로 복제본을 만드는 과정에서 소반이며 자개농, 의자, 슬리퍼 등의 사물들이 새로운 서사를 만들어낸다. 예술가가 일상의 오브제를 채집한다는 것은 그 속에 담긴 서사를 획득한다는 것인데, 문제는 그 이후 예술적 전유의 맥락과 수준에 따라 소통과 공감의 수준이 달라진다는 점이다. 특히 예술가의 처소는 그의 마음을 좌지우지하는 매개요소다. 그는 대도시가 아닌 외딴 시골마을의 레지던시에서 작업을 이어오고 있다. 작업실과 마을 사이의 경계를 오가는 주변인으로서 생활 속의 서사와 예술적 담론 사이의 연계를 찾아나서는 조형섭의 작업은 오브제아트에서 마을예술로 진화하고 있다.

김준기・미술비평