차라리

여러모로 뒤숭숭한 요즘이다. 그래도 지구는 여전히 돈다. 어제와 같은 속도로 쉬지 않고 돌고 있다. 여기에 발 딛고 사는 99.99% 평범한 사람들의 소소한 일상도 마찬가지. 다람쥐 쳇바퀴 돌 듯 무심히 지속된다. 미술판도 예외는 아니다. 계절 따라 피고 지는 꽃처럼 크고 작은 전시가 끊임없이 열렸다 사라지길 반복한다. 이천십사년 유월, 유독 눈에 띄는 전시 세 개가 있다.

<간송문화(澗松文華)-문화로 나라를 지키다展>
1부:간송 전형필 3.21~6.15, 2부:보화각 7.2~9.28 동대문디자인플라자 배움터 2층 디자인박물관
<오르세미술관展-인상주의, 그 빛을 넘어> 5.30~8.31 국립중앙박물관 기획전시실
<아트스펙트럼2014> 5.1~6.29 삼성미술관 Leeum

제목만 보더라도 화려하고 풍성하다. 그야말로 東西古今 미술의 ‘종합선물세트’다. 동양과 서양, 전통과 현대, 과거와 현재의 미술을 동시에 비교 관람할 수 있는 아주 좋은 기회다. 그런데 왠지 모르게 찜찜하다. 뭔가 이상하다. 단추 구멍을 잘못 끼운 것처럼 편하지 않았다. 왜 그럴까 가만히 생각해 보니 바로 장소 때문이었다. 각각의 전시성격과 전시장 조합이 어색했다.
우선 한국 전통문화의 명품이라 일컬어지는 간송 컬렉션. 사실 그동안 성북동 보화각의 낙후된 전시환경이나  지나치게 폐쇄적인 미술관 운영에 불만을 갖고 볼멘 소리를 하는 사람이 많았다. 그러니 이제라도 최신 시설을 갖춘 공간으로 나와 대중과 거리 좁히기를 시도한 건 쌍수를 들어 환영할 일이다. 그런데 그 파트너가 서울디자인재단이라니! 어안이 벙벙하다. 간송이 보유한 콘텐츠와 DDP 하드웨어의 만남은 좋게 말해 전위적이고 반대로는 쌩뚱 맞기 그지 없다. 실제로 동대문 주변과  DDP 현장은 이도저도 아닌 초현실적인 분위기를 풍겼다.
<오르세미술관展-인상주의, 그 빛을 넘어>의 시초는 14년 전으로 거슬러 올라간다. 2000년 10월 국립현대미술관 덕수궁분관에서 <오르세미술관展-인상파와 근대미술>이 처음 열렸었다.  당시《 월간미술》도 여기에 호응해 인상주의 특집기사를 냈었다. 그래선지 전시는 대성공이었고 불행인지 다행인지 그 여파는 여전히 계속된다.  그후로 방학시즌만 되면 대형기획사가 언론사와 손잡고 인상주의 언저리 작품을 앞세운 블록버스터 전시를 유치하는 게 연례행사처럼 됐으니 말이다. 여하튼, 지금 국립중앙박물관 기획전시실에서 열리는 <오르세미술관展>은 출품작 수준이나 전시구성 면에서 좋은 전시다. 그런데 전시 장소가 ‘박물관 Museum’이다. ‘미술관 Museum of Art’이 아니다.  이것 또한 이상하다. 굳이 따지자면 이상할 일도 아니지만, 단순히 생각하기엔 좀 그렇다는 얘기다. 하기야 지난해에도 같은 장소에서 <미국미술 300년전>이 열린 전례가 있으니, 이걸 가지고 이제 와서 이러쿵저러쿵하는 모양이 뒷북치는 것 같기도 하다. 아니나 다를까 서양미술사 전공자인 국립중앙박물관 김영나 관장은 서양의 명화(?)를 국립중앙박물관에서 전시하는 당위성과 의미를 이미 여러 차례 피력했다. 이런 전시 개최가 정말로 합당했다면 굳이 그렇게까지 자상하게 설명하지 않아도 될 텐데 말이다.
<아트스펙트럼2014>은 리움 큐레이터 5명과 외부 기획자 5명이 선정한 작가 10명의 작품이 선보이고 있다. 올해 처음 <아트스펙트럼 작가상>도 제정됐다. 수상자에겐 상금 3천만 원과 2016년 플라토에서 개인전 기회가 주어진다. 역시 삼성(미술관)! 통크고 파격적이다. ‘신진, 젊은, 발굴, 지원, 미래, 경쟁’이란 수식어가 무색하지 않을 만큼 대부분 작품이 의욕 넘쳐 보였다. 하지만 전시장을 둘러보면서 리움 블랙박스가 마치 무덤처럼 느껴졌다. 미술관이야말로 미술작품의 종착역이요 무덤이라고 하지 않았던가. 그런 의미에서 이번 전시는 젊은 작가의 조로(早老)를 부추겼고, 조금더 격하게 표현하자면 젊은 작가의 작품을 너무 일찍 박제로 만들어 한꺼번에 생매장해버린 것 같다는 인상을 받았다.
결론적으로 나는 이 세 전시를 보면서 우리 사회의 한 단면을 목격했다. 겉모습은 그럴 듯하지만 속을 들여다보면 어딘지 모르게 뭔가 허술하고, 엉성하고, 아귀가 맞지 않는.  ‘고도 압축 성장’의 결과가 낳은 전형적인 한국    ‘짬뽕문화’의 민낯 말이다. 그러면서 이런 상상을 해봤다. 차라리 <간송문화展>이 국립중앙박물관에서 열리고,   <오르세미술관展>은 삼성미술관리움에서 그리고 <아트스펙트럼展>이 DDP에서 열렸다면 어땠을까.

편집장 이준희  dam2@unitel.co.kr

제10회 광주비엔날레 총감독  제시카 모건

비엔날레를 불태우라

“터전을 불태우라(Burning down the house)”. 이 확고한 선언은 <제10회 광주비엔날레 >주제다. 지난 5월 1일,   기자는 런던 테이트 모던에서 제시카 모건 <제 10회 광주 비엔날레> 감독을 만나 이야기를 나눴다. 이날 제시카 모건은 유럽 각국의 기자들에게 자신이 리서치한 광주의 역사적 사건과 맥락을 설명했다. 외신들의 관심은 제시카 모건의 시선으로 본 광주에 모아졌다.  지금까지 그녀가 보여준 전시는  특히 ‘장소성’에 기반을 둔 경우가 많았다. 그만큼 장소는 그녀의 큐레이토리얼에 큰 역할을 한다. “비엔날레가 열리는 타 도시와 달리 광주는 관광도시가 아니다. 광주의 강한 역사적 맥락은 비엔날레를 준비하는 데 부담이 되기보다는 큐레이터로서 전시를 기획하는 데 확실한 메시지를 갖게 한다.” 1년이 넘는 리서치에도 불구하고 그는 외국인 큐레이터의 눈으로 본 한국사회의 맥락(context)을 숨기지 않는다. 인터뷰에서 그녀는 “나에게는 새롭지만, 한국인에게는 너무나 익숙한 맥락, 잘 알려진 작가들을 어떻게 새롭게 보여주고 해석할지에 대한 고민이 컸다”고 말했다. 한국의 맥락을 배제한 채 전적으로 외국인의 눈에 비친 모습만을 강조하지 않으면서 서구인의 시선이 삽입되었음을 시원스레 인정했다.
지난 5월 23일 서울에서 열린 주요 일간지와 전문지 기자를 상대로 열린 간담회에서 제시카 모건을 다시 만났다.  광주의 역사적 맥락만큼이나 이번 비엔날레의 주제도 확고하다. 일종의 선언으로 읽히는 ‘터전을 불태우라’란 주제는 함축적인 의미를 담고 있다. 이에 대해 제시카는 “이 문구는 시공간에 따라 열린 해석의 가능성을 갖는다. ‘불태우다’는 표현은 한국이 지닌 상실의 역사, 파괴의 시간을 떠올리면 부정적으로 해석될 수 있다. 그러나 동시에 그 너머에서 우리 이웃들은 무엇인가 다른 모습으로 살아가고 있다. 그들의 모습은 앞을 향한 움직임이자 미래의 열쇠다. 궁극적으로는 우리가 현상을 그대로 받아들일 것인가 아니면 이를 제거하기 위해 무엇인가 다른 것을 성취하여 어떤 영향을 미칠 것인가 질문을 제기하고자 했다”고 말했다. 그렇다면 기존의 하우스(비엔날레)를 불태운 이번 비엔날레는 어떤 장소로 읽힐 수 있을까? 그녀는 “미술관이나 비엔날레나 유사할 것이다. 미술관의 경우는 기관의 비평이나 미술관 내의 해석에 기반을 둔 일련의 예술에 대한 통념적 흐름(계보)이 있다. 이러한 전통적인 아이디어에 함몰될 수 있는 부분에 대해 리뉴얼이 필요하다. 예술적인 부분을 포함해 정서적으로 정신적으로 새로운 기운을 이끌어내려 했다”고 밝혔다. 2013년 베니스비엔날레 영국관을 꾸몄던 작가 제레미 델러는 이번 광주비엔날레에서 전시장 전면 외벽에 화재가 나 벽을 뚫고 나오는 문어의 모습을 거대 실사 출력의 고화질 배너로 설치할 예정이다. 이 모습은 ‘리뉴얼’하는 비엔날레의 이미지를 시작부터 강화한다.
이번 전시에는 대규모 설치 신작을 선보일 얼스 피셔, 스페인 출신 듀요 엘 우티모 그리토 등 세계적으로 활발히 활동하는 작가들을 포함 참여작가의 90%가 광주에서 처음으로 전시하는 작가이어서 주목되고 있다. 총 39개국 106팀의 작가가 참여하며 한국 작가는 전체의 약 20%인 20팀이다. 하우스는 신체, 기관, 체제 등 무한히 적용될 수 있는 메타포다. 광주비엔날레가 개막하는는 9월, 전시 관람자, 비엔날레라는 전시체제, 광주라는 공간 그리고 제시카 모건의 큐레이토리얼이란  하우스의 불씨가 어떻게 변화되어 퍼저나갈지 그 양상이 기대된다.

임승현 기자

제시카 모건은 1968년 영국에서 출생했다. 케임브리지 대학에서 미술사를 전공하고 런던 커톨드 인스티튜트 오브 아트에서 석사학위를 받았다. 이후 시카고 현대미술관, 테이트 모던 등에서 다수의 실험적인 전시를 기획했다. 현재 영국 테이트 모던 큐레이터로 재직 중이다.

2014 광주비엔날레 전시장 전면에 전시될 제레미 델러의 대형 패널작품 예상도

Art Basel in Hong Kong

미술시장 경쟁력, 어떻게 가능한가?

아시아 최고 규모라 할 수 있는 ‘아트바젤홍콩’이 5월 15일부터 18일까지 홍콩 컨벤션센터에서 열렸다. 아트바젤홍콩은 2008년 시작된 ‘홍콩아트페어’가 전신으로, 지난해 아트바젤이 홍콩아트페어를 인수하면서 바젤 브랜드로 재탄생했다. 다시 말하면 아트바젤이 글로벌 프랜차이징으로 지역적 확산을 시도한 것이고, 따라서 2002년 미국의 ‘아트바젤마이애미비치’에 이어 홍콩이 아시아 거점으로 선택된 셈이다. 그 파급효과는 예상대로 놀라운 수준이다. 한국이나 일본의 유수 아트페어에 비해 역사가 짧은데도 불구하고, 홍콩이라는 지정학적 조건과 함께 바젤 브랜드 효과가 한몫하면서 전 세계적인 이목을 단기간에 받게 된 것이다.
여러 매체를 통해 공개된 사실이지만 이번 페어에서 중국 거부와 컬렉터들의 대규모 작품 구매가 두드러졌고, 또 유럽과 미국 컬렉터들의 고액 작품 구매로 많은 화랑이 ‘목표치를 능가하는 실적’을 달성했다는 말이 넘친다. 실제로 올해 참여한 학고재를 비롯 국제, PKM, 박여숙 등 10여 개의 한국 화랑 대표들도 예외 없이 한국에서의 위축된 분위기에 비해 홍콩에서는 구매가 활발하게 이루어졌다고 흡족해 했다. 게다가 39개 국가에서 참여한 245개 화랑의 절반 이상이 아시아・태평양 지역 화랑이라는 사실에서 아시아 작가들의 작품 판매량에서도 약진을 보인 것은 두말할 나위 없다.
이번 페어를 보면서 필자는 지극히 새삼스럽지만 가장 본질적인 질문이랄까, 그런 지점을 되새기게 되었다. 무엇이 아트바젤의 경쟁력을 제공하는가. 주지하다시피 아트바젤은 시장에서 아직 확고한 위치를 확보하지 못한 신진 작가들의 작품을 소개하는 <아트 스테이트먼트(Art Statements)>나 대형 설치작품을 전시하는 <아트 언리미티드(Art Unlimited)>, <아트 필름(Art Film)> 및 <아티스트 북스(Artist Books)> 코너 배치 등 작품의 상품적 가치의 의미를 현대미술의 실험과 성장이라는 맥락과 별개의 것으로 보지 않았다. 신생 화랑을 위한 공간 배분을 비롯하여 미술계의 모든 전문가가 패널로 참가하는 ‘컨버세이션’(Conversations)이나 ‘아트 살롱’과 같은 세미나 프로그램도 그러한 역할에 일익을 다하는 것이다.
홍콩에서도 이러한 구도가 연속되면서 동시에 지역적 맥락이 다양한 형태로 펼쳐진 것이 눈에 들어왔다. 먼저 컨벤션센터 두 개 층을 차지한 공간적 규모와 더불어 입구로 들어서면 그대로 시야에 들어오는 대형 설치작품들이 관람객의 눈을 사로잡았다. 지난해 전시된 양혜규의 설치작품에 버금가는 구웬다의 작품 등 다양한 설치작업이 전시된 <조우’(Encounters)>는 작년에 이어 유코 하세가와가 기획하였다. 이외에도 아트 필름, 아티스트 북스, 아트 살롱 등의 프로그램이 주어졌지만, 그 가운데 필자가 눈여겨본 것은 홍콩 지역에 기반을 둔 다양한 현대미술 기관들의 참여였다. 특히 아시아 아트 아카이브가 주최한 오픈 플랫폼은 큐레이터와 비평 및 이론가, 시각예술기획자 등이 참여하여 다양한 시각예술을 주제로 논의를 주도하는 가운데 홍콩 미술시장의 기반을 만든다는 인상을 받았다.
단적으로 말하면, 아트바젤홍콩의 경쟁력은 곧 미술시장의 구도를 총체적 관계 속에서 본다는 데 있다고 하겠다. 미술시장은 결코 홀로 커갈 수 없다는 사실, 미술시장 구성 요소들의 상호작용과 교류가 잠재력이라는 사실, 지역적 맥락을 강하게 부여하되 글로벌 맥락을 확산하는 전략, 그래서 미술시장에 내놓은 작품들의 다양성이 확인되고, 그로 인해 충성도 높은 고객도 끌어들일 수 있다는 사실 말이다.
물론 외적 요인도 크다. 아트페어 기간을 전후해 전 세계 수집가들과 미술 애호가들을 끌어들이기 위해 100여 개의 미술 관련 행사가 곳곳에서 펼쳐지고, 홍콩 전체가 면세 지역인데다가 중국과 동남아, 한국과 일본 등을 잇는 중간 지점에 자리한다는 입지적 장점이 그것이다. 아트바젤의 글로벌 프랜차이징 전략은 그래서 전체 일정을 조정하기로 한 듯하다. 전해 듣기로 바젤이 6월, 마이애미가 12월인 가운데 홍콩을 지금의 5월에서 3월로 바꾸었다고 한다. 봄, 여름, 겨울로 포진한 것이다.

박신의・경희대 교수

아시아아트아카이브가 주최한 ‘Open Platform’ 토론 장면