제19회 월간미술대상 전시기획 부문 2

《시간/물질: 생동하는 뮤지엄》
서지은 | 코리아나미술관 책임 큐레이터

2023년 상반기, 코리아나미술관과 코리아나 화장박물관에서 진행된 <시간/물질: 생동하는 뮤지엄>은 ‘기관의 개관 20주년을 어떻게 기념할 수 있을까’에 대한 고민에서 시작되었다. 일반적으로 기관의 특정 시점을 기념한다고 하면 기관의 과거 행보를 돌아보는 아카이브 형식의 전시가 많은 편인데, 이러한 상투적 성격보다는 기관의 ‘정체성’에 대한 의미있는 고찰을 담은 전시를 마련하는 것으로 2021년 기획 초기 방향을 설정했다. 스페이스씨는 2003년 개관 이래 ‘옛 것을 익히고 그것을 미루어서 새것을 안다’ 라는 온고지신의 설립 취지에 따라 한 건물 안에 동시대 미술을 다루는코리아나미술관과 전통화장문화를 연구하고 선보이는 코리아나 화장박물관을 함께 운영하며 차별화된 정체성을 구축해 왔다. 박물관과 미술관이 제도적으로 분리된 국내에서 이 둘은 상당 부분 다른 영역으로 취급되고 관리되는 터라, 한공간에서 함께 운영되는 경우는 극히 드물다. 이렇듯 국내에서 독특한 위치를 점하고 있는 스페이스 씨의 개관 20주년을 기념하기 위해 기획된 <시간/물질: 생동하는 뮤지엄> 은 현대미술가 신미경을 단독으로 초청하고, 스페이스씨의 정체성과 특수성을 적극 활용해 동양과 서양 고전과 현대를 아우르며 기존의 경계를 허무는 통합적인 관점으로 선보이고자 했다.

이를 위해 공간적으로도 미술관, 박물관 총 4개 층을 모두 이번 전시의 무대로 활용하였다. 두 개 층의 미술관에서는신미경의 신작에 집중할 수 있는 전시 공간(B1 c-gallery)을 구분하여 마련함과 동시에, 또 다른 공간(B2 c-cube)에서는 미술관의 소장품과 작가의 작품을 교차시켜서로다른분위기의 두 공간을 연출했다. 반면, 박물관식 전시 어법 안에서 소장유물을 전시하고 있는 박물관 5~6층의 공간은 기존 구조를 유지하되, 작가의 작품과 몇백년의 시간을 품은 유물들이 서로를 비추며 자연스럽게 어우러질 수 있도록 전시의 맥락을 만들어냈다. 작가 신미경을 단독으로 내세웠지만 작가의 작품만 드러나는 것이 아니라 소장품과 함께 어우러지는 것이 중요했기에 일반적인 개인전과는 차별화된 방향으로 전시를 기획하고자 했고, 이를 위해 기획 초기부터 막바지 전시를 완성하기까지 장기간에 걸쳐 작가와 미술관 학예팀이 작가 작업실과 미술관을 오갔고, 또 온라인으로 밀도 있는 논의를 진행하며 전시의 구성 요소들을 세심하게 살폈다.

전시는 두 가지 주축으로 이루어졌는데, 먼저는 ‘뮤지엄(미술관과 박물관)’이다. 뮤지엄은 시간과 물질이 축적된 공간이다. 복합적인 역사, 연대와서사가 공존하는뮤지엄의 본질적 기능은 ‘수집(collection)’으로부터 출발한다고 할수 있는데, 코리아나미술관과 화장박물관은 설립자인 송파 유상옥 회장의 컬렉션을 근간으로 하고 있다. 유 회장은 한국의 전통문화에 대한 개인적 관심과 취미로 1970년대 초반부터 유물과 미술품을 수집하기 시작했고, 지난 50여 년간 개인 수집가로서 발품을 팔아 동서고금의 문화재와 미술품을 한 점 한 점 모아왔다. 한편, 중견 조각가신미경은 비누를 예술적 질료로 선택해 ‘시간’을 탐구하며 지난 30년 가까이 자신만의 작품세계를 구축했다. 수천 년 전 만들어진 대리석 조각상이나 동양의 도자기, 불상 등 문화적 생산물들을 비누로 번역하는 작업과 함께, 신미경은 화장실에 비누 조각상을 두고 관람객이 사용하게 하거나 야외에 비누조각을 설치해 비, 바람, 온도 등에 의해 물질이 소멸하는 과정 자체를 적극적으로 수용하는 작업의 태도를 보인다. 이 둘은 시간과 물질을 경유하며 고정되는 것이 아니라, 변화를 받아들이며 ‘되어가는(becoming)’ 과정에 있다는 점에서 공통점을 지닌다.

시간과 물질이 신미경의 작업과 스페이스 씨의 미술관, 박물관을 관통하는 주제라면, 전시의 영문부제 ‘performing museology’는 이를 작동하게 하는 구조를 나타낸다. 이는 박물관 연구자인 키르셴블라트-짐블레트(Barbara Kirshenblatt- Gimblett)가 쓴 용어를 가져온 것인데, 그는 뮤지엄이 생존하기 위해서는 단순히 정보를 전달하는(informing)의 장소로서 기능하는 것에서 벗어나 ‘performing museology’로의 전환이 필요하다는 것을 강조했다. 이번 전시의 국문제목에서는 상응하는 표현을 고심하던 끝에 생동하는뮤지엄’으로 정했다. 결국 뮤제올로지의 수행성이 뮤지엄을 생동 시킨다고 보았기 때문이다.

<시간/물질: 생동하는 뮤지엄>은 작가와 미술관, 박물관의 교감으로 이루어진 전시이다. 전시기획에 있어 서로 다르면서도 공통분모를 지닌 세 요소를 어떻게 서로 교감하게 할 것 인가에 초점을 맞추어 준비했다. 뮤지올로지 안에서 여러 시간과 물질의 층위들을 교차시키며 다층적 구조를 만들고, 그 구조를 통해 각 요소를 경험하고 고찰할 수 있게 하는것이 바로 기관의 20주년을 기념하는 이 전시의 목표라고 할 수 있다. 본래 예술적 질료가 아닌, 지극히 일상적이고 가변적 물질인 비누를 자신의 예술세계로 끌어들여 전문성을 획득한 신미경은 축적된 훈련의 시간을 통과해 정교한 기술로 고전을 번역하고 자신만의 정체성을 구축해왔다. ‘과거’로 여겨지는 것들을 자신의 관점으로 재해석하여 동시대성을 불어넣고 새로운 것을 창조해내는 작가의 태도는 앞서 언급했던 스페이스 씨의 설립 취지와 밀접하게 연결된다. 그리고 그들의 만남은 서로를 생동하게 했다.

이 둘의 만남에 많은 분이 응원과 박수를 보내주어 감사했다. 전시의 콘셉트와 작가의 선정이 미술관의 정체성에 부합해서 좋았다는 평이 많았고, 또한 일반 관람객들도 난해하지 않게 전시를 읽어낼 수 있었다는 이야기를 들었다. 전시장에 들어서면 코끝을 자극하던 향긋한 비누향은 이제 사라졌지만, 20주년을 맞이한 코리아나미술관도30년 가까운 세월을 자신의 예술세계를 구축하는 데 전념해 온 중견작가 신미경 도자기 존재와 역할의 지속가능성을 모색하며, 계속해서 갱신을 추구해 나갈 것이다.

화실은 나만의 우주다-정강자의 여정을 함께하며
송예진 | 아라리오뮤지엄 부디렉터, 장연우 | 아라리오뮤지엄 선임 큐레이터

한국 실험미술에서 정강자의 중요성은 많은 이가 인지하고 있지만 <한강변의 타살>(1968), <투명 풍선과 누드>(1968)와 같은 파격적인 퍼포먼스 이외에 작가 자체나 작업 전반에 대한 조명이 부족했던 것이 사실이다. 이에 몇 년 전부터 정강자를 깊게 알아 볼 수 있는 개인전을 염두에 두고 준비하면서 전시 개최 시기를 조율하고 있었다. 그러던 중 1960~1970년대 한국 실험미술을 재조명하는 미술계 분위기 속에서 자연스럽게 2023년 초 전시를 개최하는 것으로 일정을 잡았다. 2000년대 초반, 김창일 아라리오 회장이 천안에서 정강자를 만나 <키스미>(1967) 등의 작품을 소장하고 언젠가 미술관을 열면 함께 전시를 해보자고 한지 20여 년 만의 일이다.

추운 겨울, 전시 준비를 위해 작가 유족이 관리하고 있는 작품 수장고를 방문했다. 큐레이터, 컨서베이터, 레지스트라, 아트 핸들러들과 함께 작품을 내리고, 포장을 풀어 실견하고 온종일 사진 촬영을 했다. 입김이 나오고 손이 곱아 어줍었지만, 한 점이라도 더 보고 싶은 생각에 추운 줄도 모르고 종일 작품을 열고 닫았다. 아라리오뮤지엄 인 스페이스의 기획전시장은 큰 규모는 아니지만, 문화재라는 공간이 주는 무게가 있어 언제나 전시 준비가 쉽지 않다.

기획전 공간은 1970년대에 김수근 건축가가 지은 (구)공간사옥 건물의 가장 은밀하고 깊숙한 장소에 자리 잡고 있다. 이곳은 오랫동안 ‘공간사랑’으로 불렸으며, 김덕수 사물놀이 초연을 비롯해 수많은 실험예술가가 공연했던 역사적인 장소이기도 하다. 붉은 벽돌과 아치로 이루어진 비대칭 벽, 약 1m 높이에서 공간을 내려다본 뒤, 계단 아래로 내려가 작품을 접하게 되는 독특한 중층구조 탓에 전시를 계획하는 과정에서 무수히 많은 시뮬레이션을 거칠 수밖에 없다. 따라서 특별한 경우가 아니라면 실제로 작품을 모두 보고 전시를 구상하는 편이다.

작품 실견과 동시에 가능한 정강자의 전 생애 작품들과 작가가 남긴 자료들을 확인하고 그간의 전시와 연구, 언론기사에서 정강자와 그녀의 작품들을 어떻게 다루었는지 검토했다. 여기서 몇몇 사실을 확인할 수 있었는데, 전시와 학술연구모두퍼포먼스 등 1960~1970년 초까지의 작품들 위주로 집중 조명했고 중반기와 말년 작품들에 대한 언급은 많지 않았으며, 작가 개인에 대한 연구 역시 부족했다. 또 여성이기에 다른 남성 실험미술작가들보다 설 자리가 더욱 좁았다는 인상을 받았다. 작품들을 확인 하면서는 자화상 작품의 비중이 상당히 높음도 알 수 있었다. 이러한 과정들을 거치며 전시의 주제는 1960년대 퍼포먼스사진부터 작고 전 그린 영정(회화까지 반세기에 걸친 시대별 자화상들을 전시하여 한국실험미술의 최전선에 있던 1세대 전위예술가정강자의 꿈과 좌절, 도전을 주제로 여성, 노동자, 방랑자로서의 삶의 궤적을 조명하는 것으로 구체화되었다. 작가가 발간한 수필집, 일기 등 개인 사료가 많은 도움이 되었다. 전시 제목 ‘꿈이여 환상이여 도전이여’ 역시 정강자가 1990년 쓴 자전적 에세이의 제목이다. 정강자는 회화, 조각, 바틱, 퍼포먼스 등 다양한 매체를 넘나들었다. 그녀는 말년까지 예술가로서도 정당한 평가를 받지 못했고 개인적 삶도 편치 않았으나 어떤 상황에서도 예술을 삶 그 자체이자 궁극적 목적으로 삼았던 항상 열정 넘치고 끊임없이 도전하는 작가였다. 따라서 설치 측면에서도 이러한 다양성과 역동성이 보일 수 있기를 바랐다.전시의 시작은 1960~1970년대 퍼포먼스와 초기 아카이브 자료들이었다. 처음에는 기존에 많이 알려졌던 시기는 제외할까 고민했지만, 작가로서의 삶에서도 중요한 시기였고 이후 작업을 이해하는데 밑받침이 되기에 전시에 포함 시켰다. 메인 전시장에서는 연대기별 설치를 지양하고 앞서 언급한 것처럼 역동성을 보여주기 위해 싱가포르에서 제작했던 바틱(batik) 작품들을 천장에 걸고 폭 7m의 대형 회화 옆에 30호 정도 되는 작은 회화를 설치하는 등 변주를 주었다. 마지막 공간에는 자화상 세 점을 설치했다. 처음 두 점에는 결혼 전 젊고 풋풋했던 연애 시절과 육아와 작업을 병행하며 고군분투하던 시기의 모습들이, 마지막 작품에는 작가가 위암 수술을 받은 후, 자신의 장례식장을 방문하는 장면을 상상한 모습의 작품을 통해 전시 관람을 마무리하며 한눈에 작가의 전 생애의 삶을 들여다 볼 수 있도록 구성했다. 더 많은 작품을 보여주고 싶었으나 초기 조각 작품들은 보관의 문제로 대부분 작가가 생전에 폐기했고 기획 전시장 규모도 작은 편이라 압축적으로 선별해 보여줄 수밖에 없었던 점이 아쉽다.

생각보다 많은 분이 관심을 가져주셔서 놀랐다. 특히 육아와 작업을 병행하던 작가의 삶이 고스란히 드러난 <화실>(1977) 작품이 큰 주목을 받았다. 이 그림은 어린 딸을 업고 지친 표정으로 그림을 그리고 있는 작가의 자화상이다. 그림 속 작가는 캔버스 위에 또 다른 자화상을 그리고 있다. 날개를 달고 날아가고싶지만각각의 날개에 어린아이가 한 명씩 매달려 있어서 작가는 끝내 날지 못한다. 바닥에는 곰 인형이 절규하고 있고, 철 모르는 어린 아들은 자동차를 가지고 놀고있다. 잘 알려진 것처럼 1960년대 후반 선보인 작가의 국내 첫 누드 퍼포먼스와 인간 본연으로의 해방을 추구한 해프닝들은 선정성 논란의 대상이 되었다. 그럼에도 작업을 멈추지 않았고, 끊임없이 도전하고 꿈꾸며 혼자만의 고독한 투쟁을 이어나갔다. 여성 작가로 임신, 출산, 육아를 거치며 작업을 끝까지 놓지 않기 위해 고군분투했던 작가의 모습이 반세기가 지난 지금까지도 사람들의 공감을 불러일으킨 것으로 보인다.

여전히 정강자의 회화에 대한 깊이 있는 연구는 부족하다고 생각한다. 이 전시 역시, 되돌아보니 작가론보다는 여성 작가로서의 삶에 좀 더 초점을 맞춘 부분이 아쉬움으로 남는다. 앞으로 정강자가 실험미술 이후 평생을 열중해 온 작품 세계에 대해 더 많은 연구가 이루어지기를 바란다

《조선의 백자, 군자지향》,
새로운 관람자층을 위한 전시연출
이준광 | 리움미술관 책임연구원

지난 2월 28일부터 5월 28일까지 리움미술관에서 《조선의 백자, 군자지향전을 개최했다. 리움에서는 2004년 개관한 이래 여러 고미술기획전을 선보여 왔으나 소장품의 근간이라 할수 있는 도자기 주제기획전은 개최한 사례가 없었다. 그런 점에서 고미술 전시 주제의 다각화를 시도하고 동시에 관람객들에게 한국도자기의 높은 수준을 전하기 위해 조선백자 전체를 조망하는 이른바 ‘조선백자 토탈전’을 개최하기로 결정했다.

조선백자는 전하는 작품의 수가 많아 그간 장식기법이나 주요 기종에 초점을 맞춰 소개되었다. 주제에 따른 깊이 있는 이해를 할 수 있다는 점에서 모두 의미 있는 작업이었으나 방대한 조선백자를 총괄하여 살펴볼 기회가 많지 않았던 것도 사실이다. 그래서 이번 전시에서는 최고급 백자에서 질박한민수용 백자에 이르기까지 다양한 조선백자를 대상으로 전시를 구성하고자 했다.

수많은 조선백자 중 일부를 선발하여 전시해야 하는 만큼 구성은 간단하면서도 그 변화가 시각적으로 쉽게 구분될 수 있어야 했다. 그래서 백자를 장식기법에 따라 ‘청화백자’, ‘철화동화백자’, ‘순백자’로 나누었다. 이 중 고급 백자인 ‘청화백자’를 제외하고는 모두 지방에서도 제작되었기 때문에 각종류의 백자를 생산지에 따라 ‘중앙’과 ‘지방’으로 다시 나누어 구성하였다. 그리고 여기에 조선 사람들이 이상적인 유교적 인간상으로 여긴 군자의 풍모가 담겨 있다는 해석을 더해 작품을 바라보는 새로운 시각을 제안했다.

최근 전시를 즐기는 문화 향유층이 상당히 두터워졌는데 이들 중 상당수가 고미술을 대할 때면 무언가 학습을 해야 한다고 여기는 경우가 많다고 분석했다. 때문에 이 전시의 연출은 고미술이 가진 숨은 매력을 전할 수 있고, 편안한 감상의 대상으로 여기게 하는데 초점을 두었다. 좀 더 구체적으로는 고미술이 생소한 젊은 관람자층을 고미술 애호가로 정착 시켜 장기적인 향유층으로 유치하고자 하는 목적을 세운 것이다.

이를 실현하기 위해서는 콘텐츠인 최고의 백자와 이를 돋보이게 할 수 있는 색다른 연출이 필요했다. 전시품인 백자는 국보,보물로 지정된 문화재 절반을 한자리에 모으고, 최초 공개 작품을 갖추며, 한국에서 접할 수 없는 일본 소재 백자를 소개하는 것으로 콘텐츠를 구성했다.

갖추어진 콘텐츠는 전시연출이 더해져 그 가치를 더할수 있었다. 먼저 입체물인 백자를 충분히 감상할수있도록 모든 작품을 360도 돌아볼수있는배치를 선택했다. 이를 기조로 첫 전시공간 ‘블랙박스’에서는 극도로 어두운 공간에 백자만을 강조한 조명을 활용해 관람객들의 집중력이 높은 동선에 스펙터클한 첫인상을 받도록 했다. 그리고 통상보다 10cm 높게 작품을 배치하여 국보, 보물의 위엄이 강조되도록 했다. 상부에 조명 케이스가 없는 높은 쇼케이스를 사용해 관람 시야방해 요소를 제거하고, 이를 통해 아득히 어두워지는 천장과 별빛 같은 조명이 어우러지게 했다. 전시장 후미에 계단을 설치하여 다른 시각에서 전체 신을 조망하는 즐거움을 선사하고자 했다.

두 번째 전시공간 ‘그라운드 갤러리’에서는 ‘블랙박스’와는 달리 밝고 편안한 분위기로 관람객 환기를 꾀했다. 자칫 공간의 집중력을 흐트러뜨릴 수 있는 6.1m의 충고를 활용하기 위해 연출과 공간 조명을 겸하는 장치를 마련해 설치하였다. 또한 관람객이 백자를 더욱 가깝고 친숙하게 느끼게 안전을위한거리를 고려하여 노출전시를 시도하였다. 마지막으로 꾸준히 개선하고 있는 리움미술관 DID(Digital Interactive Display)를 활용하여 도자기 속그림을 활짝 펼쳐 보이는 연출을 더했다.

명품에 새로운 연출을 더한 것이 효과가 있었는지 전시가 진행된 석 달간 리움미술관 역대 고미술 전시 중 가장 많은 10만여 명의 관람객이 전시장을 찾았다. 젊은 층이 많아져 관람객 연령대가 다양해졌고, 전시를 2회 이상 찾아주는 N차 관람객도 많았다는 소식을 들으니 고미술은 공부의 대상이라는 대중의 인식에 변화가 찾아온 것 같다.

‘아는 만큼 보인다’는 유명한 말이 때로는 관람객의 자유로운 감상을 막는 것을 볼 때가 많다. 그러나 관람객이 자신만의 배경으로 풀어낸 지극히 개인적인 감상들은 역사적 사실에 가려 보이지 않던 조선백자의 매력을 더욱 풍성하게 한다. 이제는 알던 것으로도 보인다’라는 편안한 마음으로 조선백자와 나아가 우리 고미술을 바라보는 정서가 확장되기를 바란다.그때 생기는 개성 넘치는 감정들이 감상의 자신감을 가져다줄 것이다.

앞으로도 고미술 전시를 통해 새롭고 실험적인 전시연출을 지속적으로 시도해나갈 것이다

상호 돌봄의 전술: 세대간, 상호의존, 재생하는
조주현 | 독립큐레이터, 연세대 커뮤니케이션대학원 겸임교수

20여 년간 국공립,사립미술관에 소속되어 많은 전시를 만들어왔지만, 이 전시는 독립기획자로 일하며 만든 첫 번째 프로젝트였다. 일민미술관 학예실장을 그만두고 독립큐레이터가 된 2021년 여름, ‘ARKO-DutchCulture 국제예술공동기금사업’의 하나인 ‘2021-2022 한국-네덜란드 교류협력프로그램’아르코 총괄기획자로 선정되어 2년 동안 리서치와 협력사업을 진행할 수 있게 되었다. 총괄기획자로 지원할 당시 이 프로젝트를 위해 제안한 ‘그린뉴딜을 위한 탈식민적 큐레토리얼 어젠다’라는 주제로 네덜란드의 여러 예술기관과 큐레이터, 아티스트들을 리서치하기 시작했고, 같은 목표와 관심사를 지닌 다양한 기관의 관계자 등을 접촉하며 연대를 위한 다학제적 리서치 플랫폼 ‘Drifting Curriculum’을 만들었다.

이 플랫폼을 통해 아시아와 유럽 등지에서 활동하며 예술, 과학, 사회학, 인류학, 법학, 철학 등 여러 분야에서 인류세 담론을 연구하는 10명의 보드 멤버를 중심으로 학자, 큐레이터, 아티스트, 활동가, 변호사 등으로 구성된 초기 멤버 40여 팀을 조직해 재난과 기후위기에 대한 정책적, 입법적, 제도적 문제에 예술적 개입을 시도하고자 했다. ‘세대 간 기후 범죄 재판소(이하 CICC)’를 설립한 네덜란드 작가 요나스스탈(Jonas Staal)과 인도출신의 변호사이자 법학자, 활동가인 라다드수자(Radha D’Souza)도 보드 멤버로 참여해 제국주의와 세계화를 뒷받침해 온 근대 법을 비판하고, 대안적 법으로 ‘세대 간 기후범죄법을 제안하며 그 법이 실현될 수 있는 대안 법정인 CICC의 한국 지부를 설립한 것이었다.

‘CICC’가 2021년 9월 암스테르담 문화공간 프레이머 프레임드에서 처음 개소했을 당시, 온라인으로 네 번의 증거 재판 퍼포먼스를 지켜보게 되었다. 네덜란드 정부와 유니레버(Unilever), 아이엔지(ING), 에어버스(Airbus) 등 네덜란드에 등록된 초국적 기업들을 기소하여 관련해 투쟁해온 원주민 커뮤니티, 그들과 연대해 온 여러 환경단체, 활동가, 학자, 변호사 등이 주류 미디어를 통해 알려지지 않았던 자신들의 역사적 사실들을 증언하고, 그 문제들에 대해 많은 이가 연대하고 공론의 장이 펼쳐지는 모습을 보며, 제국주의의 뿌리가 세계화를 통해 한국 사회에 어떤 영향과 결과를 가져왔는지 우리의 문제를 이야기하는 무대를 만들어보고 싶었다.

오래전부터 화이트큐브에 순수예술이 아닌 다른 사회제도를 이식하고, 그러한 사회제도가 예술이 된다면 어떨까 상상하곤 했다. 미술인으로 살아오며 이사회가 예술을 대하는 양가적 태도, 대중적으로 무한한 신뢰를 얻으면서 동시에 현실에서는 잉여적 활동이라는 시선에 대해 개인적으로 허탈감을 느끼며, 예술이 실질적으로 사회적, 제도적인 변화를 이끌 수 있는지에 관심을 두기 시작했다. 서울과 광주에서 두 차례에 걸쳐 ‘CICC’의 한국 지부를 개소하고 예술공간에 세워진 재판소에서 포럼과 증거재판 퍼포먼스를 진행하는 동안 다양한 시민단체 활동가들을 통해 오랜 질문에 대한 답을 어렴풋이 찾을 수 있었다.

광주에 세워진 ‘CICC’ 증거재판에 참여한 중인 중 한 분은 미국에서 사회학 박사학위를 받고 대학교수를 지내던 중 자신의 고향인 삼척에 석탄화력발전소가 세워지는 과정에서 한국의 대기업과 정부의 공모로 지역 공동체가 처참하게 파괴됨을 목격하고 바로 고향으로 귀환해 지역활동가로 일하고 계셨다. 삼척지역에서 벌어진 문제들을 증언하며 북받쳐 오르는 눈물을 흘리는 모습에 한 배심원이 눈물의 의미를 묻자 그는 자신이 미술관, 그것도 광주비엔날레와 같은 국제적 예술 행사가 마련한 자리에서 지역민과 생태계의 생존 문제를 이야기하고 모두가 그 이야기를 경청하고 있는 이 순간이 감정을 벅차오르게 했다고 말했다.

거리에서, 행정당국과의 회의 자리에서, 심지어 지역민들 사이에서 이들이 외치는 목소리는 외면 당하는 것이 일상이다. 경제적, 정치적 이해 대립으로 인한 사회적 갈등은 나와 다른 입장을 지닌 이들의 목소리를 차단한 채 각자의 아우성만 소음으로 남긴다. 예술은 이러한 갈등을 하나의 모델로 만들어 시뮬레이션함으로써 내가 속한 현실이 아닌 하나의 대상, 사건으로 다양한 시간과 공간들을 경유하며 문제를 바라볼 수 있게 한다. 광주시립미술관 본관에 설치된 ‘CICC’는 관객들이 배심원으로 참여하거나,  메자닌에서 재판 현장을 버즈아이뷰(bird’s eye view)로 내려다볼 수 있는 구조로 제작되었다. 이러한 구조는 마치 트루먼쇼를 바라보듯 우리의 현실을 프레임화하여 거리를 두게 만들어, 특정 이슈에 대해 개인의 이익에 함몰되기보다 넓은 시야에서 타인의 입장도 동등하게 바라볼 수 있게 한다. 사회제도에 도전하는 예술은 상상했던 것보다 훨씬 큰 폭으로 현실에 개입해 변화의 진동을 만든다. ‘CICC’는 서울문화비축기지와 광주시립미술관에 지부를 개소한 2년 동안 환경법을 연구하는 단체, 정책전문가, 활동가, 언론인, 여러 분야의 학자들이 ‘세대 간 기후범죄법’을 자신의 분야에 적용하고, 실천을 위한 이론화를 시도했다.

광주비엔날레 네덜란드 파빌리온에서 ‘CICC’를 보신 많은 분이 경직된 조직에서 시도하기 어려운 도전적인 전시라는 점을 언급해주셨다. 광주시와 비엔날레 재단, 광주시립미술관, 주한네덜란드대사관, 한국문화예술위원회와 같은 공공기관의 주최와 후원으로 이루어진 전시임에도 한국과 네덜란드 정부, 양 국가의 기업들을 기후범죄로 기소하는 ‘행동주의 예술’의 자율성과 독립성을 철저히 보장해주셨고 오히려 큰 격려와 용기를 주셨다. 광주비엔날레 파빌리온 프로젝트가 국가 간 경계, 경쟁의 논리가 아닌 ‘행성적 위기’를 인식한 인간 너머의 공동체를 위한 열린 포럼의 장으로 기능할수 있도록 적극적인 장을 마련해주신 덕분에 가능했다. 보이지 않던 세계에 대해 큰 영감을 준 아티스트요나스 스탈과라다드수자, 암스테르담 프레이머 프레임드 관계자 여러분 및 평화바람, 전쟁없는 세상, 청년기후긴급행동 등 한국의 환경단체 활동가분들과 프로덕션 팀에 모든 공을 돌린다.