홍티아트센터 2014.12.15.~1.30

손몽주는 합성고무밴드를 이용해 공간을 횡단하는 일종의 띠 작업을 지속적으로 진행해왔다. 이 작업들은 ‘공간의 변형과 확장’이라는 주제를 구현하며 지난 10여 년 동안 800km에 달하는 작업으로 이어졌다. 이제는 손몽주의 트레이드 마크가 되어버린 이 작업들은 공간의 문제뿐 아니라 빛의 효과와 관객 참여적 의미를 더해가며 다양한 형태로 진화해왔다. 손몽주의 작업, 특히 공간을 띠로 나누는 아이디어는 무척 신선하고 다양한 확장 가능성을 가진 듯 보인다. 공간에 대한 제약이 없고 어떤 상황에서도 작품 설치가 가능한 매우 유용한 설치방식을 적용하기 때문이다.
하지만 작업의 여러 양상에도 불구하고 손몽주의 작업은 공간에 지나치게 형식주의적인 관점으로 접근한다는 한계를 가지고 있었다. 미학적 순수주의 혹은 형식주의를 넘어서려 한 설치미술을 하면서도 그의 작업은 여전히 그 범주를 크게 벗어나지 못하고 있다는 아이러니 같은 것. 다시 말해 캔버스를 공간으로 확장한 정도의 실험으로만 느껴졌다. 물론 특정한 장소에서 이루어지고 다양한 개념들이 교차하는 설치미술의 기본적인 특징을 가지고는 있지만 공간은 여전히 중성적인 배경, 즉 삶이나 존재가 가지고 있는 무게가 탈각된 공간이었다.
최근 작가는 “표류로”라는 주제의 전시를 열었다. ‘표류’의 미래적 가치를 담기 위한 제목이다. 결론적으로 말하자면 나는 이번 전시를 긍정적으로 평가한다. 작가의 작업이 내용과 형식에서 커다란 변화를 보여주고 있기 때문이다. 모티프는 단순하다. 대마도를 방문하면서 그곳에서 표류해온 고사목을 우연하게 발견하게 된다. 무심하게 떠내려 온 표류목을 통해 작가는 ‘시간’ 혹은 ‘삶의 의지나 지향’과 같은 의미들을 사유한다. 작가가 생각하는 것처럼 “표류”의 의미는 어쩌면 삶이 가지고 있는 보편적인 특징일지도 모른다.
다대포 홍티아트센터 레지던시에 참여하고 있는 작가는 그곳에서 표류목을 구해 이번 전시를 진행했다. 무중력의 공간을 부유하는 듯 한 표류목들은 작가의 작품에서는 ‘장소’와 ‘사물’을 상징하는 오브제들이다. 이러한 표류목의 등장은 중성적인 혹은 배경으로서의 공간을 ‘의미’와 ‘해석’의 장소로 전환시킨다. 시간의 결이 켜켜이 새겨진 표류목과 작가 특유의 띠 작업이 만나 정서적 반응을 호출하는 공간을 연출했다. 형식주의의 버릇을 온전히 벗어나진 못했지만 이번 전시는 새로운 시작의 단서가 될 수 있을 것 같다. 흘러가는 것의 무게에 대한 자각, 이것이 손몽주의 ‘표류로’ 전시에 대한 긍정의 이유다.
이영준 김해문화의전당 전시교육팀장

불협화음의 하모니

아트선재센터 2.7~3.29

‘조화’라는 주제로 오늘날의 아시아를 예술적 관점에서 재조명하고 새롭게 이해하기 위한 프로젝트다. 특히 냉전시대 이후 현재까지 중국, 한국, 일본, 대만과 같은 동아시아 국가들 사이에 존재하는 위계질서 및
복잡한 관계들을 재검토한다. 통합된 공동체라는 아시아에 대한 피상적인 인식과 가정을 해체하는 한편, 예술작업을 통해 아시아를 보다 복합적인 관점으로 숙고하자는 취지에서 출발한 것이다. 이를 위해 전시, 퍼블릭 토크, 그리고 웹사이트 등을 통한 담론의 장을 만들고, 조화의 개념을 예술, 역사, 정치 등 다양한 관점에서 연구하는 전문가들과 대화를 이어 나간다. 주한 독일문화원의 제안으로 시작된 이 프로젝트는 한국, 일본, 중국, 대만, 4개국의 기획자가 공동으로 참여하는 국제 교류 프로젝트로 서울에서 시작되어, 일본과 대만으로 순회하며, 각각의 지역과 전시장소마다 고유의 주제를 정해 확장하는 전시와 담론을 선보일 예정이다.
천 지에런작
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박현기

국립현대미술관 과천관 1.27~5.24

국내에서 비디오를 본격적으로 예술에 도입한 비디오아트의 선구자 故박현기의 개인전. 동양적인 정신 위에서 펼쳐지는 비디오작업과 함께 1000여 점에 달하는 작품과 아카이브를 소개하는 이번 전시는 박현기의 진면모를 확인하는 계기를 마련한다.
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우주생활

일민미술관 2.6~5.17

우주라는 먼 공간의 이야기가 일상에서 이루어지고 있는 지금 그 우주를 좀 더 가까이에서 다채로운 시각으로 살펴볼 수 있다. 총 115점의 작품을 통해 서로 다른 방식과 방법으로 과학과 기술 그리고 예술에 대해 다루고 있는 현재의 우주를 살펴본다.
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양혜규

삼성미술관 Leeum 2.12~5.10

양혜규의 개인전 <코끼리를 쏘다 象 코끼리를 생각하다>를 개최한다. 이번 전시는 리움이 개최하는 두 번째 한국 중견작가 개인전이자, 2010년 이후 처음 열리는 양혜규의 국내 개인전으로, 그간 국내 관람객들에게 소개될 기회가 적었던 양혜규 예술세계의 정수를 보여주는 세미 회고전 형식으로 기획되었다. 문학 작품에서 영감을 받아 “코끼리” 라는 영물을 매개로 삼은 이번 전시는 작가의 대표적 작업인 광원조각 <서울 근성>과 최대 규모의 블라인드 설치작품 <성채>, 봉투 콜라주 작업인 <신용양호자들>, 방울조각 시리즈 등이 전시되는 것은 물론 짚풀을 사용한 대규모 신작을 국내외 최초로 선보인다. 이번 개인전은 개인의 삶과 공동체의 문제에 대해 끊임없이 사유해온 양혜규의 예술 세계를 종합적으로 살펴볼 수 있는 기회인 동시에 향후 작업의 향방을 가늠할 수 있어 주목된다. 이번 전시는 설치, 영상, 사진등의 다양한 매체의 작품 23점으로 구성된다.
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숭고의 마조히즘

서울대미술관 2.4~4.19

고창선, 구동희, 박준범, 손몽주, 오용석, 임상빈, 정재연이 참여해 타인으로부터 고통을 받으면서도 만족을 느끼는 심리상태인 마조히즘을 예술에 대입해 작가 혹은 작품과 관객간의 관계로 치환화해 시각화한 작품을 전시한다.
임상빈작
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2015 랜덤 액세스

백남준아트센터 1.29~5.31

매체를 능숙하게 다루며 존재하는 것을 변형 새로운 무언가로 창조하는 신진 작가를 소개한다. 김웅용 다페르튜토 스튜디오 박승원 서영란 양정욱 오민 이세옥 이수성+김시원+윤지원 차미혜 최은진이 참여해 상상력을 극대화한 작품들을 선보인다.
박승원작
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브릴리언트 메모리즈

DDP 1.27~2.17

아티스트 14명이 인생에서 한때 소중한 추억을 함께한 자동차를 예술작품으로 재탄생 시킨다. 또한 폐차나 중고차가 예술작품으로 다시 태어나는 과정을 영상으로 보여주며 개인의 사적인 추억, 기억이 사회전반을 아우르는 공감으로 재환원되는 과정을 담는다.
에브리웨어작
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장현주

갤러리 조선 2.5~26

장현주 작가의 다섯 번 째 개인전으로 어릴 때 부터 자연을 벗삼아 자라왔던 그가 기억하는 ‘숲’이라는 주제를 심도있게 풀어낸다. 그가 말하는 숲은 그의 작업에서 알 수 있듯이 말없이 기댈 수 있고 때로는 산들산들 걸으며 작은 변화를 관찰할 수 있는 그의 유일한 휴식처이자 작은 세계이다.
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천성명

스페이스k 과천 1.19~2.27

무언가 온전치 못한 모습의 인물을 통해 인간 내면에 대한 탐구와 현대인의 단면을 들춰내는 천성명의 전시. 이번전시는 익명의 인물에서 한걸음 더 나아가 분절된 신체기관들을 “부조리한 덩어리”라 명명하고, 선전(宣傳)의 성격을 띤 기념비 형상으로 대상과 방식을 구체화한다.
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밀레, 모더니즘의 탄생

소마미술관 1.25~5.10

서구 사실주의ㆍ인상주의 회화에 지대한 영향을 미친 장 프랑수아 밀레의 대표작들이 한국을 찾는다. 이번 특별전에는 보스턴미술관 4대 걸작으로 꼽히는 ‘씨 뿌리는 사람’ ‘감자 심는 사람들’ 등 밀레 작품 25점이 소개된다.
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우정수

프로젝트스페이스 사루비아다방 2.11~3.14

예술과 사회의 관계 속에서 예술가의 역할에 대해 고민하는 우정수의 첫 개인전 <불한당의 그림들>. 작가는 검은 그림이라는 제목의 드로잉을 통해 오늘날 돈과 권력의 힘으로 거짓이 진실이 되고 약한 자가 유린당하는 현실을 우울한 색채와 주제로 드러낸다.
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네 이웃을 탐하라

아마도예술공간 1.19~2.3

강병욱 구민정 이유림 지혜 백장미 윤나영 장경현 유기주 최수진이 참여해 자신들의 공간으로부터 이웃으로 나아가려는 현상을 형상화한다. 지금 자신을 구성하고 있는 풍경을 재구성하며 지극히 개인적인 것이 사회화 되는 과정을 보여준다.
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최선

송은아트스페이스 2.13~3.28

예술의 본질과 이에 대한 우리의 통념이 갖는 이분법적인 경계의 모호함에 의문을 제기하는 최선의 개인전. 작가는 이번 개인전 <메아리>에서 예술의 재료와 표현방법이라고 규정하기 힘든 재료와 작업과정을 통해 ‘아름다움’이란 무엇인지에 대해 질문을 던진다.
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워터스케이프

포항시립미술관 1.15~3.29

예술적 실천과 사회적 실천을 분리하지 않는 40여명의 미술인과 영화인작업을 모았다. 국가와 영토로서의 물, 국경과 분쟁 대상으로서의 물, 그리고 최근 국제적으로 확산되고 있는 물의 사유화를 둘러싼 갈등을 통해 ‘현실로서의 물’을 이야기한다.
알프레도 자르작

엄기향

이공갤러리 2.26~3.4

시간의 흐름에 때라 대상에 대한 시각이 변화함을 고궁의 나무를 통해 전하는 엄기향의 개인전. 작가는 이번 전시에서 지난 시절을 지나온 경북궁의 나무를 통해 시간의 허무함과 권력, 세월의 무상함을 간결한 드로잉을 통해 전한다.

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브린 데이비스

트렁크갤러리 2.5~3.3

서양화의 과학적 접근방법과 대비되는 동양화의 여백의 미와 수묵화의 직관성에 매혹 됐다는 작가 브린 데이비스의 사진전. 작가는 이 같은 접근방식을 통해 서양적이고 남성적 형태언어로, 여성적인 동양풍경을 포착해 명상세계를 표현한다.
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서윤희

쉐마미술관 1.15~2.24

2009년부터 지금까지 기억의 간격이라는 커다란 테마 아래 종이의 얼룩과 번짐을 이용하여 독특한 작품세계를 보여준 서윤희의 개인전. 작가는 ‘기억의 간격’의 작업을 위해 청주 벌랏마을에서 진행된 기억의 간격위에 보여 줄 예정이다.
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양태근

성남아트센터 2.24~3.5

사라질 수밖에 없는 인간과 자연에 애도를 표하며 공존의 가치를 향하는 양태근의 개인전. 작가는 자연 존중의 철학과 인간과 자연의 대등한 관계를 지향하는 ‘생태학적 인식’을 작업의 바탕으로 하며 자연파괴를 반성하고 에코토피아를 꿈꾼다.
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송영은

삼진미술관 2014.12.12~2.28

캔버스의 중첩과 화면 위 색채중첩을 통해 다층적인 조형성을 꾀하는 송영은의 개인전. 작가는 소재의 특성을 강조하여 시각예술의 본질에 다가서려는 노력과 이러한 구성적 화면 구축을 통해 회화의 구조적 양식화에 근접하고자 한다.
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민경숙

갤러리 수 2.4~10

작가는 어떤 대상을 자신만의 시각으로 이해하고 받아들이는 것에 대한 반성으로 가장 순수하고 있는 그대로의 모습을 받아들였던 아이의 마음을 꿈꾼다. 이번 전시인 <兒里의 하늘과 바람…>에서 순수한 아이의 시각으로 바라본 자연을 전한다.
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정영진

갤러리 파비욘드 2.16~3.3

정영진은 벽에서 벽으로 연결되는 가는 실로 현대인의 인연의 끈을 설명한다. 견고한 벽을 타고 연결된 가는 실은 고독한 현대인의 위태로운 삶 속에서 그나마 지탱할 수 있는 부분을 상징하며 어떻게든 서로 연결되어있는 인연의 모습을 형상화한다.
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오이량

에스플러스 갤러리 부산점 1.6~2.22

존재의 근원에 대한 고민을 주제로 평면에 입체감을 부여하는 오이량 작가의 37번째 개인전. 고요하게 자신의 내면에 집중하면서도 관객과의 소통을 시도하는 오이량의 작업은 존재에 대한 다양한 형태적 해석을 감상할 수 있는 기회가 될 것이다.
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허은주

허은주갤러리 2.3~16

소리를 시각화하는 허은주의 16번째 개인전. 작가는 자연의 소리든 악기의 소리든 그 소리는 마치 우리 삶의 축소판 같은 지혜를 담고 있다고 느끼며 소리의 하모니를 주제로 사실적인 이미지들을 거의 배제하고 소리 그 자체에 더 집중하였다.
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의식주(衣食住)…예술로 말하다

아트스페이스J 2.24~3.31

인간의 삶의 기본조건인 의식주를 통해 예술에 가까이 다가려는 취지의 두 번째 전시. 이번 전시에서는 먹거리를 소재로 사진 작업을 해오고 있는 작가들의 작품들을 통해 ‘일상의 식재료’가 현대미술 속에서 ‘예술의 주재료’가 될 수 있는지를 살펴본다.
김광수작
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최혜심

가나아트스페이스 2.25~3.5

사랑이라는 감정의 모습을 한글 단어의 모습과 연결지어 그 뜻과 감정을 더욱 깊게 이해하도록하는 최혜심의 개인전. 작가는 이번 전시에서 언어의 상징성과 의외성에 주목하여 가장 아름다운 글자를 분해하고 재조합 하는 방식으로 세상의 감정을 비추어본다.
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멋과 풍류-3인묵향

미광화랑 2.7~3.6

설 명절을 전후하여 부산, 경남에서 활동하던 작고작가 3인의 대표작 40여점을 선보인다. 연로 하신 분들에겐 향수를 잘 달래주고 젊은이들에겐 교육적 측면에서 “멋과 풍류”를 알릴 지난시절의 작품들을 돌아보며 온고지신으로 삼고자한다.
이규옥작
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김종인

갤러리 세인 2.27~3.13

병이라는 오브제를 통해 심미적, 기능성, 그리고 촉각성까지 연결되는 개념으로 보고즐기고 사용하는 도자기를 보여주는 도예가 김종인의 개인전. 작가는 이번 전시를 통해 도자기의 미적기능에 활용성을 더한 다변용된 도자기를 선보인다.

Yinka Shonibare, MBE (왼쪽) Victorian children’s dresses made of Dutch wax printed cotton 각 460×280cm 2010

글로벌라이제이션 이후 소수자, 제3국가 문화예술에 대한 관심이 점차 높아지고 있다. 그러나 국내에 아프리카의 미술을 소개하는 전시는 극히 드물었다. 서울시립미술관에서 열리는 <아프리카 나우: Political Patterns>(2014.12.6~2.15)는 그 동안 간과해온 아프리카의 예술을 대거 소개한다. 미국 영국에서 활동하는 아프리카 출신 작가를 포함한 20명의 작품 100여 점이 선보인다. 이번 전시는 민속적인 면을 강조한 작업을 단순 소개하는 데 그치지 않고 탈식민주의 이론, 이민세대의 인종차별, 아프리카 대륙 내의 사회 정치적 문제를 다루는 작가들의 작업을 선별해 흑인 디아스포라의 탈식민주의적 예술적 성찰을 엿 볼 수 있다.

정체성이라는 환영(spectre)-정체성 정치학으로서의 아프리카 현대 미술

정현 미술비평

사회 전반에 팽배한 정체성에 대한 요구는 개인적으로는 견고한 자아 형성에 초점이 맞춰지지만, 공동체, 집단, 국가, 민족, 인종, 성 그리고 종교의 관점이 투사되면 정치적 차원의 의무가 등장한다. 중심과 주변, 주류와 비주류의 위계질서가 서구 중심주의에 대한 저항이라는 거대 명제로부터 출발한 것은 결코 우연이 아니다. 결국 민족과 인종의 동일시는 백인 남성 중심의 역사를 주류의 세계사로 만들었다. 주변의 반란이 촉발된 것은 결코 우연이 아니다. 이유는 분명하다. 역사라는 기획물은 세계를 관측하는 절대적인 창이 되었고 수세기에 걸친 유럽 국가의 식민지 개발은 열등한 민족, 인종, 성이란 고정관념을 인류에 심어주기에 충분했기 때문이다. 이러한 사고의 관성에 균열을 만들고 이 틈새로부터 세계에 관한 인식의 틀을 이동시키고 확장시키기 위한 노력은 1960~1970년대에 이르러서야 시작되었다. 혁명적 사유의 시작은 사상가, 문학가들이 주도했고 시각예술계에서는 1990년대에 이르러서야 정치적 관점을 바탕에 둔 시도가 일어난다. 주변의 혁명은 유의미한 변화를 이끌어냈고 예술, 문화, 학술 등의 분야에서 이른바 소수적 사고가 핵심 사상이 된 것은 비교적 단기간에 이루어낸 큰 변화의 물결임에 분명하다. 우리는 미국에서 흑인 대통령이 탄생하는 역사적 전환기를 목격한 세대이다. 그러나 안심하기엔 아직 이른 것일까? 현재 미국에서는 부조리한 흑인 차별이 끊이지 않고, 백인과 흑인 사회 간의 갈등은 여전히 현재진행형이다.
미술계에 다문화, 다원주의가 반영된 첫 전시는 1980년대 말 파리의 퐁피두센터에서 열린 <대지의 마술사들>(1989)로 오세아니아, 아프리카의 동시대작가를 유럽 작가들과 동등하게 다루었다고 평가받은 바 있다. 특히 이 전시로부터 자연스레 탈중심주의 가치관을 바탕으로 한 네트워크를 중요시하는 새로운 전시 방법론이 제시되면서 이른바 세계화 현상을 재현하는 대신 작가들의 국적, 비서구권 국가의 전통을 새롭게 재해석하는 시도를 통해 다양성을 수용했다는 점을 강조했다. 그러나 이러한 전시 패러다임의 전환에도 불구하고 비서구권 작가들은 여전히 민족지적 성격이 강한 작업들을 소개하며 타자의 영토에서 벗어나지 못했다는 비판으로부터 자유롭지 못했다. 21세기 이후, 아프리카 대륙은 세계화 헤게모니 문제의 뜨거운 감자가 되었고 2005년 유럽에서는 가장 큰 규모로 <아프리카 리믹스>라는 전시가 영국의 헤이워드 갤러리 주최로 열린 바 있다. 아프리카는 물론 유럽에서 활동하는 작가들을 망라하며 25개국 60명이 넘는 작가가 참여한 이 전시는 아프리카의 정치·경제·환경적 조건을 다양한 매체와 방식으로 제시한 최초의 블록버스터 전시였다. 규모로 본다면 <아프리카 나우>는 <아프리카 리믹스>보다 작은 기획전이지만, 전시가 지향하는 바를 보면 10년의 시간차만큼 기획의도의 시각이 확장되었다고 볼 수 있다.
<아프리카 나우>라는 표제는 다소 전형적으로 보이지만, 그 의도는 분명하다. 아프리카를 타자로, 민족지적 표상으로 보여주기보다 탈국가, 탈전통, 신세대의 시점이 반영된 혼성적 성격에 무게를 두고 있다. 오늘날의 시각예술전시가 과거의 만국박람회나 인류학 박물관이 추구하던 지배자의 시선으로 희귀한 타자의 세계를 감상하던 방식을 거부하고 있음을 암묵적으로 표명하고 있기 때문이다. 전시 서문에서 밝히고 있듯, 아프리카는 변화 중이다. 세계화는 장소와 대상을 가리지 않는다. 세계화는 무조건 배척하거나 비판해야 할 대상이라기보다 어떻게 권력이 비윤리적으로 세계를 분할하고 타자를 이용하는지에 관한 질문이 선행되어야 한다.

변화하는 아프리카의 정체성
전시에서는 아프리카의 클리셰를 발견하기 어렵다. 잉카 쇼니바레, 크리스 오필리는 아프리카의 전형적 기표와 대상의 관계를 전치하여 그 틈에 각인된 식민과 개발의 역사, 고정된 관점을 뒤흔든다. 존 아캄프라는 정체성과 세계 정치지형도 간 힘의 논리를 지성적이면서도 시적인 영상언어로 풀어낸다. 대중문화와 미디어의 영향을 보여주는 베레코, 카네미이어, 윌리 등은 전 지구적 문화의 맥락 안에서 아프리카의 현재를 시각화한다. 이외에도 전통공예에 뿌리를 둔 현대공예를 소개하는 전시 안의 또 다른 전시인 <정치적 패턴>은 탈전형적 질료를 사용해 현대 디자인과 정치 간의 맥락화를 시도하는 작가들을 통해 가장 전통적 방식의 공예품을 가장 정치적인 조형언어로 변용한다. 대중 미디어가 소개하는 이국적 아프리카, 광활한 대지와 정글은 사실 환영으로서의 아프리카에 가깝다. 과장된 휴머니티가 넘실대는 메릴 스트립과 로버트 레드퍼드 주연의 영화 <아웃 오브 아프리카>, 노예의 지난한 삶을 다룬 <뿌리>나 후피 골드버그의 <컬러퍼플>과 같은 드라마처럼 말이다. 민족지적 시선이 두려운 까닭은 삶과 문화는 끊임없이 변화 중이라는 점에서다.
정체성 연구 또한 변화 중이다. 정체성은 고정된 성질이 아닌 개인과 사회, 내면과 외부세계 간의 긴밀한 관계를 통해 형성되는 과정을 의미한다. 개인뿐만 아니라 국가 정체성 또한 결과가 아니라 끊임없이 진화 중으로 보아야 한다. 대한민국 역시 다문화, 다원주의를 국가의 문화정책으로 표방하고 있지만, 제도에 의한 문화행정은 오랜 시간 뿌리내린 선입견과 고정관념을 허물어뜨리지는 못한다. <아프리카 나우>는 전시 자체가 주는 만족감뿐만 아니라 아프리카에 대한 사고를 바꿔줄 신선한 기회가 될 것이다. 일회적 전시로 머물지 않고 초대 작가들과의 대화 및 동시대 아프리카 문화를 함께 다룰 또 다른 기회를 기대한다. ●

Kevin Beasley 〈Untitled(Sack)〉(가운데 조각) foam, resin, t-shirt, mattress, cover, cotton, thermal shirt 58.4×129.5×40.6cm 2012

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interview

“새로 찾은 아프리카의 아이덴티티”
신은진 서울시립미술관 큐레이터

이번 전시는 아프리카 현대미술 작가를 소개한다. 그러나 한편 아프리카 출신이지만 서구권에서 활동하는 작가가 많은 편이다. 아프리카 미술의 범주를 어떻게 설정했는지 궁금하다.
참여작가에 남아공 출신 작가 6명(팀), 모잠비크, 알제리, 마다가스카르, 나이지리아 등 아프리카 대륙 출신 작가 9명이 포함돼 있다. 거의 절반의 작가가 아프리카 대륙 출신이다. 존 아캄프라와 잉카 쇼니바레 역시 영국에서 활동하고 있지만 각각 가나와 나이지리아 출신이며 자신의 뿌리는 아프리카에 있다고 생각하는 작가들이다. 반면, 안톤 카네마이어와 히스 내쉬는 남아프리카에서 태어난 백인 아프리카너이다. 아프리카라는 아이덴티티를 피부색이나 지역으로만 국한하지 않았다.
전시의 구성과 디스플레이가 돋보인다.고대 그리스 풍의 기둥을 세운 방의 경우, 마치 유럽지역의 박물관을 연상케 한다.
전시 디스플레이에서 특별히 신경 쓴 부분이 있다면 알려달라.
아프리카 미술에 대한 우리의 인상이 막연히 전통조각에 국한되어 있다는 사실을 역으로 이용했다. 제국주의의 상징인 박물관은 일찍이 식민지에서 값나가는 보물이나 유물을 가져다 전리품처럼 진열하는 장소였다. 그리고 지금 우리가 살고 있는 시대가 정치적으로는 식민제국주의가 종결된 시대라고 하지만 경제적으로 신자유주의 체제 아래 신식민지배가 이루어지고 있다는 사실에 주목했다.
3층 전시장의 한 섹션을 잉카 쇼니바레의 방으로 채웠다. 특별히 이 작가를 주목한 이유가 있는가.
특별히 잉카 쇼니바레에 중점을 두기보다는, 다른 작가에 비해 설치와 조각적인 요소가 두드러지는 작품이 많아 그렇게 했다. 작품 내러티브도 강렬하고 조각의 동세와 영상의 사운드까지 모든 특징이 유기적으로 연결돼 있었기 때문에 다른 작품이 개입할 여지가 없었다. 윌리 로만 시리즈 사진은 우리 측에서 처음으로 삼면화 기법을 써서 평균 높이보다 높게 걸었는데 잉카의 스튜디오와 갤러리 측에서 아주 만족해하며 이제부터 이 작품 디스플레이를 이렇게 하겠다고 했다.
이번 전시를 담당한 큐레이터로서, 관람객들이 특히 눈여겨봐야 할 부분은 무엇이라고 보나.
2층 규모의 작지 않은 공간에 공예, 사진, 회화, 영상, 조각 등 다채로운 미디엄의 작업과 작가군을 선보였다. 존 아캄프라는 우리나라 영화제에서도 작품이 소개된적 있지만 갤러리 피스로는 처음으로 듀얼 스크린 형식을 선보였다. 영상미와 사운드 그리고 내러티브가 모두 훌륭한 작품이다. 1월 23일에 문강형준, 임동근, 김소영, 김현미, 서동진, 심보선, 권명아, 박자영과 함께 글로벌 이주와 문화정체성에 관련된 학술 세미나를 진행할 예정이다. 많은 관심 부탁드린다.
임승현 기자
사진 조영하

곤살로 마분다 Gonçalo Mabunda <무제 (mask)>(뒷쪽)가 설치된 전시 광경