2014년 9월 Archives - Page 3 of 4

[Review] 황용진 – Pieces and Parts

2014.10.13/카테고리: 2014년 9월, EXHIBITION /작성자: monthlyart

황용진 – Pieces and Parts

일우스페이스 7.10~9.24

중견작가 황용진은 인간, 동물, 자연과 같은 주변을 관찰하고 언어와 기호를 활용하여 고유의 이미지를 만들어낸다. 익숙한 주제를 실험적이고 다양한 기법으로 보여주는 그의 회화는 전통적인 기법을 충실히 따르는가 하면 때로 팝아트 기법을 따르면서 변화를 거듭해왔다.
회고전 형식의 이번 전시회에서는 작가의 대학시절부터 현재에 이르기까지 30년에 걸쳐 다방면의 실험을 거듭해온 그의 회화, 에칭, 네온사인, 실크스크린 등 다양한 작업을 한자리에서 볼 수 있다. 한 작가의 작업이라고는 믿기지 않을 만큼 다양한 소재와 기법으로 펼쳐지는 파노라마는 오랜 세월 자기세계를 모색해온 그가 얼마나 치열하게 작업을 이어왔는지를 짐작하게 한다.
1980년대 명암과 색채 대비를 강조하고 화면을 분할하여 색면으로 처리하면서 종이를 붙이거나 뜯어내는 방식으로 불안과 긴장을 유발하던 ‘인간시리즈’에서 생물학적 형상이 강조된 초현실적 이미지로, 나아가 1990년대 접어들어선 점차 단순화되고 간접적인 표현으로 상징화되었다. ‘동물시리즈’를 거쳐 ‘풍경시리즈’에 이르는 과정에서 작가는 점차 삶의 애증 대신 생명의 순수성에 몰두해왔다.
이번 전시에서는 작가의 이와 같은 다양한 시도를 단번에 보이도록 부각시켰다. 이 전시는 한 작가의 작업을 주제별로 혹은 연대기 순으로 보여주는 일반적인 회고전의 면모를 벗어나 수업기 이래 30년간의 화업에서 21점을 선별해 한 벽면에 전시하고, 다른 벽면에는 ‘풍경시리즈’ 중에서 13점을 선별하여 마주보게 전시해 동시에 보여주는 방식을 취하고 있다. 벽면의 한 편에서 반대편 모서리 바닥에서 천장에 이르는 벽 전체를 활용하여 서로 다른 시기와 주제의 작품들을 혼합 배치한 방식은 작가의 작업을 오랜 기간 가까이서 지켜본 기획자가 권하는 황용진 작업읽기이기도하다. 관람객은 이로 인해 철판을 잘라 붙인다거나 물감을 칠하고 나서 긁어내거나, 화면 위에 반투명 왁스로 덧칠하는 등의 작가가 시도해 온 다양한 기법과 소와 말 등의 동물이나 인물의 형상과 풍경을 동시에 감상할 수 있다. 작가의 작업을 한 점 한 점 바라다보는 대신 다른 시기에 다른 기법으로 제작된 작품을 한꺼번에 감상하도록 유도하는 이 방식은 작품 간의 대화를 읽어내고 작가의 작업을 새롭게 해석하게 하려는 것이다. 익히 알고 있던 작가의 전 시기 작업을 새롭고 다이내믹한 방식으로 해석하게 하는 것은 삶과 인간이라는 주제로 출발한 작가가 추구해온 생명력을 또다시 작품에 불어넣음으로써 그 의미를 무한히 확장시키는 방식이기도 하다.
시대를 뛰어넘어 주제와 장르를 가르지 않고 온전히 작품에 몰입하게 하고 풍부하게 생산해내는 전시, 작가의 과거와 현재를 다시금 읽게 하고 그 가운데 역동적인 미래를 기대하게 하는, 원숙한 작업세계 못지않게 기획력이 돋보이는 전시회이다.
박영란・국립현대미술관 학예연구관

[Review] 석성석 – Fare・Well Noise

2014.10.13/카테고리: 2014년 9월, EXHIBITION /작성자: monthlyart

석성석 – Fare・Well Noise

트렁크갤러리 8.7~31

소격동 트렁크갤러리 2층의 큰 테이블 위에는 각양각색의 LCD 모니터, 구형 포터블 브라운관 TV들이 길가의 돌탑들처럼 쌓여 있다. 그 사이로 증폭기와 분배기들이 복잡하게 연결되어 있고 각각 연결된 장치들의 화면에는 동일한 이미지들이 떠있다. 아니, 엄밀히 말하면 동일하지 않다. 원본 이미지를 내보내는 UHF 전파로 송신장치는 수신장치들 아래, 위에 샌드위치처럼 끼어 있다. 언뜻 과거 청계천 세운상가 주변에 즐비하던 TV가게 내부를 떠올리게 하는 작은 방송국을 여기에 구현해놓았다. 2012년 말 지상파 방송이 디지털 방송으로 대전환한 이후 더는 구경하기도 힘든 아날로그 방송 시대의 한 장면이다.
이 장치들은 모두 1번부터 26번까지 일련의 번호 순서가 매겨진 잡음기계라 부른다. 그리고 벽면을 향해서 비스듬히 놓인 프로젝터가 뿌리는, 길쭉하게 늘어진 의미를 알 수 없는 영상 역시 같은 정보원으로부터 수신된 또 하나의 변주이다. 작가가 이미 송신 과정에 개입할 때 교란된 원본은 송신장치의 전파를 타고 각 수신장치에 입력되어 이미지와 함께, 그것을 잠식해가는 백색잡음을 재생한다. 거기에 재생 화면을 피드백하는 8밀리 비디오카메라가 마치 거울 속의 거울처럼 다른 송신장치로 입력한 화면을 다시 유선 전송하고 있다. 이 일련의 과정을 통해 노이즈는 점점 증가하고 브라운관 주사선의 신호를 휘어지게 하여 원래 정보의 데이터를 교란시키고 있다. 우리는 이 작은 방을 가득 메운 혼잡한 아날로그와 초기 디지털 기술이 혼재된 시스템을 어떻게 받아들여야 할까? 나는 전파 생태계 내지는, 백색잡음 생태계로 부르려고 한다.
모든 통신에는 필연적으로 잡음이 발생한다. 정보 엔트로피가 증가한다는 것이다. 정보이론의 창시자 클로드 섀넌은 이미 전송 과정의 신호가 변하거나 왜곡시키는 노이즈를 지적하고 있다. 그는 컴퓨터 개발이 한창이던 1940년대에 ‘잉여성’과 ‘노이즈’, 그리고 ‘커뮤니케이션’이라는 개념을 통해 정보를 다시 물질과 연결하였다. 그는 이미 관념이나 추상이 아닌 구체적인 정보와 공학적으로 대면하고 있었다.
석성석은 섀넌의 선구적인 정보이론, 정보의 엔트로피, 신호간섭효과를 설명하는 샘플링이론을 매체예술의 관점에서 적절하게 설명해주는 좋은 표본처럼 보인다. 수적 재현에 관한 설명은 여기서는 건너뛰자. 하지만 여전히 아날로그 방식의 기술이 훨씬 풍부한 데이터를 저장한다고 믿는 사람이라면, 디지털 기술의 초창기 시절에 다음 단계로 넘어오면서 필연적으로 분절되는 데이터의 간격 사이에서 소실된, 섀넌이 ‘잉여성’라고 부르는 나머지에 대해 애석해 한다. 석성석 역시 디지털 기술로 이행하면서 아날로그 신호의 선적 파형은 작은 점들로 분절된 점에 착안하고 있다. 분절된 신호 사이의 간극이 노이즈가 되었다는 그의 언급은 기계, 기술 발전의 과도적 단계에서 과거와 현재의 단절을 강요하는 매체를 비판하고 과잉 시스템을 탈맥락화함을써 키틀러와 같은 기술결정론의 환원적 입장에 대한 저항 내지는 비판적인 태도로 읽힌다.
최흥철・국립현대미술관 학예연구사

[Review] 윤성지 – 신자유주의, 위험한 정신-YOUR SPIRIT

2014.10.13/카테고리: 2014년 9월, EXHIBITION /작성자: monthlyart

윤성지 – 신자유주의, 위험한 정신-YOUR SPIRIT

오픈스페이스 배 6.28~7.16
스페이스 K 서울 8.14~9.19

오픈스페이스 배에서 열린 윤성지의 개인전 <신자유주의>에서는 신자유주의에 대한 작가의 시선이 은유와 상징으로 표현됐다. 직접적인 접근보다는 압축된 언어와 공간구성으로 말이다. 전시장 공간 사방에 각목으로 만든 벽면을 설치하고 벽면에는 ‘Neoliberalism’과 ‘신자유주의’라고 적힌 텍스트가 프린팅 되어 있다. 그렇게 만들어진 좁은 통로를 지나면 여러 개의 스포트라이트가 메인 공간의 뒤편 벽을 비추고 있다.
보편적으로 우리가 생각하는 사회시스템이란 정치, 경제, 문화 등 다양한 요소가 적층되어 꼭지점으로 갈수록 오므라드는 피라미드 형태의 구조다. 하지만 작가는 지금의 시스템을 좀 더 섬뜩한 구조로 파악하고 있는 듯하다. 그것은 안과 밖이 훤히, 너무나 잘 보이는 단순한 구조이며, 각목으로 설치된 벽면만이 존재하는 것이다. 룰은 단순하다. 안에 들어가기 위해서는 벽을 허물지 말아야 된다. 드나듦은 언제나 자유롭다. 일단 안으로 들어가 그곳에 소속되기만 하면 된다. 그러나 전시장에서 보이듯 그 안과 밖은 모호하고 어둡다. 한 줄기 빛도 비치지 않는다. 따라서 어디에 소속되어 있다는 것은 사실 중요한 문제가 아니다. 그렇다면 안을 좀 더 안전하고 안락한 공간으로 의식하는 이유는 무엇일까? 좁디좁은 복도를 지나며 항상 내부를 힐끗 쳐다보는 이유는 무엇일까? 그것은 스포트라이트와 벽면 사이에 존재하는 그 무엇, 혹은 누구, 즉 시스템을 만들고 조종하는 존재에 대한 정보의 부재에서 연유한다. 구호처럼 적힌 ‘신자유주의’의 기치는 안과 밖에 소속된 그 누구도 제시한 적이 없으며, 그들이 존재하기에 자연스럽게 마련된 것도 아니다. 후면의 스포트라이트를 받는 보이지 않는 존재가 만든 체계다. 그래서 이 작품은 공포감에 가까운 느낌을 준다.
그런데 스페이스 K에서 열린 윤성지의 또 하나의 개인전은 그간 펼쳐왔던 작업의 맥락을 대부분 호출했다. 전시장을 가득 메운 핑크 컬러와 그것의 오브제 설치는 작가가 이전 작업에 자주 사용하던 것이다. 텍스트를 구현한 프레임, 오브제도 그의 전시장을 찾은 이들이 한 번은 봤음직한 것들이다. 그런데 작가의 이러한 구성은 필연이 아니었으나 필연이 되어버린 형국이다. 굳이 그러한 컬러와 형태, 구성을 띠고 그곳에서 관람객을 만날 이유는 어디에서도 찾을 수 없다. 다만 의식과 무의식 사이의 경계에서 그는 선택했다. 사실 경계면에서 선택의 문제를 놓고 벌이는 작가의 줄타기는 이전 그의 작업을 관통하는 중요한 태도다. 이미지와 텍스트, 오브제와 공간, 그리고 오브제와 텍스트 등 작업의 요소 사이에서 이해와 몰이해의 혼돈의 장을 펼쳐놓은 것이다. 그래서 의미는 사라진다. 아니 작가는 처음부터 의미 따위는 염두에 두지 않았던 것은 아닐까? 이미 너무 많은 의미에 둘러싸여 사는 우리는 의미파악의 강요에 시달리고 있다. 그러고 보니 스페이스K에서 열린 윤성지 개인전의 타이틀이 ‘위험한 정신_Your spirit’이었다.
황석권・본지 수석기자

[Review] 김기수 – 대단지 입구

2014.10.13/카테고리: 2014년 9월, EXHIBITION /작성자: monthlyart

김기수 – 대단지 입구

아트스페이스 풀 8.1~9.6

김기수의 근작 회화들은 어떤 과거의 이미지를 내 눈앞에 가져다 놓는다. 그가 그린 낡은 건물, 황량한 길을 내달리는 버스, 탁자 위에 놓인 주스, 참외, 기념사진 같은 이미지들은 내 기억 메커니즘을 활성화시킨다. 나는 그런 이미지들과 더불어 과거로 돌아간다. 그러나 이렇게 과거로 돌아가는 일은 대부분 유쾌하지 않다. 그 버스는 내게 고된 일과를 마치고 땀에 젖은 몸을 이끌고 부대로 귀환하던 20대 초반의 고단한 하루를 상기시키고 그 노르스름한 주스는 공부해야 하는 아들을 붙잡고 놀고 있는 아들 친구에게 어떤 어머니가 선사한 최소한의 성의를 떠올리게 한다. 여기에는 아련하고 그리운 추억, 복고적 향수 따위가 들어설 틈이 없다. 그래서 나는 거기에 몰입할 수 없다.
아닌 게 아니라 이 근작 회화들의 전시에 그는 ‘대단지 입구’라는 제목을 붙였다. 그리고 그 ‘대단지’는 지금의 서울시(수도권) 형성 과정에서 벌어졌던 어떤 사건 또는 아픈 상처-광주 대단지 사건-와 연관된 것이다. 강홍구의 표현을 빌리자면 이 전시는 “성남-광주 대단지 사건이 일어난 지역에서 태어나고 성장한 원주민의 후손이 가질 법한 트라우마”에 관한 것이다. 그러니 지금 내 앞에 있는 낡은 사진같은 빛바랜, 흐릿한, 푸르스름하고 노르스름한 이미지들은 사라졌다고 믿지만 어떤 계기가 주어지면-내가 원하지 않는데도- 득달같이 나를 덮쳐오는 아픈 상처에 관계된 것이다. 다시 강홍구를 인용하면 지금 김기수의 정체성은 “자신도 모르게 상처받은 자의 그것”이다. 이런 관점에서 보자면 그의 이미지는 잊으려야 잊을 수 없는 것, 사라졌다고 믿지만 시시때때로 출몰하는 유령 같은 것이다. 그런데 내가 보기에 김기수의 근작들은 봉합된 상처들을 헤집고 “잊지 말자 대단지” 식으로 말하지 않는다는 점에서 특별하다. 그의 근작들에서 대단지는 과거에 비해서(그는 과거에 사진과 영상, 설치 등으로 대단지를 다룬 적이 있다) 상당히 추상화되었다. 불분명한 문맥 속에 흐릿하게 제시된 이미지들은 롤랑 바르트식으로 말하면 “나를 꿰뚫기 위해 오는” 화살 끝을 무디게 한다. 이것은 그가 자신의 매체로 택한 회화의 특성과 관계가 있어 보인다. 회화는 순간에 관여하는 사진과 달리 시간(의 흐름)을 끌어들이기 마련이다. 순차적으로 가해진 붓질은 생생한 사물 또는 대상의 완벽한 유사물-사진과의 마주침이 가했던 충격을 완화시킨다. 게다가 회화의 이미지는 속성상 ‘코드 없는 메시지’인 사진과는 달리 코드가 부여된 이미지-환영이다. 그렇게 본다면 김기수의 근작 회화들은 환영을 통해 유령을 소환하는 작업 같은 것으로 보일 수 있다.
어쩌면 이것은 과거 주로 사진과 더불어 작업했던 김기수가 지금 회화로 ‘돌아선’ 이유에 대한 하나의 답이 될 수 있지 않을까? 그는 외상적 기억을 활성화하거나, 충격을 주기보다는-회화로써- 외상과 더불어 살아가는 방식을 숙고하는 것으로 보인다. 그러한 숙고에는 직접적이기보다는 간접적인(매개적인) 회화가 좀 더 어울릴 것이다. 물론 그러한 숙고는 외상을 장악할 수 없다. 김기수 자신은 이러한 작업을 ‘자각몽(lucid dreaming)’으로 비유한다. 자각몽 속에서는 깨어있는 자아가 꿈꾸는 자아를 바라본다. 여기서 두 자아는 서로를 완벽하게 제어할 수 없다. 이것은 내 마음대로 제어할 수 없는 외상과 더불어 사는 삶의 한 모델일 수 있다. 이 작가가 자신의 작품들에 붙인 ‘스텔스’라는 표제는 또 어떤가. 스텔스는 있는 것을 없는 것처럼 만드는 기술이다. 그런가 하면 그것은 눈에 보이지 않지만 존재하는 어떤 비행체를 지칭하기도 한다. 외상과 부대끼며 사는 회화-삶에 그런대로 어울리는 표제가 아닌가.
홍지석・단국대 연구교수

[Review] 배종헌&양정욱-Bookmaking Project 2014

2014.10.13/카테고리: 2014년 9월, EXHIBITION /작성자: monthlyart

배종헌&양정욱-Bookmaking Project 2014

닻프레스갤러리 7.2~8.10
닻미술관 8.23~9.28

전혀 다른 두 사람의 만남은 그들을 둘러싼 공기를 변화시킨다. 소리 없이 팽팽한 긴장이 흐르기도 하고, 말없는 눈빛에 적의가 담기기도 하며, 작은 움직임에도 서로를 향한 세심한 배려가 느껴지기도 한다. 전혀 다른 두 작품의 만남도 그들을 둘러싼 공기를 변화시킨다. 배종헌과 양정욱의 작품은, 각자의 이야기를 하고 있으면서도 때때로 상대의 말에 귀를 기울이는, 진지하고 조용한 두 사람의 만남 같다.
배종헌과 양정욱의 2인전은 닻프레스갤러리에서 지속해오던 북메이킹 프로젝트와 전시를 결합한 결과물이다. 그래서 전시 작품 가운데 두 작가의 책이 놓이는데, 이 책은 기존의 전시들에서 볼 수 있는 도록 개념이 아니라, 미술작품과 다른 형식의 또 다른 작품이다. 물론 두 작가의 드로잉과 글을 담은 이 책들은, 전시장에 놓인 작품들과 긴밀한 관계를 맺고 있다.
배종헌의 작품들은 그 스스로 만들어낸 별에 관한 긴 이야기와 관계된 것들이다. 어느 날 하늘에서 별이 사라지게 된 계기, 그런데 세상을 둘러보니 온 천지에 별들이 있고(벨큐브나 스타벅스의 로고 같은 인공물들), 그런 인공의 별들에 둘러싸여 별의 의미에 대해 생각해보는 그의 이야기는, 드로잉과 텍스트로, 사진으로, 영상으로, 설치작품으로 만들어져 각각의 완결성을 가지고 있지만 서로 이어진 별자리와 같은 하나의 세계를 구성한다.
양정욱은 움직이는 조각을 만들어내는데, 이 작품들의 형태는 모두 제각각이지만 어딘지 사람을 닮아 있다. 물론 그 조각적 형태가 사람을 닮지는 않았지만, 그 움직임은 연약한 사람의 마음이 흔들리는 모습을 시각화한 것처럼 보인다. 순간적으로 지나가는 예민한 감정을 표현하는 듯한 그 반복적인 움직임들은, 거의 소설이라 불러도 좋을, 작가가 만들어낸 이야기와 연관되어 있다. 이 이야기는 회사와 같은 일상을 배경으로 하여 몇몇 인물과 소소한 사건들이 등장하지만, 키네틱 작품으로 구현되는 것은 인물과 사건이 아니라 그 사이에서 스쳐 지나가는 감정들의 모양인 것 같다.
이번 전시에서 보인 두 작가의 작품은 문학적 서사와 미술의 고전적 관계를 다시 숙고하게 할 뿐 아니라, 형태를 가진 ‘책’이라는 존재가 문학과 미술과 그리고 우리의 삶과 맺는 관계에 대해서도 많은 생각을 하게 한다. 문학과 책이 가져왔던 당연한 관계, 한 권의 책이 조형적 고려를 통해 특정한 형태로 만들어져 온 역사, 그리고 그 책이 우리의 손으로 들어와 열어 보여주는 세계, 책이 보여주는 세계를 통해 스스로의 한계를 넘어설 수 있는 인간의 삶… 등을 생각해보면, 책은 단지 정보를 담아 대량으로 복제되어 메시지를 전달하는 역할만으로 단순하게 설명할 수 없는, 문학과 미술과 세계가 만나는 접점이 되어 왔다.
형태를 가진 책이 없어질 것이라는 소문이 흉흉하게 퍼지고 있는 지금, 배종헌 양정욱 두 작가와 닻프레스(이곳은 갤러리뿐 아니라 수제 책을 소량 제작하는 스튜디오이다)는, 작가의 텍스트와 미술작품, 그리고 그 자체로 형태이면서 내용인 책을 통해, 문학만으로 볼 수 없고 미술만으로도 볼 수 없는, 통합적인 아름다움의 세계를 보여주고 있다.
이윤희・아트센터 화이트블럭 학예실장

[Review] 최치원 : 풍류(風流)탄생

2014.10.13/카테고리: 2014년 9월, EXHIBITION /작성자: monthlyart

최치원 : 풍류(風流)탄생

예술의전당 서예박물관 7.30~9.14

이번 전시는 예술의전당 서예박물관에서 21세기 인문정신의 재발견을 위해 기획한 첫 번째 전시다. 그렇게 1000년의 시공을 뛰어넘어 최치원이 현재 위로 호출되었다. 최치원은 신라 당시 이른 나이에 중국에 유학해 이름을 떨치다가 국내에 귀국한 이후에는 지리산 가야산 등지를 주유산하하다가 빈 신발만 남긴 채 홀연히 사라졌다고 한다. 그리고 그렇게 신선이 되었다고 전해지며, 이후 신발은 신선을 상징하게 되었다. 전시를 위해 시서화 장르를 뛰어넘어 활동하는 작가들이 초대되었고, 여기에 영상설치와 춤이 가세했다. 작가들은 중국 유학 당시 최치원의 행적을 찾아서, 그리고 귀국 이후 최치원이 주유산하한 지리산 가야산 등지를 답사하면서 최치원의 인문정신을 되불러냈고, 그렇게 되불러낸 인문정신을 저마다의 작업에 담아냈다.
그렇다면 왜 최치원인가. 최치원은 무(巫俗)를 바탕으로 유(儒敎), 불(佛敎), 도(道敎) 삼교(三敎)가 회통하는 우리 문화의 전형을 풍류 (風流)로 처음 정의내린 인물로 알려져 있다. 전통적인 종교에 외래 종교를 흡수 통합한 예로 볼 수 있겠다. 보기에 따라선 무속으로 대변되는 종교, 유교로 대변되는 도덕과 윤리 내지는 정치철학, 불교로 대변되는 철학, 그리고 도교로 대변되는 예술의 결합을 시도했다고 할 수도 있겠다. 견지에 따라선 주관정신에 종교를, 객관정신에 예술을, 절대정신에 철학을 결부시켜 정신의 현상학을 전개한 헤겔과도 비교해볼 수 있겠다. 종교가 지배적인 시대적 배경에서 삶의 다양한 루트와 채널을 종교에 버무려내, 종교와 인문정신의 등치를 시도했다고 볼 수 있겠고, 종교를 매개로 한 인문정신의 승화를 꾀한 경우로 볼 수 있겠다.
문제는 이런 통합의 정신을 풍류의 개념으로 정의했다는 것이다. 풍류란 바람처럼 흐른다는 말이고, 바람처럼 벽이 없고 경계가 없다는 말이고, 바람처럼 거침이 없다는 말이고, 바람처럼 정처가 없이 떠돈다는 말이다. 흐르는 것은 바람 말고도 또 있다. 물이 그렇다. 그래서 흔히 바람과 물은 자유정신과 예술혼의 귀감을 상징한다. 그 상징적 의미 혹은 보다 적극적으론 실천논리로 치자면 세속적인 지식이 갈라놓은 구별과 분별 너머로 흐르고, 그 경계와 벽 위로 범람하는 가벼운 정신이며 떠도는 정신, 부유하는 정신을 상징한다. 그 정신은 하릴없이 거니는 것을 의미하는 소요와 무목적적인, 그래서 그 자체가 이미 목적인 여기(餘技)를 하부개념으로서 아우른다. 특히 여기와 관련해선 전통적인 사대부 문인화가 바로 이 여기에 그 논리적 근거를 두고 있고, 서양의 논리로 치자면 아마추어 정신이며 딜레당트 개념이 여기에 해당한다.
무슨 말인가. 즉 풍류는 지금 여기서 무슨 의미를 가질 수가 있는가. 풍류의 정신은 한마디로 삶의 다양한 채널과 루트로부터 유래한 이질적인 지점들을 하나로 통합하고 융합하고 통섭해 들이는 깔때기의 논리에 비유하고 정의할 수 있겠다. 그리고 정처가 없이 흐른다는 점에서 보면 유목주의와도 통한다. 최치원의 풍류는 1000년 전에 이미 이런 통합과 융합 그리고 통섭의 논리를, 그리고 유목주의의 실천논리를 선취했던 것이다. 여기서 주목할 점 하나를 지적하자면, 이런 통섭이며 융합의 논리가 자칫 차이에 대한 억압의 논리로 작용할 수 있다는 점이다. 겉으로는 차이를 인정하면서 속으로는 차이를 지우는, 말하자면 무늬만 차이를 양산하는 기제로서 작동할 수 있다는 점이다. 아마도 풍류와 더불어서 부는 바람은 이런 우려마저 휩쓸어가는 바람일 것이다.
이런 전시가, 말하자면 풍류의 정신을 현재에 계승한 전시가 서예박물관에서 열렸다. 과거로부터 출처를 얻어왔다는 점에서 예사롭고(혹은 박물관답고), 과거를 현재로 되불러온 것 아님 과거를 되불러와 현재를 조망한 것이란 점에서 예사롭지가 않다(혹은 미술관답다). 보통 박물관은 박물관으로서의 몫이 있고, 미술관은 미술관 나름의 됨됨이가 있다. 그러나 이건 선입관에 지나지 않는다. 과장해서 말하자면 박물관을 과거의 무덤으로 내몰고, 미술관을 현재에 붙박아 두는 생각이며 기획에 지나지 않는다. 과거는 물론이거니와 심지어 미래마저 앞당겨 포개져 있는 것이 현재임을 인정하고, 그렇게 다층적이고 다공적인 현실인식을 되새길 일이다.
나아가 박물관은 시간의 아우라를 고스란히 간직하는, 그런 시간의 집이다. 그 집에 현재가 탑재될 때, 어쩌면 미술관 전시가 간과하고 있을 어떤 미학적 공백을 채워줄지도 모를 일이며, 실제로 이번 전시는 그 일을 성공적으로 실현하고 있거나 최소한 예시하고 있다는 생각이다. 여기에 전시는 시서화가 결국 하나의 뿌리에서 연유했다는 사실을 재확인시켜주는 한편, 풍류의 인문학적 정신을 통해 이미 1000년 전에 동시대적 담론의 중추를 담지하고 있었음을 설득력 있게 전해주고 있다.
고충환・미술비평

[Preview] 9월

2014.10.13/카테고리: 2014년 9월, EXHIBITION /작성자: monthlyart

코드 액트

코리아나미술관 9.5~11.15

퍼포먼스 영상에 주목해 온 코리아나미술관의 국제 기획전. 드로잉, 오브제, 설치, 미디어 테크놀로지, 사운드, 텍스트 등 다양한 매체와 연계된 퍼포먼스와 그 의미 작용을 조명하는 전시이다. 신체 자체를 넘어 외부 미디엄과 연계된 제스처와 행위가 역사와 삶의 문맥에서 어떠한 다양한 코드를 함의할 수 있는지, 그리고 이러한 행위가 기존의 일상적이고 관습화된 코드를 어떻게 전복할 수 있는지에 주목한다. 조안 조나스, 윌리엄 켄트리지, 캐서린 설리반, 욘 복 등 퍼포먼스, 드로잉, 설치, 영화 분야를 넘나들며 작업하는 국내외 작가 10명이 참여하여 10여 점의 퍼포먼스 영상작품을 선보인다. 특히 드로잉의 행위 자체가 퍼포먼스로 전이되고 오브제나 미디어 테크놀로지에 의해 원래 신체의 맥락들이 재번역되는 과정을 통해 퍼포밍하는 신체는 외부 미디엄에 의해 번역되고 ‘대안적 신체’로 전이되는 것을 보여준다. 정금형 작