교감

삼성미술관 Leeum 8.19~12.12

삼성미술관 Leeum이 개관 10주년을 기념해 소장품에 대한 깊이 있는 연구를 통해 창조적 의미들을 만들어 내고 새로운 가치들을 폭넓게 담아내고자 기획하였다. 이번 전시는 고미술을 전시하던 상설 전시실과 현대미술을 선보이던 기획전시실, 로비를 하나의 전시로 묶어 미술관 전체를 ‘교감(交感)’이라는 하나의 주제로 시대교감, 동서교감, 관객교감으로 나누어 구성하였다. ‘시대교감’을 주제로 한 고미술 상설전시실에서는 우리 고미술의 대표적 소장품과 현대미술 작품을 한 공간에 전시하여 시간을 초월한 예술작품 간 교감을 시도하였고 현대미술 상설 전시실에서는 동시대 미술의 예술적 교감을 ‘동서교감’이라는 주제로 다루었다. 한편, 기획전시실에서는 ‘관객교감’을 주제로 하여 관람객 참여를 극대화하는 작품들을 전시함으로써, 관람객과의 소통이 점차 중요해지는 현대미술과 미술관 문화의 변화를 담아내고자 한다.

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Water_천진난만

소마미술관 8.15~10.26

스포츠와 예술의 접목이라는 취지 아래 ‘물’이 불러일으키는 긍정적이고 역동적인 에너지와 예술가의 천진난만한 상상력을 보여주는 “Water_천진난만”전을 개최한다. 이번 전시에서는 22명의 작가가 참여해 물의 다양한 형태와 특성, 물리적 현상을 다룬 작품, 물의 조형적 이미지를 표현한 작품, 물에 대한 철학적 사유를 담은 작품 등 유동적인 물의 특성만큼 다양한 경향의 조각, 설치, 영상, 회화 등 총 40여점을 소개한다. 또한 물의 다양한 형태와 특성, 그에 따른 다양한 상징성과 철학적 의미들을 다룬 작품들을 비춰보기, 얼음깨기, 천진난만, 워터리즘, 워터토피아라는 5개의 카테고리로 나눠 탄생·순환·화합·치유 등으로 확장되는 물의 이미지를 통해 몸과 마음 가득 물이 주는 생명 에너지를 살펴본다. 이번 전시를 통해 물이라는 복합적 이미지의 산물을 다루는 전시를 통해 예술적 체험이 가져오는 치유와 휴식을 기대한다. 박상화 작

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나는 세 개의 눈을 가졌다

국립현대미술관 덕수궁관 8.14~11.2

최욱경의 작품에서 제목을 빌려 온 이번 전시는 예술가의 눈으로 바라본 다층의 세상을 살펴보고자 기획되었다. 한국 현대미술의 주축을 이룬 작가들의 작품을 통해 일반인과 다른 방식으로 세상을 바라보는 예술가가 본 세상을 탐색한다.  최욱경 작

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김구림

아라리오갤러리 천안 7.29~10.5

한국 아방가르드 예술의 선두 주자 김구림의 개인전을 천안과 서울에서 동시에 개최한다. 이번 전시에서는 한 작가의 관심사가 시대의 변화에 따라 변화하는 과정을 통해 사회 속의 예술과 또 그 안에서 개인이 반응하는 방식을 들여다본다.

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정희승

PKM갤러리 8.8~9.12

재현의 대표적인 매체로 인식되는 사진의 한계와 속성에 주목해 작업을 진행해 온 정희승의 개인전. 작가는 이번전시에서 작가의 개입을 최소화한 인물, 신체, 식물, 건축, 공간 등의 사물들을 차가우면서도 따뜻한 분위기 속에서 제시한다.

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마류밍

학고재갤러리 8.20~10.15

현재 베이징에 기반을 두고 활동하고 있는 중국의 현대미술작가 마류밍의 개인전. 이번 전시는 회고전 성격을 띠며 1990년대 퍼포먼스 영상 및 사진부터 최근 회화 및 조각까지 마류밍의 20여 년간 작업 활동을 돌아본다.

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의미의 패턴

아트센터 화이트블럭 8.1~10.12

오늘 날의 미술계에서 드러나는 한 줄기의 현상으로서 ‘패턴’을 바라본다. 김동유 김인 문형민 서은애 이중근 다섯 작가가 참여해 최근 단위를 반복하는 패턴이 작가들의 작품 속에서 부상하는 이유와 그 의미를 탐구해 본다.  문형민 작

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조현아

project space 사루비아다방 8.22~9.21

조현아의 개인전 <Effaced>는 작가의 발행물을 출발점으로 삼아 이미지를 만드는 행위와 글쓰기의 관계를 실험한다. 이번 전시에서는 하나의 텍스트를 지워내는 과정에 빈 공간, 빛, 소리, 움직임이 개입하며 나타나는 다양한 현상을 선보인다.

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전준호

갤러리 현대 8.21~9.28

한국의 정치적, 사회적 현실을 독특한 시선으로 재해석한 영상 및 설치 작품으로 주목을 받아온 전준호의 개인전. 이번 전시에서는 인간 실존적 문제와 우리를 둘러 싼 세계의 현실과 이상의 괴리, 또는 현상과 이면의 간극에 대한 질문을 던진다.

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김옥선

한미사진미술관 8.9~9.6

김옥선 작가가 꾸준히 작업해온 결과를 <The Shining Things>라는 타이틀로 선보인다. 정면 초상의 형식으로 나무의 동질성이 반복되어 각각의 존재가 극대화되는 연작 전시와 더불어 50여 점의 작품이 실린 사진집도 함께 발간할 예정이다.

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Vertigo

포스코미술관 7.24~8.27

호주 작가들의 다양한 작품들을 통해 호주 현대미술의 현주소를 소개한다. 이번 전시는 내일에 대한 불확실성을 직면했을 때 나타나는 감정과 변화를 보여주며 이를 극복하고 이후의 새로운 경험으로 부터 성장하는 과정을 이야기한다.보니레인 작

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조미영

갤러리 조선 8.13~9.4

세상의 변화를 공감이 결여된 무모함의 풍경으로 바라보는 조미영의 개인전. 오늘날 세계 곳곳에서 건물을 부쉈다 세우기를 반복하듯 작가의 손끝에서 생성된 구조물들은 거대함과 자본의 속도, 음모를 감춘 채 아름다운 조형물로 재탄생한다.

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이원호

김종영미술관 8.15~10.5

2014김종영미술관 창작지원전에 선정된 작가 이원호의 개인전. 이번 작업은 한국 관광을 위한 홍보용 달력에 실린 고향 풍경의 이미지들로부터 출발해 홍보물 속에 인쇄된 이상적인 모습과 현실모습 사이의 괴리에 주목한다.

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윤성지

스페이스K 서울 8.14~9.17

현대 자본주의적 생산의 관계는 물질 기반의 문화를 양산하고, 물질문화의 글로벌화는 현대인의 불안한 정신적 활동을 확대시킨다. 네 번째 개인전인 <위험한 정신>에서 그것에 대응하는 인간의 정신활동에 집중하는 설치와 오브제 작품들을 선보인다.

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공간리듬일기

백순실미술관 8.16~10.19

공간을 ‘보는’ 것이 아니라 ‘듣게’ 하는 설치작가 박여주 이종건의 2인전. 두 작가는 공간의 물리적 특성을 객관적으로 인식하는 것에 그치지 않고 그 안에서 느끼는 시간의 흐름, 공기와 같이 보이지 않는 상호작용을 읽어내며 새로운 리듬을 창조한다.박여주 작

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석성석

트렁크갤러리 8.7~31

석성석의 작업은 현실에 대한 지속적이고 완고한 의심에서 비롯된다. 작가는 아날로그 TV 수신기를 기계적 용도가 아닌 조형적 미학의 용도로 선보이는 이번 전시에서 현대인이 가지고 있는 기술과 기능적 매체에 대한 반성적 사유를 내포한다.

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헬로! 아티스트

토탈미술관 8.8~10

웹사이트 네이버에서 진행되는 작가소개 콘텐츠 <헬로!아티스트>의 작가들을 오프라인에서 만나본다. 안경진 안준 하이브 최대진 류권 배윤환이 참여하여 모니터가 아닌 전시장에서 가능성과 열정, 자신의 신념이 담긴 작업을 소개한다.하이브 작

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차영석

표갤러리 사우스 8.14~9.5

‘수집’이라는 개인의 취향을 통해 사회현실을 반영하고 개인의 욕망을 들춰 보는 차영석의 개인전. 작가는 타인의 수집품을 나열하는데서 한 발짝 더 나아가 수집품을 취사선택하는 과정에 숨어있던 자신을 발견하는 과정을 보여준다.

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Raw Regard

최정아갤러리 7.31~8.9

날카로운 직관력을 가진 젊은 작가들의 살아있는 시선이라는 뜻의 기획전. 강우림 김도희 김윤환 김정섭 노경택 박이슬내 박혜지 윤진영 최원석 황형신이 참여해 자신만의 주관적 시각으로 자신과 자신의 주변 혹은 이 사회를 이야기한다. 박혜지 작

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문활람

더칼립소갤러리  7.4~8.18

살아가면서 사소한 일들이 큰 결과를 가져오게 되는 일이 종종 있다. 작가는 무료한 생활 속에서 느낀 사소한 감정이 자신을 변화시킨 일을 계기로 깨달음의 순간과 깨닫고 내려놓을 때 일어나는 치유의 과정을 담담하게 그려낸다.

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박창은

교동아트스페이스 8.19~25

<꿈트다> 라는 주제 아래 서정적 감성을 담은 박창은의 개인전. 작가는 내면의 자화상인 꿈을 품은 위태로운 형상을 변형된 남성과 여성 등을 회색조 조형으로 표현하며 그들에게서 피어난 새싹을 통해 꿈이 지닌 감성을 이야기 한다.

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박치호

쿤스트독 8.1~14

토르소라는 소재를 통해 현대사회의 가치체계에 의문을 제기하는 박치호의 개인전. 작가는 현대인의 자화상이나 삶의 부조리한 총체적 덩어리로 표현되는 토르소를 통해 갖은 수식과 형용들을 감추거나 버림으로써 나타난 고도의 상징을 담고 있다.

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카코포니

갤러리 분도 8.18~30

청년작가 프로모션 프로젝트 <카코포니>전시의 열 번째 이야기. 대구경북 지역 미술대학 출신 신진작가 5명이 현대 미술을 풀어내는 방식은 마치 불협화음을 일컫는 카코포니처럼 서로 다른 자신만의 음을 연주하는 가운데 새로운 조화를 선보인다. 김현지 작

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김경상

파비욘드 8.5~16

고통과 구원을 주제로 영혼의 빛을 기록하는 김경상의 사진전. 작가의 작품들을 통해 성인이 우리에게 남긴 정신적 향기를 되돌아보게 한다. 명상적 느낌의 풍경과 인물 사진들은 작가만의 독창적인 예술로 승화되며 더욱 빛을 발한다.

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그룹상

갤러리 조이 8.12~9.5

2006년 창립되어 올해로 8회째를 맞이하는 그룹 상의 정기전. 부산을 중심으로 활동하는 다양한 세대를 아우르는 작가 12명으로 구성된 그룹으로 그 안에서 예술이라는 형상 안에 각기 다른 창작의 열정으로 단합된 모습을 보여준다. 허필석 작

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송현철

해운대아트센터 8.21~9.3

라이벌 관계로 서로 경쟁하는 사이지만 서로의 발전을 위해 없어서는 안되는 존재들에 대한 이야기를 작업에 담아내는 송현철의 개인전. 작가는 생활 속에서 볼 수 있는 친근한 사물의 결합을 통해 새로운 모습의 사물을 탄생시킨다.

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쉰스터

갤러리 마레 8.5~15

한 장의 사진으로 한 편의 드라마를 연출하는 작가 쉰스터의 작업이 <Street Drama>라는 타이틀로 펼쳐진다. 같은 시간에 존재한 사람과 한순간을 의미하는 공간과 변수가 되는 시간을 통해 인상 깊은 사건을 사진으로 재구성한다.

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류회민

미광화랑 8.1~31

부산이라는 도시의 조형적 특성을 살려 작업을 진행하는 류회민의 개인전. 작가는 항구도시였던 부산이 점차 현대적인 도시로 변화하는 과정을 지켜보며 그 과정과 변화의 모습을 먹으로 그려내며 도시의 변화에 따른 생활방식 변화까지 주목한다.

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마우리시우 지 소우자

부산 롯데갤러리 광복점 7.24~8.18

여름방학을 맞이하여 개최하는 브라질의 만화거장 마우리시우 지 소우자 특별전. 이번 전시는 아이들을 위한 만화책과 다양한 만화 캐릭터로 브라질에서 국민적인 사랑을 받고 있는 작가의 다양한 아트상품 및 원화, 조각작품으로 이루어진다.

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이혜영

지중해갤러리 8.1~31

누드를 통해 인간 본연의 모습을 표현하는 이혜영의 개인전. 작가는 인위적인 포즈가 아닌 일상에서 볼 수 있는 가장 자연스럽고 편안한 자세의 누드 드로잉을 통해 삶 속에 드리운 인간의 고민과 몸으로 드러나는 깊은 내면의 심리를 표현한다.

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김윤연

대구문화예술회관 8.4~10

타인에 대한 경계가 날로 심해지는 현대사회에서 진정한 소통을 꿈꾸는 김윤연의 개인전. 경계가 분명한 하늘과 땅을 푸른색으로 모호하게 표현한 뒤 물고기라는 상징물로 그 경계를 무너뜨리는 작업을 통해 작가가 세상에 대해 느끼는 바를 전한다.

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박인옥

가나아트스페이스 8.6~12

푸른 색조의 자연과 흰색의 새를 통해 감정을 전달하는 작가 박인옥의 9번째 개인전. 작가는 산, 강, 바다 등을 푸른색조의 차가운 이미지로 표현하고 그 위를 날아가는 흰 새를 통해 고된 일상 속에서도 부단히 노력하는 현대인의 자세를 그려낸다.

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이혜경

가나인사아트센터 8.20~26

오랜 추억의 의미를 찾는 이혜경 작가의 아홉 번째 개인전. 무한한 꿈을 꾸는 인간 내면의 모습을 색으로 표출한다. ‘Story of Korea’라는 주제로 작업의 테마를 전통 문양과 오방색으로 내세워 작가만의 내적인 이야기를 들려준다.

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최준영

대구문화예술회관 7.29~8.3

자연물 속에서 발견한 색과 조형성을 바탕으로 디자인의 패턴요소를 재해석하는 최준영의 개인전. 작가는 꽃과 나무를 소재로 친근감 있는 조형작품을 제작 추구하며 다양한 분야에 적용할 수 있는 패턴 제작에 역점을 두었다.

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강정에서 물·빛

강정 다아크 광장 8.23~9.21

22명의 작가가 커뮤니티아트를 통해‘강정’이라는 공간의 역사성과 장소성 그리고 공공성에 대해 상호교감을 이루기 위해 기획되었다. 과거와 현재 그리고 미래가 자연과 도시, 예술로 소통될 수 있도록 하는 변화의 장을 마련한다. 조숙진 작

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허명욱

온유갤러리 8.7~9.22

장난감 자동차와 트렁크에 슬어있는 ‘녹’을 통해 시간을 표현하는 허명욱의 개인전. 작가는 시간의 흐름에 따라 마모된 사물들이 처음 그것이 만들어졌을 때와는 조금 다른 존재가 되는 과정에 주목해 사물의 다양하고 복잡한 아름다움을 재발견한다.

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이미숙

대전 KBS방송국 갤러리 8.19~25

좀처럼 피우기 어렵다는 선인장의 꽃을 본 순간 작가는 힘든 삶 속의 희망을 발견할 수 있었다. 그 경험을 타인과 공유하기 위해 선인장 작업을 시작한 이미숙의 개인전. 작가는 선인장과 함께 희망을 상징하는 꽃과 염원이 담긴 색채로 작업을 진행한다.

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김기수

아트스페이스 풀 8.1~9.6

한국의 근대화 과정을 둘러싼 사건들을 기록하고 재구성하며 현실문제에 다각도로 접근하는 작업들을 지속해온 김기수의 개인전. 작가는 압축성장이 개인에게 시대적 폭력으로  가해지는 상황을 기억의 파편과 역사적 트라우마로 캔버스에 담았다.

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Surface

갤러리 바톤 7.25~8.23

일관된 주제에 대한 응축된 생각과 어떤 방식으로 펼쳐내야 하는지에 대한 고찰을 하는 윤석원과 배민영의 그룹전. 작품 주제와 실제적인 표현을 두고 벌이는 내적인 화합과 투쟁의 산물인 최종 결과물을 통해 의식의 시각화를 체험할 수 있다.배민영 작

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양옥경

샘터갤러리 7.31~8.6

꽃과 나비를 소재로 서정적이고 아름다운 풍경을 재현하는 작가 양옥경의 개인전. 이번 전시에서는 작가 특유의 원색적인 색을 지양하고 부드러운 파스텔 톤을 사용함으로써 더욱 따뜻하고 서정적인 느낌을 주는 신작을 선보인다.

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조민서

금산갤러리 서울 8.5~14

장애를 넘어 작가를 꿈꾸는 20살의 발달장애 조민서의 생애 첫 개인전. 세상에서 받은 영감에 특유의 상상력을 더해 새로운 생명체를 탄생시킨 영상, 드로잉, 도예 80여점을 통해 현대인들의 순수함과 열정을 회복하는 계기를 마련한다.

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트레블러

신한갤러리 역삼 8.4~9.15

타국에서 이방인으로서 느끼는 이질감과 고국에 대한 그리움을 소재로 공동작업을 하는 최보희와 한지원의 그룹전. 두 작가는 수십여 개의 여행가방과 이불 등을 소재한 다양한 매체를 통해 이방인의 심리를 시각적으로 구현한다.

 

 

 

 

 

지금 지금 지금, 여기 여기 여기, 우리 우리 우리

작가 윤동천은 고도압축성장을 이룬 한국사회의 이면에 도사린 부조리와 모순을 냉철하게 진단하고 은유적으로 표현해왔다. 6월 18일부터 7월 30일까지 신세계백화점 본점 갤러리에서 열리는 윤동천의 개인전 <병치(竝置)-그늘>은 작가가 포착한 한국사회의 적나라한 얼굴이다. 설치, 사진, 오브제 등 다양한 매체를 다루며 장르를 넘나드는 작가의 작품은 시사적이고 무거운 주제를 특유의 조형어법으로 해석하고 있다. 전시의 이모저모를 동료 작가인 석영기 교수(계원예술대학교 순수미술과)와의 대담을 통해 소개한다.

석영기(이하 석) 이번 전시는 언제부터 준비 해오셨나요.
윤동천(이하 윤) 제안은 몇 년 전에 처음 있었는데, 지난해 겨울에 일정이 최종 결정됐습니다. 그러니까 지난 겨울방학 무렵부터 준비해온 셈이죠.
석 전시 제목은 언제 정하셨나요.
윤 막판에 홍보자료 내기 직전에요.(웃음) 5월 중순에 결정했어요. 그전엔 이것저것 망설임이 많았죠. 처음에는 백화점 갤러리가 재미있는 공간이라고 생각했어요. 그런데 막상 고객층을 생각하니 입장이 바뀌더군요. 아주 진지한 걸 보이자니 관객들이 재미없어할 것 같고, 남대문시장에서 물건을 사다 놓을까 생각도 해봤는데 내 나이에 너무 치기어린 짓 같고. (웃음) 엎치락뒤치락하다보니 시간이 좀 많이 걸렸죠. 다른 전시보다 수위조절을 하고 콘셉트를 잡는 데 시간이 많이 걸렸어요.
석 지난 2011년 OCI미술관 전시 때 내건 ‘탁류(濁流)’라는 제목은 비교적 선명했는데, 이번 전시제목은 좀 어려운 것 같습니다.
윤 ‘그늘’은 이 사회의 ‘그늘’일 수도 있지만, 한편으로는 우리 세대가 만들어 놓은 ‘그늘’이란 생각이 들었어요. 학교에서 학생들과 얘기하다보면 젊은 세대들이 우리 때보다 훨씬 더 불안해하는 것을 느끼게 됩니다. 저희 세대에게 그림 그린다는 것은 잘 먹고 잘 살겠다는 희망을 포기하고 시작한 터라 별로 불안할 게 없었어요. 못살아봤자 얼마나 더 못살겠느냐는 심정이랄까요. 그런데 요즘 젊은 친구들은 생각이 다르더군요. 웬만큼 먹고산다는 전제하에 그림을 그리는 거지 절대빈곤은 아예 상상도 못하는 것 같아요. 상대적으로 전체가 잘 살게 되니까 그 대열에서 낙오하면 안 된다는 생각을 하게 됐겠지요. 사실 요즘 젊은 세대는 다들 뛰어나잖아요. 시각경험도 많고, 아는 것도 많고, 재주도 많고. 만약 제가 요즘 이 친구들하고 경쟁한다면 맥도 못 출거예요. 그런데도 무지 불안해하고 괴로워해요. 자기 신뢰도 없고, 서로 지나치게 경쟁하고. 우리 세대는 가난을 대물림하지 않으려 열심히 일했지요. 그러면 당연히 우리 자식 세대는 잘살겠지 하고 생각했어요. 그런데 막상 우리 자식들 세대는 너무 불안해하며 어쩔 줄 모르더군요. ‘삼포(연애, 결혼, 출산을 포기)세대’, ‘잉여세대’, ‘88만원 세대’라고 칭해지는 세대 말입니다. 아! 이런 게 바로 우리세대가 만들어 놓은 ‘그늘’이구나 생각하게 됐지요. 그런데 문득 내 나이를 생각해보니, 너무 많이 먹었더라고요. 아직까지도 남 탓을 하기엔 이미 한참 쪽팔릴 나이가 됐더군요.(웃음) 철이 안 들어서였는지 여태껏 그걸 잘 몰랐어요.
석 병치(竝置)는요?
윤 병치는 방법론일 뿐입니다. 하나만 갖고 얘기하는 게 아니라 뭔가를 늘어놓고 결합시키거나 대조, 반복해서 보여주는 방식 말입니다.
석 병치보다는 그늘에 방점을 찍어야겠군요.
윤 그렇습니다. 병치는 보여주는 형식, 방법론이고, 실제로는 젊은 세대에 대한 저의 자책, 반성을 이야기하고 싶었습니다. ‘그늘-병치’는 좀 이상하더라고요. 그래서 ‘병치-그늘’로 정했습니다.
석 20년 전부터 윤 선생의 작품을 봐왔는데, 그때나 지금이나 말씀하신 것처럼 거의 비슷한 방법론을 유지해온 것 같아요. 20여 년 전, 그러니까 이른바 민중미술 끝 무렵 작품이 대부분 사회적 문제를 현실적으로 부각시켜 서술하는 방식이었는데, 그에 반해 윤 선생님의 방법은 은유법이라고 할 수 있습니다. 무엇인가를 사실적이고 직접적으로 설명하는 방식이 아니라 무엇에 빗대어서 설명하는 방식이란 말이죠. 이런 점에서 현실적인 문제를 은유적인 방식으로 처음 제기한 작가랄까, 그 그룹의 일원으로 평가합니다. 한편 1990년대 초반 설치작품도 크게 유행했는데, 그들은 형식 자체, 물성의 연장선에서 실험정신을 표현했지 사회적 문제의식을 작품에 적극 반영하지는 않았습니다. 윤 선생님은 이 설치미술을 이용해 사회적 문제제기를 했다고도  할 수 있고, 이 또한 처음 시도한 작가 중 한 사람이라고 할 수 있겠죠.
개인적으로 아쉬운 점은 당시 활발했던 민중미술이 퇴보하면서 사라졌다는 거죠. 서술적인 방식으로 문제를 제기하던 작가가 갑자기 사라졌다는 것이죠. 그렇다고 해서 사회적·정치적 문제가 다 끝나거나 사라지지 않았고 여전히 존재하는데 말입니다.  그런데 요즘 다시 사회적 문제에 관심 갖는 작가가 많아진 것 같아요.
윤 제 나름대로는 은유뿐만 아니라 직유, 환유, 제유 등 여러 가지 비유법, 강조법을 써오긴 했습니다만. 결론이 나있는 뻔한 주제를 다룰 때 자주 위트, 유머, 파라독스 등의 역설적 표현을 하는 편이지요. 저는 꾀가 많아선지(웃음) 시간이 오래 걸리고, 장기적으로 투자해야하는 방식에는 별로 관심이 없어요. 물론 종국에는 그렇게 해야만 한다는 소신은 있지만. 체질적으로 별로 끈기가 없는 것 같아요. 만약에 저 보고 글을 쓰라면 소설가는 못 되고 시인은 될 수 있을 것 같아요. 때문에 직설적으로 발언하거나 정공법으로 대놓고 이야기하지 못하고 피해왔던 것 같기도 해요. 정공법으로 공감을 얻으려면 그만큼 더 정교하고, 분명하고, 설득력이 있어야 하니까요.
석 나쁘게 말하면 피한 거지만, 좋게 말하면 새로운 방식으로 사회적인 문제를 환기시킨 거라고 할 수 있죠. 그때 민중미술 하는 분들과 같이 전시하기도 했는데…
윤 민중미술 쪽에선 제가 갖고 있는 비판의식 때문에 저를 포섭하려 했던 것 같고, 반대쪽에선 제 작업의 실험적인 측면만 보고 현대미술의 일원으로 보려고 했죠. 이렇게 양쪽으로부터 제의를 받았지만, 사실은 양쪽에서 다 저를 곱게는 안 봤죠. 어느 한편으로 확실히 입장을 정리하기 원했지만 제가 그렇지 않았으니까요. 당시는 민중과 모더니즘 이 둘을 놓고 선택을 고민하는 게 현실이었죠. 하지만 이쪽 아니면 저쪽 식으로 진영을 구분하는 것이 탐탁지 않았어요.
석 당시 1980년대 후반 민중미술은 미술적인 주제에 의한 구별보다는 논리, 개인적 유대감, 집단의 소속감 같은 동지애에 치우쳤다고 봐요. 사실 내부적으로는 민중미술이 상당히 다양했는데도 말입니다. 개인적으로 그 시절 활동했던 작가들이 지금은 어떤 작업을 하는지 궁금합니다. 다시 돌아와, 윤 선생님의 작품들을 보면 방법론적으론 은유적인 방식을 사용했고 이는 당시로서는 획기적이었죠. 미학적 측면에서 보면 이렇습니다. 미적 범주에서 보자면 숭고미 비장미 우아미 골계미가 있는데, 민중미술은 숭고미 아니면 비장미에 해당되죠. 그런데 윤 선생님의 작품에서는 우아미 아니면 골계미가 느껴집니다. 골계미의 특징은 해학, 위트, 아이러니 등인데, 특히 윤 선생님 작품은 해학적인 미적 범주에 속하는 것 같습니다. 그때로서는 해학적인 방식으로 자기 자신을 드러내는 작가가 드물었죠. 조선후기에는 그림뿐 아니라 판소리처럼 해학적인 예술장르가 많았지만, 사라졌고. 근대 이후 모더니즘 시기엔 우아미가 휩쓸었죠. 사회적인 문제 내용은 별로 없고 시각적인 아름다움이나 정신적인 고상함을 추구하는 차분한…. 민중미술은 숭고미 아니면 비장미가 대세였고. 이렇게 볼 때 윤 선생님의 해학적인 작품은 미적 범주에서 새로운 지평을 열었다고 할 수 있죠. 조선시대 미학을 이어받았다고 하면 너무 거창한가.(웃음)
윤 제 작업을 보고 나쁘게 얘기하자면, 산만하다는 소리를 자주 듣습니다. 하도 여러 가지 매체를 한꺼번에 다루고, 주제도 개인적인 것부터 사회적인 부분까지 다양하게 건드리니까요. 반면 좋게 얘기하면 실험적이라는 소리를 듣기도 하지요. 뭐 결국은 그 얘기가 그 얘기지만요.(웃음)
석 또 다른 지점에서 보자면 요즘은 이미지를 채집하는 방식의 작가가 많지만, 1990년대 무렵엔 그렇지 않았죠. 그런 분야에서도 윤 선생님은 선도적이었다고 봅니다.
윤 이번 전시엔 유독 이미지를 채집해서 사용하는 작업이 많이 포함되었지요. 장소가 크면 대개 페인팅을 함께 거는데, 작을 경우 단일한 인상을 주기 위해 양식을 통일하는 편입니다. 헌데 사람들은 제가 페인팅 작업을 하는 줄 잘 모르는 것 같아요. 실제로 지금까지 몇 차례 상을 받은 것도 모두 페인팅작업의 결과였는데. 제가 진정성을 갖고 열심히 해도 사람들, 특히 기자들은 위트와 유머를 앞세워 얘기해요. 아무래도 그게 더 인상적이었나 봐요. 제가 보여 지고 싶은 모습과 사람들이 보고 싶어 하는 모습에는 차이가 있겠지요. 실제로 페인팅을 할 때는 특성상 이미지 채집보다는 더 본격적으로 작업하는데 그게 잘 부각되지 않는 편이지요.
석 그런 측면이 없지 않아 있는 것 같네요. 이미지를 채집하고 그 이미지를 활용하는 작가로 인식되어 있고, 그린다는 건 잘 인식되어 있지 않은 것 같아요.
윤 상대적으로 회화작품만으로 한 전시가 최근엔 많지 않아서 그런 것 같아요. 언제가 될지 모르겠지만 앞으로 회화만 가지고 큰 전시를 해볼 생각이에요. 회화작업을 하면 마치 고향에 온 것 같고 설레요. 왜냐하면 어릴 때부터 줄곧 해오던 것이었고, 한편으론 끝이 어떻게 될지 모르니까요. 다른 작품의 프로세스는 머릿속에서 계산하고 이미 끝을 알고 만들어 가는데, 그림은 그렇지 않거든요. 제게 그림은 계속해서 지속적으로 과정에 반응하고 끝을 찾아가는 작업이에요. 그렇다보니 전시를 준비할 때 제일 먼저 페인팅작업을 해요. 그러지 않으면 막판에 쫓기다 엉망이 되기 십상이죠. 예상할 수 있는 건 미루어도 상관없지만 언제 끝날지 모르는 건 미리미리 해야 하니까요. 그래서 페인팅이 안 풀리면 그 전시 전체를 죽 쑤게 되죠.(웃음)
석 페인팅을 안 알아준다고 상당히 서운하신 것 같네요.(웃음) 그런데, 손재주도 좋은 것 같아요. 실험성 못지않게 완성도나 밀도 면에서도 아주 완벽하거든요. 메시지의 은유 못지않게 큰 장점이라고 봐요. 상업적 미술에서 요구하는 마감도 잘한다는 얘기죠. 사실 작품을 감상하는 관객에게 시각적인 즐거움을 주는 것도 중요하다고 봐요. 그런가 하면 앞서 말한 민중미술 세대와 다시 비교하자면 민중미술 작가들은 삶의 현장, 사건 현장 그 자체에서 작업했는데, 윤 선생님은 집 거실에서, 사무실에서 신문이나 TV를 보면서 작업을 한다고 할 수 있죠. 실재 그 자체가 아닌 사진이나 비디오로 찍은 2차적인 소스를 이용해 작업하는 거죠. 윤 선생님 작품 제작 방식은 그런 전환점에 위치해 있는 것 같아요. 더불어 국제적인 이슈보다는 한국 사회에 대한 관심이 큰 것 같아요. 보기 드문 경우인데, 제목도 한글로 정하고, 한글을 사랑하시나요?(웃음)
윤 작업에 대한 저의 입장은 이미 미대 입학 전에 정리됐어요. 그리고 대학생활을 거치면서 지금까지도 변하지 않았고요. 그것은 결국 ‘지금, 여기, 우리’의 문제를 다루겠다는 생각이에요. 우리나라 사람한테 보여주는데 굳이 남의 나라 말을 쓸 필요도 없고.(웃음) 앞에서도 얘기했지만 우리 세대는 민중미술과 모더니즘 사이에서 선택의 고민을 강요받았죠. 그런데 민중미술은 관점과 태도는 좋은데 방법론에선 좀 그렇고, 모더니즘은 미학적인 측면에선 일정 정도 성과가 있을지는 모르지만 도대체 소통이 안 되고…, 그래서 그 사이의 접점을 찾자는 게 저의 입장이었지요. 아마 그 당시 다른 작가들도 비슷한 입장이었을 테지만.
석 1990년대, 그러니까 한국 현대미술의 전환기라 할 수 있는 시기에 본격적으로 작품을 시작하신 건데, 본인의 작품 관점에서 봤을 때, 요새 젊은 작가의 작품을 보거나 윤 선생과 비슷한 주제의 작품을 하는 작가를 볼 때 어떤 생각이 드나요. 그들은 사회적이거나 정치적인 이슈를 어떻게 풀어내는지 궁금할 듯해서요.
윤 글쎄요, 아주 솔직히 말해 요즘 젊은 작가의 작품을 보면 전반적으로는 “저걸 왜 하지?”, “저게 재미있나?”하는 생각이 먼저 드는 게 사실이에요. 이제는 자기가 좋아하는 것을 해야 한다는 것에 누구나 동의하는 것 같고, 또 그 방향으로 가고 있기는 한 것 같아요. 그런데 소통의 수단으로서 작품을 생각한다면 과연 누가 재밌어할까에 대한 고려가 먼저 있어야 할 텐데, 그들에겐 이에 대한 성찰이 별로 없는 것 같아요. 자신의 기호와 취향만 있지. 저는 그 지점을 잘 이해하지 못하겠어요. 왜냐하면 저 자신은 남과 소통하기 위해선 작품이 한껏 친절해야 한다고 생각하는 편이거든요.
한편으로 또 다른 움직임이 있지요. 자기정체성을 드러내면서도 아주 깊게 사회와 연결시키는, 개인과 사회의 다양한 문제에 연루되어 있는 작업 말입니다. 상당 기간 지속된 이런 움직임은 제가 생각하는 것보다 훨씬 더 이 사회와 돈독히 관계 맺고, 결속되어 있는 면모를 갖고 있는 것 같아 반갑기도 해요. 비교해보면 내 작업은 여전히 그냥 던지는 듯한 느낌이라서 스스로 반성도 많이 하게 되죠. 예를 들어 어떤 지역이나 사회에 몸담고 합류해서 함께 이뤄내는 것도 아니고, 그렇다고 집요하게 장기간의 프로세스 자체를 작업으로 이끌어내지도 않으니까요. 저는 여전히 전시장, 미술관 안에서 머물고 있어요. 사실 20년 전에도 어떤 인터뷰에서 “전시장보다 현장에서 이뤄지는 미술에 관심이 많다. 앞으로는 그런 작업을 더 진행할 요량이다”라고 밝히기도 했어요. 그런데 그게 막상 그렇게 잘 이뤄지지 않더라고요. 이왕 할 거면 제대로 해야지 하고 수없이 벼르기만 했지요. 모두 저의 게으름과 실천력 부족이 문제겠지요.
석 현실 참여 면으로만 보면 윤 선생님의 미술은 미지근하다고도 볼 수 있죠. 그런데 작품 하나하나를 보면 다양한 볼거리, 다양한 읽을거리가 있어요. 예를 들면, <개가 달린다>라는 작품, 좀 당황스럽기도 한데, 이 작품을 보는 저도 아, 나도 개처럼 달리면서 살고 있는게 아닌가 하는 생각이 문득 스치지요.
그런데 미술 형식적인 면에서 보면, 문자와 이미지가 같이 사용되는 방식은 포스터나 일러스트레이션 같은 것이고요, 우리 전통미술에서는 문인화 같은 것이죠. 시서화 일체라고 하였는데, 시가 먼저 있고 그다음에 그 내용을 시각화하는 것이 문인화라고 할 수 있어요. 물론 지금은 일러스트레이션이라고 부르죠. 저는 이 <개가 달린다가 전통문인화 방법과 현대 일러스트레이션의 관계 속에 있다고 봐요. 문인화의 세계는 기본적으로 자기수양의 세계죠, 반성적인 자기고찰도 포함되겠고. 일러스트레이션은 소통이 제일차적인 목적이겠고, 작가 본인의 내면이 중요한 것은 아니지요. 이 작품에서는 자기 내면의 성찰과 소통이 동시에 보이네요. 그리고 작품 <촛불-태우다>는 기법이 독특하네요. 색감으로 보면 동판화 같기도 하고.
윤 레이저 커팅기를 이용해서 판화지 표면을 살짝 태운 거죠. 원래 레이저 커팅기는 금속판, 아크릴, 나무 등을 레이저빔으로 절단하는 것인데 그 강도를 약하게 조절해서 작품에 이용했습니다. 판화지 종류마다 타는 정도가 일정하지 않아서 시행착오를 거치느라 제작하는 데 시간이 제법 오래 걸렸습니다.
석 촛불도 타고 종이도 타서 완성되는 작품이군요. 주제의식과 매우 일치하는 기법이라고나 할까(웃음) 실제 불난 흔적을 보니까 촛불의 느낌이 더 다가오네요. 그리고 노란색 종이에 검은색 테두리 액자들로 이루어진 작품은 세월호 사건을 생각나게 하는군요. 너무 가슴 아파 무슨 말을 더 할 수 없네요.
윤 세월호 사건이 그 작업의 직접적인 동기지만 노란색에 대해서 저마다 다른 해석을 할 수도 있을 것 같습니다.
석 윤 선생님 작품을 보다보니 문득 작고하신 소설가 박완서 선생의 소설이 생각나요. 정치적인 주제, 사회적인 주제보다는 자신의 삶 주변의 일상을 끊임없이 지적하는 소설이죠. 기억나는 대목이 있는데, 몇 년 전 많은 사람에게 회자되었던 내용이에요, 같은 아파트 단지 내에 부모님 집 건너편 동에 아들 내외가 사는 집이 있지요. 부모님은 밤이면 아들네 아파트 창을 바라보면서, 불이 환하면 아들네가 집에서 저녁식사를 하는구나, 불이 꺼져 있으면 아들네가 외식을 하는구나, 불이 흐릿하면 아들네가 생일 케이크에 촛불을 붙이고 생일 파티를 하는구나 하고 생각하는 내용이죠. 뜨거운 내용은 아니지만 쓸쓸하기도 하죠. 하지만 소설가의 따뜻한 시선이 느껴지죠. 박완서의 소설이 누구나 쉽게 이해할 수 있는 우리의 삶을 다루듯이, 이번 전시의 작품들은 미술을 잘 모르시는 분들도 그냥 천천히 보면서 같이 느끼고, 이해하며, 공감할 수 있는 우리의 삶을 다루고 있다고 봐요. 미지근하지만 20년 이상 묵은 관록에서 따뜻한 시선이 느껴지기도 하고요.

진행 정리・이준희 편집장

윤동천(오른쪽)은 1957년 경기도 화성에서 태어났다. 서울대학교 미술대학 회화과와 크랜브룩 아카데미 오브 아트를 졸업했다. 1988년 갤러리 현대에서 첫 개인전을 시작으로 지금까지 18회 개인전과 다수의 그룹전에 참여했다. 제1회 토탈미술상(1991), 제11회 석남미술상(1992) 제4회 국제 아시아 유럽 비엔날레 금상(1992)을 수상했다. 현재 서울대학교 미술대학 서양화과 교수로 재직하고 있다.

석영기는 1960년 태어나 고려대학교 철학과를 졸업하고 파리 8대학 조형미술과와 뉴욕주립대 판화과 대학원을 졸업했다. 한국에서 첫 개인전 <컴퓨터사진판화전>(도올갤러리 1991)을 비롯해 <복제미술전>(자하문미술관 1992), <박정희, 박찬호, 그리고 15대 대선-컴퓨터 판화전>(담갤러리 1997), <박정희전>(표화랑 2001) 등 20여 회 개인전을 열었다. 현재 계원예술대학교 순수미술과 교수로 재직하고 있다.

<모음집(母音集)-모이다(1933 한글맞춤법통일안에 의한,)> c-print 110×550cm(총 20점, 각각 55×55cm) 2014

<정치가기성세대를 위한 도구들>(왼쪽) 종이위에 레이저 76×56cm 2014
각종 위해를 가할 수 있는 도구들을 시각화하였는데, 뻔한 내용이지만 결국은 우리들을 꾸짖어 달라는, 때려 달라는, 질책하고 벌하라는 얘기이다.

<삶의 무게> 시트지, 신문, 폐지, 병, 캐리어 272×436×140cm 2014

 

 

사회적 풍경

LIG 아트 스페이스 5.22~6.28

동시대미술에서 ‘풍경’이 삶의 배경이 아닌, 삶 그 자체로서의 풍경으로 재현되는 것은 지극히 ‘일상적’이다 못해 흔하다. 그렇기에 풍경을 주제로 기획을 할 때 어떤 맥락을 가질 것인지가 어렵지만 중요한 부분인데, <사회적 풍경>은 그 부분을 드러낸 전시였다.
참여 작가들의 작업 면면은 작가적 의도와 맥락이 뚜렷했다. 부산의 감천, 영도라는 장소가 가진 버내큘러적 공간성을 그대로 담아낸 강홍구의 사진, 도시 사람들의 취미와 여가의 집합성과 익명성을 드러낸 이상원의 회화, 개발과 성장기 모던 시티의 디스토피아의 현재를 보여준 정재호의 회화, 신자유주의의 역사적 현장을 미술관 쇼케이스처럼 증거로 남긴 진기종의 설치, 존재와 소멸 안의 시간과 기억을 상상하는 이혜인의 회화의 설치, 극장 간판 그림쟁이, 동네 골목 작은 가게 안 미싱사의 삶과 일상에 대한 기록인 전소정의 싱글 채널 영상이 그러했다.
일상적이고 개인적인 그래서, 익숙한 사회적 풍경 안에 숨은 다른 풍경에서 찾을 수 있는 것에 무엇이 있을까 곰곰이 생각했다. 19세기 근대 국가 탄생에 의해 만들어진 ‘사회’ 이전에는 ‘공동체’가 보편적 개념이었는데, 그런 의미에서 근대화 과정에서 비가시적 공동체의 소서사를 드러낸 전소정의 <되찾은 시간> <어느 미싱사의 일일> 그리고 그러한 공동체의 시간성과 역사성이 축적된 장소성을 사실대로 찍어낸  강홍구의 <사람의 집 – 프로세믹스 부산 > 연작이 다른 풍경을 보여주었다.
그럼에도 불구하고, ‘사회적’이란 개념에서 정치적이고 이념적 맥락과 거리를 두고자 했던 탓일까. ‘사회적’ 풍경에서 ‘사회적’이란 기획의 틀을 개인적이고 정서적 관점으로 밋밋하게 걸쳐 둔 것이 작업들이 가진 섬세한 결들을 보는 데 도움이 되지 못한 아쉬움이 있다. 왜냐면, 새로운 작업이 아닌 기존 작업들을 엮어 전시를 만들 때 어렵지만 중요한 지점 중 하나가 작업들이 가진 섬세하고 풍부한 결들을 다른 주제와 개념들로 소통할 수 있는 계기를 만드는 것이다. 관람객이 전시나 작업의 의도와 달리 해석하고 경험하는 것에 대한 여지를 두는 것과는 별도로 이 부분에 미술계 관람객이 아닌, 일반 관람객을 대상으로 하는 전시에서 미술이 가진 다양한 가능성을 경험하기 위한 다른 의미가 있기 때문이다.

채은영・우민아트센터 학예실장

 

 

박진아  __  네온 그레이 터미널

하이트컬렉션 5.30~8.2

한 남자는 검정 백팩을 메고 떠나고 있다. 걷다가 몸을 반쯤 틀어 남겨진 이를 바라본다. 등 뒤로 열린 자동문은 그를 재촉한다. 자동문 너머 길게 뻗은 흰 통로, 그를 어디로 데려가는지 알 수 없다. 공항에 있는 사람들의 모습을 담은 박진아의 새 연작 중 <자동문(이쪽으로)>의 한 장면이다. 다른 작품 <활주로가 보이는 창>에서 비행기를 기다리는 네 명의 인물은 창문 밖을 바라보며 있다. 유리창 너머 텅 빈 활주로를 응시하는 이들의 뒷모습과 함께 캔버스의 반 이상을 차지하는 것은 공항의 회색 바닥과 그 표면의 광택에 반사되어 비친 네 명의 그림자이다. 창문 안 공항 내부와 창문 밖 활주로, 공항 안 사람들과 바닥에 비친 그들의 그림자, 캔버스 안 등장인물과 캔버스 밖 관람자의 배치를 통해, 작가는 하나의 공간에서 다른 공간으로 이동하는 것을 목적으로 하는 공항이라는 공간을 개념적으로 시각화한다.
박진아는 자신이 촬영한 공항 사진들에서 그 인테리어 대부분이 회색으로 채워져 있음을 발견했다. 작가가 발견한 무채색의 공항은 “현대의 공항은 ‘아무것도 아닌 공간(non-place)’으로 설계된다”는 인류학자 마크 오제(Marc Augé)의 이야기와 맞닿아 있다. 세계의 어느 공항이든, 공항이라는 공간은 그 장소가 가진 고유한 흔적들은 사라진 채 복제화된 공간으로 존재한다. 장소가 갖는 독특한 관계성이나 역사성, 또는 정체성이 파괴되고 일률적으로 동질화된 공항에서 우리는 만나고 헤어지며 또다시 삶을 살아간다.
박진아는 공항 연작에서 공항의 ‘회색’을 재현하는 것이 과제였다고 한다. 천장의 회색, 벽의 회색, 그리고 바닥의 회색 광택은 그 안에 있는 인물을 에워싼다. 작가는 그 상황을 캔버스에 여러 색을 겹친 붓질로 표현했다. 회색 공간 안에서 인물들은 아래로 길게 늘어진 제 그림자와 함께 고립된 섬들처럼 떠있는 듯하다. 박진아의 캔버스는 켜켜이 고독으로 가득하다.
박진아는 자신이 많은 시간을 보낸 공간과 인물들을 작품의 소재로 삼아왔다. 이전 작업에서는 전시장의 모습과 미술계 인물들의 일상의 순간을 소재로 삼았다면, 이번 신작에서 작가는 최근 많은 시간을 보낸 공항이라는 공간을 소재로 삼는다. 작가는 일기를 쓰듯 자기의 주변을 기록하고자 공항에서 느낀 그 쓸쓸함을 작품에 담는다.
이번 전시에서 또한 박진아는 독일 작곡가 페터 간과 공항을 소재로 회화와 음악을 공감각적으로 감상할 수 있는 협업 작품을 소개한다. 페터 간은 공항에서 채집한 소리들과 자신의 키보드 연주를 편집하여 사운드를 내놓는다. 이 사운드는 노이즈가 되어 박진아가 회색만으로 구축한 추상의 캔버스와 조우한다. 관객은 겹겹이 쌓아 올려 결국은 무채색이 된 회색의 캔버스와 그 노이즈에 둘러싸인다.
양지윤・미메시스 아트 뮤지엄 큐레이터

금혜원  __  Cloud Shadow Spirit

아트선재센터 6.14~7.13

장례란 과연 누구를 위한 것일까. 영정을 가운데 놓고 죽은 자에게 예를 다 하는 일련의 행위가 언뜻 죽은 자를 위한 일 같지만, 그 역시 남아있는 사람들이 자신들의 슬픔을 달래고 죽은 자를 편안히 보냄으로써 책임을 다하려는 일이기에, 결국 장례란 산 자들을 위한 의례에 더 가깝지 않을까 싶다. 작가 금혜원은 이번 전시에서 반려동물의 장례문화를 사진에 담았다. 사람이 아닌, 사람과 함께 하는 동물(animal companion)의 죽음을 소재로 한다는 지점에 또 다른 강조점이 놓인다. 사실상 개, 고양이, 새 등 이른바 반려동물은 각박해지는 문명사회에서 인간이 곁에 두고 정을 나누려는 데서 비롯된 존재다. 인간의 이기심을 그대로 드러내는 ‘애완동물’에서 ‘반려동물’로 명칭을 바꾸자는 주장이 국제적으로 공식화된 것이 고작 1980년대의 일이며, 핵가족이나 일인가구와 같은 현대사회의 가족 형태 변화에 따라 반려동물을 또 다른 가족구성원으로 여기는 인식의 변화가 있어왔을 뿐 지금도 그 본질은 크게 다르지 않다.
반려동물의 죽음을 기리는 다양한 방식과 유형을 담은 금혜원의 사진은 ‘장례’와 ‘반려동물’이라는 이중적 강조를 통해 결국 현대사회를 살아가는 인간의 자기중심적 본성을 다루고 있는 셈이다. 장례식, 화장터, 납골당, 사당, 무덤, 박제, 위패, 메모리얼스톤(유골로 만든 인공사리) 등 우리나라뿐 아니라 미국과 일본의 각기 다른 장례 및 추모 방식을 보여줌으로써 국가별 문화적 차이 역시 자연스럽게 드러낸다. 그것들 대부분이 반려동물에 대한 인식의 차이보다는 장례 문화의 차이에 해당하는 것이어서, 반려동물의 장례란 것이 결국 인간 중심의 시각에서 비롯된 것임을 재차 확인시켜준다.
전작들과 마찬가지로 작가는 별다른 인위적인 설정 없이 각각의 대상과 장소를 무덤덤하게 포착하고 있다. 그러나 사진 안에 담긴 수많은 정보로 인해 관객은 자연스럽게 많은 것을 보고 읽어내면서 작가의 생각과 교감하게 된다. 재개발 건설현장에서부터 지하철 철로, 인공적 녹조공간, 폐기물 매립시설, 반려동물의 장례에 이르기까지, 작가는 소재를 확장해가면서 인간과 사회에 관한 동시대적 사진 보고서를 차근히 써나가고 있는 듯하다. 그녀의 다음 시선이 머무는 곳을 기대하게 된다.

신혜영・미술비평