제주
태풍의 눈처럼 고요했던 그날
〈바람 잔 날, 그때 제주〉 2016.12.15~3.15 제주 4·3평화기념관

김남흥, 김산, 김성오, 김시현, 조기섭, 강술생 등 6명의 작가가 참여해 32점의 작품을 선보인 〈바람 잔 날, 그때 제주〉는 2018년 4·3사건 70주년을 준비하는 프롤로그 성격의 전시로, 4·3 이전의 제주 풍경을 보여준다. 전시제목 ‘바람 잔 날’은 4·3 ‘이전의 시간’을 의미한다. 그때보다 과거인 때를 돌아보며 그날 이후 잃어버린 것들을 다시금 환기시킨다. 전시된 작품에는 하나같이 사람의 모습은 보이지 않는다. 적막한 골목과 초가집, 파도가 일지 않는 침묵의 바다, 어둠과 빛이 대비되는 동굴의 모습 그리고 앙상한 가지들. 작품에 나타난 풍경들은 곧 다가올 광풍을 예견하는 듯 어떠한 소리도 내지 않고 고요하며 정적이다. 역사와 예술이 끊임없이 맞물리며 이어져온 4·3미술의 한 예를 보여준 이번 전시를 통해 역사가 담긴 공간을 예술로 시각화하고 공유하려는 고민의 흔적들을 엿볼 수 있다. 올해로 24회를 맞이하는 4·3 미술제 또한 한 달가량 앞두고 있다. 4·3을 직접 경험한 세대와 현 세대 간의 격차가 점점 벌어지고 있는 요즘, 예술과 문화가 하나의 매개가 되어 무엇을 기억하고 드러낼 것인지 고민하는 시간이 필요한 듯하다.
이승미 미술사
위 강술생 〈그리운 얼굴〉철 구조물, 천, 끈, 돌,스마트스트립조명,거울, 아크릴판,300×300×300cm 2016

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이정기〈표리부동-사과〉혼합재료 60×60×60cm 2015

전주
호남 미술, 작품으로 말하다
〈호남의 현역작가들〉 2.10~3.26 전북도립미술관

호남 현대미술의 현주소를 알아볼 수 있는 전시가 열렸다. 분리되어 있으면서도 ‘전라도’라는 동질성을 갖는 전북과 광주·전남 지역 현역 미술가 교류전 형식이며 서로의 역량을 살피고 호남 미술의 외연을 확장하는 전시로 총 16명의 전업 작가가 100여 점의 작품을 선보였다. 이번 전시에 참여하는 전북작가는 김성민, 김영봉, 박성수, 서완호, 이가립, 이주리, 조헌, 홍남기 등이고, 광주·전남 작가는 김명우, 박세희, 박정용, 송영학, 설박, 이인성, 이조흠, 이정기 등이다. 김영봉은 인간의 생리적 현상을 통해 몸 밖으로 배출되는 에너지원을 모으고 이를 생태계로 되돌리는 설치작품인 〈생태화장실〉을 출품했다. 조헌의 〈상대적 시간1〉은 자화상 연작으로 자신의 본모습을 잊고 있다가 가끔씩 자기 자신의 진짜 모습을 마주하게 됐을 때 느끼는 여러 결의 감정을 표현하고 있다. 이정기는 사람에게 상처받은 경험을 빛깔은 좋지만 속은 곯아있는 사과에 빗대어 표현하고 있다. 김명우는 흰 바탕 위에 검은 모래를 사용해 스마트폰 카메라로 스캔하면 링크된 포털 사이트의 영상을 볼 수 있는 QR코드를 만들었다. 최신 기법이지만 정작 재생되는 영상은 엉터리 한국어 강좌로, 아날로그와 디지털 시대의 과도기를 상징적으로 표현한다.
이번 전시는 전북도립미술관과 광주시립미술관이 지난해 호남 미술 발전을 위해 체결한 업무협약(MOU)에 따라 두 미술관이 협력하여 진행한 첫 번째 전시이며 오는 2018년에는 광주시립미술관에서 동일한 주제로 새롭게 작가들을 구성하여 전시를 개최할 계획이다.
양승수 소리문화의전당 문화부장

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광주
아카이브로 만나는 원로작가 3인의 작품세계
〈호남미술을 말하다〉2016.11.15~2.19 광주시립미술관

“사랑하면 알게 되고, 알면 보이나니, 그때 보이는 것은 전과 같지 않으리라” 조선후기 문장가 유한준(1732~1811)이 한 말로, 《나의 문화유산답사기》(유홍준, 1993) 서문에 인용되면서 유명세를 탔다. 애정 어린 호기심으로 지식을 확장해가는 과정에서 작품을 감상하는 즐거움도 녹아들 것임을 함축적으로 표현하고 있다. 이와 유사한 맥락에서 이번 광주시립미술관 아카이브 프로젝트는 동선을 따라 아카이브(기록물 자료)를 효율적으로 제시함으로써 원로작가 3인, 탁연하, 조규일, 박행보의 작품세계를 한눈에 조망할 수 있게 전시장을 꾸몄다. 작가별로 구획된 독립 공간에 창작물과 유기적 연관성을 갖는 기사, 도록, 사진, 문헌 등의 1차 자료와 원작을 함께 배치해 그들의 예술관을 이해할 수 있도록 실증적인 단서를 제공했다. 또한 작품 제작 동기와 과정을 채록한 인터뷰 사운드가 전시장을 은은하게 감싸며 분위기를 환기시켜 관객이 작품 설명에 귀를 기울일 수 있게 하였다. 1970~1980년대 광주 전남을 중심으로 활발히 활동한 3인의 원로작가 활동 전개과정을 담은 기록 자료는 지역 미술의 면면을 살펴볼 수 있는 연구 자료로도 가치가 있다. 단순한 구도와 밝은 색감으로 생동감 있는 자연의 모습을 화폭에 담은 조규일, 간결한 필선과 먹의 농담, 그리고 자유분방한 표현력으로 한국화의 전통을 발전적으로 계승한 박행보, 4·19기념탑(1961), 어린이헌장탑(1966) 등의 작품을 선보이며 초기 광주 조각계의 기반을 다진 탁연하의 작품을 아카이브 속에서 감상하다 보면, 그 동안 잘 보이지 않던 것들을 보게 되는 새로운 자신을 발견할 수 있다.
이부용 국립아시아문화전당(ACC)

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파트릭 투르는뵈프〈대기/땅〉 2,524장의 사진, 비디오 1,290,000초, 2015 ⓒ고은사진미술관

부산
낯선 이곳의 익숙한 시선
〈KOREA ON/OFF〉 2016.12.17~2.22 고은사진미술관

〈2015-2016 한·불 상호교류의 해〉의 마지막 공식프로그램인 이번 전시는 프랑스의 사진창작집단 탕당스 플루가 지난 16개월(2014.10-2016.1)간 한국의 면면을 기록한 결과물을 선보이는 사진전이다. 총 14명의 작가로 이루어진 탕당스 플루는 독립성을 원칙으로 삼아 1991년부터 협업해오는 그룹으로, 이번 전시에는 12명의 작가가 참여하여 태극기의 구성 요소인 음양과 사괘를 모티프로 공동 프로젝트를 진행했다. ‘경향’을 뜻하는 ‘탕당스(tendance)’와 ‘희미함/흐릿함’을 뜻하는 ‘플루(flou)’의 합성어이기도 한 이 작가그룹이 바라본 한국은 어떠했을까? 인종이 다르다는 이질감에서 기본적으로 받게 되는 낯선 자극을 초월한 ‘한국적’ 특징을 발견할 수 있었을까? 파트릭 투르는뵈프는 궁전이나 저택의 외관을 흉내 낸 채 원색적인 네온사인으로 괴이함을 더하는 ‘한국적’ 모텔들의 모습을 담아냈다. 플로르-아엘 쉬렁이 담은 무당들의 굿판 표정은 수많은 영혼을 담아낸 그들에게서 비선형적 시간성이 감지되기도 했다. 알랭 빌롬은 2015년 메르스(MERS) 사태에 공포를 느끼며 마스크를 쓰고 다니던 사람들에게서 탈(가면/탈이 나다)을 발견해냈다. 한국의 ‘정체를 알 수 없는’ 근대성을 언제나 낯설게 느껴온 필자지만 남성적이고 피상적인 근대성 그 자체인 한국을 보여주는 작품들을 보고 왠지 모를 민망함이 느껴졌다. 프레임을 탓하고 싶지 않다. 그들은 단지 보이는 것을 찍었을 것이다.
박수지 독립큐레이터, 《비아트》 에디터

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대구
지난 10년, 대구 미술의 변화와 흐름
〈2017 DAC 소장작품전 [지난 10년]〉1.25~2.26 대구문화예술회관

대구문화예술회관은 해마다 전년도 수집 작품을 선보이는 〈소장작품전〉을 개최하고 있다. 올해에는 ‘지난 10년’이란 제목으로 2007년 이후 수집한 작품 가운데 40점을 선별했다. 전시는 총 3개의 섹션으로 구성되었다. ‘사유와 몽상 사이’에는 대구의 대표 작가 이명미, 정은주의 작품을 비롯한 회화 15점이 전시되며, ‘두 개의 현실’은 미디어, 설치작품을 통해 실재와 가상의 경계를 넘나드는 다양한 매체의 조형 언어를 제시한다. ‘보다, 다시 보다’는 사진 등을 중심으로 사회, 문화에 대한 다각적인 시각을 보여준다. 이번 전시는 지난 10년간 대구 미술계의 변화와 흐름을 살펴보고자 기획되었는데, 신진 작가 양성을 위해 대구문화예술회관이 주최해온 〈올해의 청년작가전〉에 선발된 작가들의 작품이 두드러졌다. 참여 작가 40명 가운데 37명이 〈올해의 청년작가전〉에 선발된 작가들로 꾸려졌으며, 이들은 점차 지역을 대표하는 작가로 성장하는 추세이다. 작가의 과거와 현재가 어떻게 연결되고 신진작가 지원 정책이 어떻게 지속적인 작업 활동으로 이어지고 있는지를 가늠해 볼 수 있는 전시이다.
이민정 미술사

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대전
공동체를 보는 방식
〈대전다큐멘타 2016: 공동체감각〉 2016.12.16~3.1 dtc갤러리

복도의 끝에서 끝까지 걸으며 텍스트와 그림을 보는 사이 승하차 승객들이 서로 반대 목적지로 이동하면서 버스처럼 아쉬움을 남기고 작품 앞을 떠나는 모습. 대전복합터미널의 dtc갤러리에서 열리는 〈대전다큐멘타 2016: 공동체감각전〉의 제목은 필자에게 어떤 공동의 목적도 이념도 없는 ‘무위의 공동체’를 떠올리게 한다. 전시에 포함된 4인의 작가는 ‘임동식, 석용현, 우평남, 전범주’이며, 이들은 전문 화가의 길을 걸어온 작가와 일상 속에서 예술을 몸으로 습득한 작가로 분류된다. 문화관광박사로 일하면서 구름, 나무 등에 부처의 얼굴을 그리는 작가 석용현과, 산에서 주운 무뿌리 그대로 조각(자연물조각)을 만드는 우평남, 이들은 임동식의 그림 〈자연예술가와 화가〉에서 만나게 되는 일상의 화가들이다. 화가를 화가로 규정하는 것도 어쩌면 세상을 바라보는 시각에서 결정되는 관점일지 모른다. 전범주의 알록달록한 아크릴판 작업 〈The Way of See the World〉에서 눈에 힘을 주어 글자를 찾아 읽으면 ‘블랙’은 흰색 점들로 쓰여 있고 ‘화이트’는 검은색 점들로 쓰여 있음을 발견하게 된다. 나의 시선이 편견이나 선입견의 망점들로 뒤덮인 것을 깨닫는 순간이다. 화가와 비화가, 전문가와 비전문가에 대해 갖는 우리의 환상 혹은 선입견들은 공동체 내부를 가르고 반목시킨다. 그러나 들여다보면 여기 예술가들처럼 오로지 그림이 좋아서 자신의 전시를 할 뿐이다. 어떤 특정한 목적으로 공동체를 규정할 필요는 없다고 전시는 말하는 것 같다.
유현주 미술평론

비평의 숲과 동무 공동체

《동무론》 《동무와 연인》 《비평의 숲과 동무 공동체》 김영민 지음, 한겨레출판

20여 년 전, 예술이 가진 의미와 가능성 그리고 예술가에 대한 환상(?)을 품은 한 민간인이 사표를 던지고 미술계 문을 두드렸다. 하지만 동시대 예술이 학연, 지연 그리고 제도와 자본에 의존적일 수 있다는 현실 혹은 조건을 확인한다.(심지어 학원과 화실 인연까지 등장한다!) 현대예술의 가치와 맥락 아래 기울어진 운동장이기도 하고 농담처럼 성골과 진골 그리고 육두품이라 이야기한 미술계 내부 시스템과 제도는 여전히 가려져있다. 그렇게 학연과 지연이란 연고의 공동체, 공공미술에서 전형화된 공동체가 아닌, 세 번째 공동체를 위한 조건과 가능성에 관심을 두면서 송도 삼부작(2009~2011)을 기획할 무렵 김영민의 동무론 3부작을 한 번에 만났다.

동무론은 《동무와 연인》(2008) 《동무론》(2008) 이후 《비평의 숲과 동무 공동체》(2011)로 이어진다. 《동무와 연인》은 ‘말, 혹은 살로 맺은 동행의 풍경’이란 부제 아래 철학자와 예술가들의 지적이고 예술적 관계로 새로운 연대의 가능성을 살핀다. 종합 일간지 연재 성격의 글인지라 비교적 수월하게 읽히는데, 순우리말 ‘동무’는 친구(親舊)도 동지(同志)도 연인(戀人)도 아닌, 동무(同無)로 재구성된다. 차이의 서늘한 긴장 속에 함께 길 없는 길을 걷다 그림자조차 감춰버릴 수 있는 모호한 관계다. 《동무론》은 ‘인문 연대의 미래 형식’이란 타이틀을 가지며 신뢰를 바탕으로 실천적 관계를 지향한다. 신자유주의의 물신주의자들과 세속에 상처받는 선량한 바보들의 사잇길, 그 틈 속에 동무의 길이 있다고 말하며 무능의 급진성을 이야기한다.

《비평의 숲과 동무 공동체》는 ‘공부가 된 생활’과 ‘생활이 된 공부’가 겹치는 장소, 즉 “비평과 생활이 일치하는 곳”으로서 “비평의 숲”을 탐색한다. 필자는 비평을 제도권 학제의 ‘인식의 노동’이 아닌, ‘체계의 노동’과 ‘정서의 노동’을 가진 모든 활동으로 재구성한다. 비평은 “동무로서의 생활을 말하는 것”으로, 비평이 성숙, 만남, 사귐, 평등, 자유, 해방, 치유, 구원이 되면서 ‘화이부동(和而不同, 화합하되 하나가 되지 않음)과 ‘화이불류’(和而不流, 화합하되 휩쓸리지 않음)하는 나무들의 숲, ‘비평의 숲’으로 나아간다. ‘동무 공동체’는 비평의 숲을 이루는 ‘인문학적 교양’의 공동체로 타자와 함께 사유하고 상상하고 실천하는 과정으로 가능하다. 또한 공동체의 기원과 전유를 재구성하여 다른 공동체성을 위한 정치성을 상상케 한다. ‘비평의 숲’과 ‘동무 공동체’의 장소는 기존의 사유와 실천을 온전히 재배치하는 개입의 방식에서 드러나는 새로운 ‘희망의 공간’이다. 이 책은 앞선 2권의 책에 비해 쉽게 읽히진 않는다. 하지만 ‘인문’을 ‘미술’로 바꿔 생각해도 그리 어색하지 않다.

예술의 사회적 실천을 주장할 때, 삶과 예술의 일치라는 수사가 있다. 정치적으로는 진보정권이며 경제적으로는 신자유주의가 도입되어 내밀화하던 때에 이 수사는 문화 정책의 슬로건 혹은 공공 기금을 따내기 위한 기획서용 키워드로 재생산됐다. 동시대 예술이 신자유주의를 비판하며 예술의 의미를 이야기하고자 했지만, 결국 그 방식과 과정은 신자유주의에 더욱 포섭되어왔다. 비평을 예술가(작가와 기획매개자들을 모두 포함한)가 자본과 제도에 건강한 긴장 관계를 갖기 위한 모든 사유, 상상 그리고 실천이라 한다면, 지금 여기에 든든한 뿌리를 가지고 진지전으로 비평과 생활이 일치하는 장소성을 가진 숲을 함께 이루어가려 한다면, 세월호 사건 이후 혹은 현 시국에 예술의 무용(無用)과 무능(無能)에서부터 다시 시작할 수 있을 거 같다.

무엇보다, 2000년대 중반부터 공동체 담론이 조금씩 생겨나면서, 장 – 뤽 낭시, 자크 랑시에르, 조르주 아감벤, 모리스 블랑쇼, 알폰소 랑기스, 마이클 테일러, 막스 베버, 알렉상드르 마트롱, 안토니오 네그리 등 서구 이론가들의 책들과 이론들이 소개됐다. 공동체 담론은 커먼스(Commons) 이론까지 확장되었지만 역시 서구 이론이 압도적이다. 예술의 사회적 의미에 관심이 있는 연구자 겸 기획자로서 현대미술과 공동체 담론의 관계를 공부해야 하는 입장에선 곤혹스러울 때가 있다. 좋은 말이고 좋은 의미인 건 알겠다. 그런데 붕 떠있는 느낌이다. 그래서 아주 살짝 떠있는 긴장을 유지하면서 지금 여기에 비평적 상상과 실천을 위한 연대를 이야기하는 김영민의 동무론은 소중한 의미를 가진다. 전형적이고 세속적인 공동‘체’가 아닌 ‘아직, 아무것도 아닌 것을 위한’ 동무 ‘공동’체가 가능할 것이라는 꿈을 가질 수 있다는 것이, 이 사회에서 예술을 계속할 수 있는 용기와 희망이 되지 않을까.
채은영 미술이론, 임시공간 대표

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20세기의 한국미술2
김영나 지음
미술사학자인 저자의 《20세기의 한국미술》 시리즈의 두 번째 책. 한국 근현대사의 굵직한 사건들 가운데 형성된 미술의 양상과 시대정신, 작가별 특징 등을 300여 점의 작품을 통해 세밀하게 조명한다.
예경 383쪽 · 25,000원

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한국 추상미술의 선구자 유영국
박규리 지음
산을 모티프로 하는 비구상적 형태의 자연을 선, 면, 색채로 탐구한 화가 유영국의 예술 여정을 다룬 책. 일제강점기에 태어나 한국 추상미술의 터전을 개척해가는 작가의 삶의 궤적을 담았다.
미술문화 224쪽 · 18,000원

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세계, 인간 그리고 다큐멘터리
스튜어트 프랭클린 지음 / 허근혁 옮김
국제 보도사진가 단체 매그넘(Magnum) 소속 사진가인 저자가 다큐멘터리 사진의 미학과 의미를 재조명한다. 인간의 삶을 담은 다양한 작품들을 통해 사진 역사 속 주요 사건과 쟁점들을 분석한다.
토러스북 216쪽 · 20,000원

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위대한 화가들
디미트리 조아니데스 지음 / 주일령 옮김
미술사학자이자 근 · 현대미술 분야 전문 경매사인 저자가 중세부터 현대에 이르는 서양미술 대가 52인과 가상 인터뷰한 내용을 책으로 엮었다. 독창적인 작품세계와 새로운 기법, 당시의 시대상 등을 그들의 생생한 목소리로 전달한다.
이숲 220쪽 · 25,000원

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안목
유홍준 지음
《유홍준의 미를 보는 눈》 세 번째 시리즈. 안목의 본령이 예술을 보는 눈이라는 관점을 통해 우리나라의 훌륭한 역대 안목들이 미를 어떻게 보았고 그 안목을 어떻게 실천했는지를 소개한다.
눌와 320쪽 · 20,000원

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샤넬, 미술관에 가다
김홍기 지음
2008년 출간되어 많은 사랑을 받은 동일한 책의 개정증보판. 시대별 복식의 변천사, 패션 용어의 유래, 역사적인 배경 등을 통해 그림 속에 등장하는 패션 아이템의 역사와 패션과 미술의 관계를 설명한다.
아트북스 304쪽 · 18,000원

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미식의 역사
질리언 라일리 지음 / 박성은 옮김
예술작품을 통해 음식문화사를 연구하는 저자가 고대부터 르네상스까지 다양하게 변모해온 미식의 역사를 담았다. 그림, 조각, 시 등 180여 점의 작품을 통해 인류가 사랑한 요리법들을 살펴본다.
푸른지식 408쪽 · 25,000원

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프랑스 시노그라퍼
뤼크 부크리스 외 4인 지음 / 권현정 옮김
연극 · 오페라 · 무용 · 전시 등 다양한 공연예술작품에 적합한 공간을 구상하고 연출하는 ‘시노그라퍼’ 57명과 그들의 작품을 소개한다. 171점의 사례를 통해 각 세대별 시노그라퍼들의 작품세계와 작업 방식을 설명한다.
미술문화 304쪽 · 25,000원

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조선 예술에 미치다
전기열 지음
20대 때부터 고미술을 수집해온 저자가 조선 도자기에 깃든 한국인의 미의식을 자신의 소장품과 함께 들려준다. 한중일 도자사에 대한 폭넓은 지식과 수집 체험을 바탕으로 조선 예술을 보는 기준을 제시한다.
아트북스 336쪽 · 25,000원

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럽의 시간을 걷다
최경철 지음
영국에서 건축을 전공하며 유학 기간 동안 가이드 일을 했던 저자가 관광객의 눈으로 유럽의 숨은 명소를 소개한다. 중세의 로마네스크부터 근대의 모더니즘까지 도시를 명소로 만든 건축물의 역사를 안내한다.
웨일북 536쪽 · 22,000원

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좋은 건축의 10가지 원칙
루스 슬라비드 지음 / 김주연, 신혜원 옮김
각양각색의 목적에 부합하는 건축의 기본을 알려주는 입문서. 건축 전공자나 관련자가 아니더라도 누구나 쉽게 이해할 수 있는 건축의 10가지 기본 원칙을 일목요연하게 정리했다.
시공아트 196쪽 · 16,000원

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위작의 기술
노아 차니 지음 / 오숙은 옮김
유럽과 북미를 오가며 미술 위조 범죄 사례를 추적, 연구해 온 저자가 르네상스 시대 이후 오늘날까지 성공한 위조 범죄와 실패한 사례를 분석한다. 돈, 권력 등이 뒤얽힌 범죄의 배경을 파헤치며 예술품 위조의 위험성을 알린다.
학고재 352쪽 · 22,000원