미메시스아트뮤지엄 3.7~4.19

파주 미메시스 미술관에서 진행중인 작가 이슬기의 전시 <분화석!>은 전시장의 실내 구조에 따라 <안>과 <밖>으로 설정된 두 공간에서, 두 가지로 구분되는 형태의 작업들로 이뤄진다. <안>의 공간에는 10장의 커다란 누비이불이 바닥면에 놓인 하얀 좌대 위에 가지런히 펼쳐져 있고, <밖>의 공간에는 진흙으로 쌓아 올린 ‘분화석’ 조각 다섯 덩어리가 섬처럼 놓여 있다. 선명한 색감의 명주로 만든 <안>의 작업들과, 두껍고 어두운 진흙으로 투박하게 자리한 <밖>의 작업들은 그 색과 형태에서 크게 대조를 이룬다.
장인의 손바느질로 섬세하게 만들어진 <안>의 이불들은 각각이 하나의 속담과 연결된다. 붉은 바탕에 초록색 원이 들어간 작업은 ‘수박 겉핥기’, 세 개의 선으로 나뉜 ‘새발의’의 한쪽에는 동그란 ‘피’ 자국이 형상화돼 있다, ‘빛 좋은 개살구’는 정말 탐스러운 진분홍의 타원형이다. 전통적 공예작업의 형식에다 단순한 선과 형태의 디자인을 담은 이 작업은, 고급스러운 외형과는 달리 속담 제목을 통해 그 구성 요소와 의미를 쉽게 연결하도록 한다.
분화석은 동물의 배설물이 굳어져 화석이 된 것을 뜻한다. 배설물 그 자체는 거부감을 일으키는 물질이지만 분화석은 동물의 식생과 생태를 가늠해볼 수 있는 분석의 재료이기도 하다. 긴 시간은 이렇게 물체의 본질을 바꿔버리기도 한다. 하얀 전시장의 검은 덩어리들은 뾰족한 탑처럼 솟아 있거나, 둘둘 말려 올려진 형태로 운반용 팔레트 위에 앉아 있다. 물론 이것은 파주의 강가에서 퍼올린 진흙 덩어리이지 진짜 배설물은 아니다. 설명서에 쓰여진 것처럼 프랑스어 “메르드(Merde)!”는 똥이라는 뜻이자 욕설이기도 하다. 말하자면 걷다가 개똥을 밟았을 때 무심코 입에서 튀어나오는 의성어 같은 단어이다. 여기서 형상화된 분화석은 ‘똥의 화석’이자 ‘욕의 화석’이다. 욕설, 분노의 순간들이 퇴적되고 굳어져 무덤덤해진 상황들을 환기시키면서, 똥에서 유물로, 작품에서 똥으로 오가는 형상과 의미 사이의 메타모포즈를 보여준다.
이 <안>과 <밖>을 관통하는 것은 작업의 유희적 측면이다. 전통 이불이 가진 형태의 단아함을 속담의 가벼운 단어들로 용해하고, 다소 심각한 수사로 해석할 수도 있을 법한 진흙 조형물들은 분화석이라는 의미로 속내를 드러낸다. 이슬기 작가의 유희는 그것이 놓인 공간에 따라 사물들에 발생하는 의미에 의외의 연결점들을 집어 넣고, 그로 인해 생기는 위상 변화를 뜻한다. 안과 밖, 겉과 속이 다른 사물들에게서 “내가 이럴줄 몰랐지”라는 키득거림이 들린다. 공간의 바닥에 놓인 <안>과 <밖>의 작업들과는 그 결과 형태를 달리하는 두 개의 작업에 시선이 간다. 하나는 작은 탈 모양의 조형물이고, 다른 하나는 벽에 걸린 흑백의 이불 <가위에 눌리다>이다. 동그란 눈을 뜨고 있는 작은 탈은 못본 척 입을 닫았고, 두 눈을 동그랗게 뜬 이불 속의 형상은 갸우뚱하며 이 모든 상황을 내려다보는 까마귀의 표정을 닮았다.
김해주 독립큐레이터

갤러리 스케이프 3.4~4.10

작가 임소담은 회화작업을 하면서 대상을 바라보는 관찰자의 특정위치에 주목하는데, 이를 이번 개인전의 제목 ‘Eclipse’와 같이 일식 현상에 비유한다. 작가 노트를 통해 그녀는 “행성은 자신이 돌던 궤도를 지속적으로 돌 뿐이지만 관찰자가 특정 위치에 있을 경우 일식과 같은 기묘한 현상을 드러내기도 한다”고 말한다. 또한 “관찰자의 시점이 중요한 반면 작위적으로 만들어낼 수 없는 현상이기도 하다”고 한다. 이로 미루어 보면 작가에게 회화의 실천은 화가와 세상 사이의 우연적이고도 필연적인 사건이 화면에 드러나는 것이라고 할 수 있겠다.
전시장에 배치된 회화작업은 언뜻 스냅사진처럼 어떤 장면을 포착하고 있는 것으로 보인다. 예를 들면 전선줄과 나뭇가지가 엉켜있는 장면, 감나무와 그 뒤로 손을 뻗어 감을 따려는 희미한 사람, 시선의 전면을 가로막은 철조망과 어두운 배경, 평범한 도심의 자투리 공간, 그리고 그곳에서 살아가는 새나 고양이 같은 동물들의 모습 등이다.(주로 고양이가 등장하고, 관찰자와 적당한 긴장관계를 설정한다) 그리고 화병에 담긴 꽃가지이나 화환 등과 그 외에도 다양한 식물 이미지들, 정물 등을 무심하게 늘어놓은 것들도 있다.
이러한 장면들의 대부분은 여행이나 일상 경험을 기록한 사진에서 비롯된 것이라고 하며, 작가의 기억과 손을 통해 다시 회화로 재현된 것이다. 사진으로 채집된 대상을 옮기는 것이지만 그리는 과정에 무의식적으로 기록된 배경이나 불필요한 사물 등의 요소는 제거되기도 한다. 그리고 작가가 작업을 진행할 때 밑그림 없이 시작하기 때문에 화면은 더욱 자유롭게 재구성되고 배치될 수 있다. 심지어 캔버스 전체를 물감으로 다 채우지 않거나, 흰색바탕의 테두리가 남겨져서 작업을 보는 사람에게도 열린 공간을 내어주게 된다.
비교적 자유롭게 구성된 화면을 보면 속도감 있게 칠한 붓자국의 과감한 색면 처리와 이와 대비되게 섬세한 여백의 라인, 캔버스의 질감이 느껴지는 얕은 붓질과 자연스럽게 번지고 흐르는 물감, 흰 여백으로 비워서 만든 이미지와 이것과 상반되는 어둡고 깊은 색의 배경이 뚜렷하게 드러나는 것 등이 눈길을 끈다. 하지만 이러한 회화적 수단은 작가가 그린 이미지가 선명하게 드러나지 않도록 하고 오히려 현실과 비현실을 넘나드는 몽환적인 분위기를 만들어낸다. 몇몇 작품 속에는 여러 시간이 공존하는 것과 같은 색조를 동시에 사용해 우리를 낯설게도 한다.
임소담의 이러한 회화적 시도는 익숙한 이미지로부터 벗어나 언어로 설명하기 어려운 작가의 경험과 기억에 우리의 눈과 마음을 열어놓는 일과 관계될 것이며, 그 사이에서 무엇을 이루었는지에 대해 생각을 가다듬어볼 만하다.
임종은 독립큐레이터

독일 쿤스트 페어라인 1.18~3.8

독일 뒤셀도르프에서 거주하며 작업해온 작가 윤종숙의 개인전이 노르트라인베스트팔렌주의 도시 립슈타트(Lippstadt)에 위치한 쿤스트 페어라인에서 열렸다. 작가는 이번 전시에서 최근 2012~2014년에 완성한 회화작품과 드로잉을 함께 선보였다. 추상과 구상의 경계를 넘나드는 그녀의 그림을 찬찬히 보면 집, 탑, 식물 같은 형상을 연상시키는 이미지가 드문드문 눈에 들어온다. 이 이미지는 한국의 산등성이와 굽이진 길, 어느 골목의 정자를 연상시킨다. 이처럼 어디선가 본 듯하지만, 여느 특정 지역이나 도시의 모습을 묘사하고 있지 않은 풍경은, 그녀의 정신적 뿌리, 돌아가고 싶은 고향, 어떠한 노스탤지어, 감성적인 것들에 대한 반영인 듯하다. 한편 작품에서 두드러지는 선과 색면은 유럽 추상표현주의 작가의 작품을 연상시킨다. 그렇지만 어느 순간엔가 고요한 정적이 흐르는 듯, 잠시 쉬어가는 듯한 공백과 선 하나하나의 표현은 자신만의 독특한 세계를 이루는 바탕이다.
작가 윤종숙은 ‘화가의 손’을 ‘피아니스트의 손’에 비유하면서 ‘색채’를 피아노의 ‘건반’과 같다고 말한다. 그녀의 이 비유는 색을 사용함으로써 관객의 마음에 “진동”을 불러일으킬 수 있다고 한 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)의 말을 떠올리게 한다. 그녀는 캔버스를 짜고, 새로운 작업을 시작할 때 바탕색을 칠하는 과정을 특히 중요하게 여긴다. 이를 위해 매번 다른 색의 물감을 섞어 새로운 색을 만들고 여러 차례 붓질을 덧칠하는 고단한 노동을 반복하면서 화면의 바탕을 구축한다. 이러한 고단한 과정은 매번 칠한 유화물감이 마를 때까지의 기다림을 담고 있다. 캔버스 안에 수많은 시간과 일상의 흔적이 스며들어 있는 것이다.
윤종숙이 최근 몰두하고 있는 유화 시리즈는 예전에 실(絲)을 사용한 작업들과 사뭇 다르다. 예전 작업은 아크릴 물감을 이용해 자연에서 따온 모티프와 함께 색 면 위에 색실로 알파벳을 수놓기도 했다. 이처럼 단어나 언어와 이미지의 조합은 그녀의 작업세계에서 공통된 흐름이지만, 이번에 새롭게 선보인 회화 시리즈에서는 작가가 예전부터 관심을 갖고 있었다는 민화를 염두에 두고 작가 고향의 풍경과 접목한 점이 특징적이다. 또한 다양한 재료를 사용한 드로잉은 마치 그림일기 같기도 하고, 무덤덤한 듯한 붓질은 한국의 전통 수묵화의 선을 연상시킨다. 이처럼 동양의 서예나 수묵화에서 느껴지는 붓 터치와 추상표현주의의 접목, 캔버스 위에 실의 사용, 기하학적 문양과 문자의 조합 같은 조형적 모색은 항상 새로운 길을 개척하려는 작가 윤종숙의 끊임없는 노력의 산물이다. 이번 전시를 계기로 Kehrer 출판사에서 발행한 도록에는 베를린의 함부르거 반호프 미술관 관장, 본 미술관 관장, 뒤셀도르프 쿤스트 할레 관장 등의 글이 실려 있다. 덧붙이자면, 윤종숙은 앞으로도 의미 있는 여러 전시에 참여할 예정이다. 이번 립슈타트 전시는 2015년 6월과 9월에 차례로 뒤셀도르프의 말카스텐(Malkasten, 6.26~7.12), 하겐의 오스트하우스 미술관(Osthaus Museum Hagen, 9.1~11.8), 2017년에 쿠어하우스 미술관(Museum Kurhaus Kleve, 2017.10~2018.1)으로 이어질 예정이다.
변지수 미술사

남화연

아르코미술관 4.10~6.28

올해 제56회 베니스비엔날레 본전시에 초청된 남화연의 국내 최초 개인전 <Time Mechanics – 시간의 기술>. 융합, 다원예술이 각광받으면서 실험적인 작업으로 주목을 받아온 남화연의 개인전을 기획했다. 국내뿐 아니라 국제무대에서도 활발하게 활동하며 성장 가능성을 인정받은 남화연은 주로 퍼포먼스가 등장하는 비디오 작업과 실험적인 스테이지 퍼포먼스를 선보여왔다. 또한 가상의 방어적 공간 형태나 계급적 위계들을 압축하는 작가의 드로잉 시리즈는 인간 사회의 시스템 현실이나 규칙, 위계와 규율, 법칙 등을 환유하는 것으로 작가의 비디오나 퍼포먼스 작업과 연결되는 지점을 시사한다. 이번 전시는 신작을 포함해 총 5편의 영상 및 사진작업을 선보인다. 퍼포먼스, 영상, 사운드 등 다양한 매체를 넘나드는 작가의 작업 스타일을 살펴볼 수 있으며 사물, 공간, 시간의 실체와 실존, 사회 시스템의 구조를 인식하는 작가 특유의 언어적 퍼포머티비티와 형식적 특이성이 눈길을 끈다.

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관물, 사물을 보는 방법

국립현대미술관 덕수궁관 3.25~6.28

국립현대미술관이 소장하고 있는 근대미술을 소개하는 소장품전. 전시는 길상, 일상, 심상, 형상의 네 개의 공간으로 구분되어 자연과 사물을 관조하는 근대 미술가들의 태도와 그 속에 담겨 있는 성찰을 보여준다.
최영림 작

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한국추상미술

갤러리 현대 3.25~4.22

갤러리 현대의 개관 45주년을 기념하여 한국 추상회화 작가 18명의 작품을 선보인다. 이응노 서세옥 유영욱 김환기 등 한국 추상화를 대표하는 작가의 작품을 한자리에 모은 전시로 한국 추상회화의 흐름을 읽을 수 있다. 서세옥 작

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회화- 세상을 향한 모든 창들

블루메미술관 4.4~6.21

BSSM백순실미술관은 미술관의 공적역할을 공고히 다지고자 블루메미술관으로 명칭을 변경하고 ‘미술관이란 무엇인가’라는 주제로 3개의 기획전을 준비한다. 이번 전시는 그 첫 번째 전시로 미술관의 물리적 조건인 ‘벽’에 대해 생각해 보는 자리로 마련됐다. 미술품이 미술관의 닫힌 벽을 열린 공간으로 재해석한다는 의미로 기획되어 ‘그리기’를 통해 세상을 바라보는 창을 만들어가고 있는 작가 36명이 참여한다. 회화작품을 세상을 보고 담는 창으로 생각하고 회화를 통해 미술관의 흰 벽을 열린 공간으로 변화시키고자하는 이번 전시에는 72여점의 작품을 통해 세상과 관계맺고자 하는 작가와 미술관의 의미를 이야기한다. 다양한 시각으로 세상을 마주하는 작가들의 시선이 서로 관계하는 자리를 만들며 세상과 소통을 하기위한 미술품들이 위치하는 미술관이라는 공간이 작가와 관람객의 마음을 잇는 창구임을 환기시킨다. 이정웅 작

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서용선

금호미술관&학고재갤러리 4.17~5.17

인간과 사회에 대한 통찰을 회화와 조각작품에 담아온 서용선의 전시. 이번 전시는 그가 1980년대 중반부터 천착해온 도시를 소재로 한 연작을 대규모로 선보이는 자리로 도시의 풍경을 통해 한시대의 모습을 응축해 보여준다.

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MOMENTUM : ART/OMI 1997~2014

토탈미술관 4.1~15

소비주의와 물질주의가 만연한 현실에서 균형이 흐트러진 지금의 예술계에 대한 부정적인 시각과 현실의 벽을 넘어보고자 꾸준히 자신의 언어를 연마하고 지켜가는 작가들의 작품을 통해 한국 문화예술계의 현실과 미래를 생각해본다. 김소라 작

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한국화의 경계, 한국화의 확장

문화역서울284 4.1~30

이른바 ‘한국화’로 불리는 분야의 경계와 확장가능성을 살펴본다. 한국화는 물론, 사진, 설치, 영상 등 다양한 작품을 아우르며 시각 예술 분야에서 ‘한국화의 정신’을 주제로 작업해온 작가들의 다채로운 작품들을 감상할 수 있다. 김선두 작

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요건 던호펜

사루비아다방 4.8~30

국내 각종 레지던시에 참여하고 있는 외국인에 대한 네트워킹 및 피드백이 부재한 데 따른 문제의식에서 출발한 기획전. 이번 전시에서는 명상과 성찰을 기반으로 인식의 문제를 다루는 조각가 요건 던호팬의 작품세계를 분석하고 피드백을 수집하는 자리로 마련됐다.

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김수자

금호미술관 4.2~12

바느질과 페인팅이 혼합된 작업으로 캔버스를 수틀과 동일시하며 삶의 단편들을 실과 바늘로 드로잉하는 김수자의 개인전. 비어있는 옷을 통해서 삶의 양면성이 존재와 부재사이에 있음을 상기시키며 2000년부터 2015년까지의 작업을 보여준다.

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윤형근

PKM갤러리 4.15~5.17

PKM갤러리의 재개관전으로 윤형근 화백이 2007년 작고한 이후 국내외에서 처음 개최되는 개인전이다. 단색화로 다시 주목받고있는 작가의 작품중 1970년대 초반부터 1990년 사이에 제작된 작품 중 15점의 대작을 엄선해 작가의 작품 세계를 심도 있게 감상할 수 있다.

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표영실

스페이스비엠 3.27~4.30

형상이 존재하지 않는 감정과 같은, 표현하기 까다로운 주제에 대해 지속적으로 관심을 가져온 표영실 작가의 9번째 개인전 <반투명(translucence)>을 개최한다. 이번 전시는 인간의 ‘감정’을 시각화한 신작 페인팅과 드로잉까지 총 15점의 작품을 선보인다.

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노석미

갤러리 담 3.25~4.5

일상 속에서 찾은 흥미로운 이야기를 소재로 삼아 캔버스 위에 간결하고 경쾌하게 풀어놓는 노석미의 개인전 <그리고 뭔가 부드러운 것>. 작가는 단순한 구도와 색감으로 ‘일상의 시’와 같은 그림을 통해 따뜻하고도 매력적인 감성을 전한다.

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아브라암 크루스비예가스

아트선재센터 4.11~7.26

사회, 정치, 역사적 조건 속에서 만들어지는 개인의 정체성과 자아의 구축과정에 주목하는 멕시코출신 작가 아브라암 크루스비예가스의 개인전. 작가는 주변에서 발견한 사물을 활용해 즉흥적이고 불완전한 공간을 만들어 폐기물들에 새로운 가능성을 부여한다.

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심안으로 본 타자

갤러리 룩스 4.9~5.16

경쟁과 자본이 우선시되는 사회에서 소모적이고 불필요하다고 여겨지는 예술, 미술에 대한 근본적인 문제에서 출발해 일상에서 접하는 익숙하고도 기이한 시선을 모았다. 사진과 회화를 매체로 삼아 자연에 주목하는 작가 7명의 작품을 소개한다. 이현호 작