나자렛파 Nazarener(독) Nazarenes(영)

19세기초에 형성되었던 독일 화가의 한 파. 빈의 아카데미 학생인 오베르베크Johan Friedrich Overbeck 및 프포르Franz Pforr가 중심 화가였다. 그들의 사고방식에 따르면, 예술이란 본디 창조적인 성질의 것이 아닌 종교적인 관념 표출에 도움이 되는 것이다. 이 일파의 화가들에 대해 이른바 ‘나자렛파’라는 별명이 붙여졌던 것도 그 때문이다. 이들은 1809년 빈에 ‘성 루카 조합Lukasbund’을 창설하였으며, 당시의 고전주의적 풍조에 반대하고 로망파 문학자들의 사조에 공감하였다. 이듬해인 1810년 오베르베크와 프포르는 활동 무대를 로마로 옮겼으며, 그 곳에서 활동하고 있던 코르넬리우스Peter von Cornelius(1783~1867), 카롤스펠트Julius Schnorr van Carolsfeld, 샤도Wilhelm von Schadow(1788~1862) 등 다수의 화가들이 이 그룹에 가입하였다.
나자렛파는 핀치오 언덕의 시드로 수도원에서 수도사와 같은 생활을 영위하면서 새로운 종교화의 이상 실현을 지향하는 작품 제작에 전념하였다. 점차 가톨릭의 교의를 받들고 또 라파엘로Raffaello Sanzio(1483~1520) 시대까지 거슬러 올라가 페루지노Pietro Perugino(1445~1523)와 안젤리코Fra Angelico(c.1395~1455) 등의 종교화에 심취하였다. 공동 제작한 작품으로는 로마 바르톨디Casa Bartholdy의 벽화 <성요셉전>(1816~1817)과 마시모Casino Massimo의 벽화가 유명하다.

나체화 裸體畵 nude painting(영)

인간 또는 신, 악마 등의 인간적인 모습을 나체로 표현한 회화. 자연의 대상물 중에서 가장 자아에 가까운 존재로서의 인체에 대한 아름다움을 표현하기 위하여 옛날부터 그려져 왔다. 민족, 풍습, 시대 등에 따라 그 성립과 양식이 다르지만 나체의 미묘한 선이나 면, 각 부분 간의 비례, 피부의 색조 변화, 육체의 양감 등의 미적 요소를 통일하여 유기적 생명을 표출하는 것을 특징으로 한다. 고대에서는 그리스 시대나 르네상스 시대에 나체 표현이 존중되었으며, 특히 인상주의* 이후 나체를 다룬 회화들이 많이 그려졌다.

나타라자 Natarāja(범)

춤의 제왕인 시바*의 모습을 형상화한 것으로 힌두교의 대표적인 신상*(神像)이다. 특히 인도의 촐라왕조* 시대에는 청동상으로 많이 제작되었는데, 나타라자는 시바의 우주적인 기능, 즉 파멸과 창조의 모습을 하나의 이미지에 응축시킨 도상*(圖像)으로 해석되고 있다. 시바의 탄다바Tandava 춤은 새로운 세계를 창조하기 위해 세상을 파괴시킬 때 추는 것으로서 나타라자는 시바의 창조, 유지, 파멸이라는 움직임을 표현한 것이다. 남인도 지역의 춤 자세에서 연유된 이 형태는 각각 도상적인 의미를 갖고 있다. 오른손에 들고 있는 북은 시작을 의미하는 창조를, 왼손에 든 불꽃은 파괴를 의미하는 세상의 종말을, 시무외인을 한 또 다른 오른손은 구원을 뜻한다. 또한 아이를 밟고 있는 오른발은 안정을, 들고 있는 왼발은 휴식을 의미한다고 한다. 나타라자는 청동상 이외에도 사원의 벽면을 장식하는 부조*로 많이 표현되었다.

낙관 落款

그림의 화면 일정부분에 도장이나 글씨 등을 쓰는 것. 낙성관지(落成款識)의 준말로 낙관낙인(落款落印)이라고도 한다. 서화(書畵)를 마무리한다는 의미로 작가가 자신의 이름을 쓰고 글이나 인장(印章)을 찍는 행위를 말한다. 제작연도나 계절, 일시, 제작장소 등이 첨가되는 경우도 많다. 중국 원대(元代)의 예찬倪瓚(니 짠, 1301~1374)이 자신의 그림에 도장을 찍었던 것에서부터 유래하며 한국에서는 조선 후기 이래로 많이 사용되었다. 낙관을 하는 것이나 낙관이 유행하는 것 모두가 화가의 지위 향상을 반영한다.

→ ‘관’ 참조

낙서미술 graffiti art(영)

이탈리아어로 ‘긁기’라는 뜻을 지닌 ‘graffito’의 복수형. ‘graffiti’는 벽 표면을 긁어 만든 드로잉과 이미지를 의미한다. 사실 낙서의 역사는 오래된 것이며 그것은 인류가 문화를 갖기 시작하면서부터 행해왔던 생활의 한 흔적이기도 했다. 낙서가 갖는 잠재된 해방감과 제도화된 매체로부터 소외된 사람들의 또다른 비공식 표현매체라는 점을 염두에 둔다면 일찍부터 예술행위의 본질과 어느 부분 연결되어 왔음을 알 수 있다. 본격적인 의미에서 낙서가 미술의 주제로 등장한 것은 제2차세계대전 이후부터이다. 톰블리Cy Twombly(1929~ )와 폴록Jackson Pollock(1912~1956) 같은 미술가는 낙서의 표현방법에 관심을 보였고, 프랑스인인 뒤뷔페Jean Dubuffet(1901~1985)는 아웃사이더 아트*로서의 낙서가 내포한 의미에 주의를 기울였으며, 스페인 출신의 타피에스Antoni Tàpies(1923~ )는 도시의 벽을 주제로 한 이미지에 낙서를 포함시킬 수 있는 방식에 관심을 가졌다.
그러나 낙서 운동이 본격적으로 일어난 것은 1960년대 말이며 특히 뉴욕의 거리에는 구석구석 낙서가 범람하기 시작하였다. 그것은 흑인이나 푸에르토리코인과 같은 소수민족들이 쉽게 구할 수 있게 된 분사식 스프레이 페인트를 통해 극채색과 격렬한 에너지를 지니고, 속도감 있는 그림과 도안화된 문자들을 거리의 벽과 지하철 등에 뒤덮어 갔을 때부터 본격적으로 주목받기 시작했다. 이러한 낙서가 예술로서 평가받게 된 것은 이탈리아의 <아트 페스티벌>이 최초였지만, 그 밖에도 몇 개의 중요한 전시회와 획기적 사건들이 실마리 역할을 하였다. 1975년 뉴욕의 아티스츠 스페이스에서 열린 낙서 미술가 연합의 전시회, 1980년에 프레디Pab Five Freddie가 워홀Andy Warhol(1928~1987)의 캠벨 수프깡통에 대한 경의의 표시로 제작한 스프레이 페인트 작품, 1980년에 열려 뉴욕 미술계의 관심을 끌었던 <타임스 스퀘어>쇼, 뉴욕 브롱크스에 있는 대안공간*인 ‘패션 모다Fashion Moda’의 전시회와 직업상담같은 형식으로 한 꾸준한 지원, 그리고 해링Keith Haring(1958~1990)같이 미술 전문교육을 받은 미술가들이 발전시킨 낙서 양식이 바로 그것이다.
1983년은 네덜란드 로테르담의 보이스만-반 보이닝겐 미술관에서 최초로 대규모 낙서미술전이 개최되고 시드니 재니스의 블루-칩 갤러리에서 <후기-낙서Post-Graffiti>란 전시회가 열려, 낙서미술이 절정기에 달한 해가 되었다.