모더니즘 Modernism(영)

일반적으로 ‘근대성(modernity)’과 관련된 미술 전반을 지칭하는 용어. 라틴어 ‘modernus’에서 유래하였다. 르네상스 이후에 생겨난 개념으로 사상과 예술에 두루 걸쳐 나타나는 인간의 독특한 시대 의식 또는 태도라고 할 수 있다. 사상적인 의미에서의 모더니즘은 르네상스 이후에 근대인이 갖게 된 삶의 보편적인 감각을 뜻한다. 그리고 시대 의식이라는 점에서 모더니즘은 시간의 흐름 특히 자신이 살고 있는 당대에 대한 독특한 태도를 가리킨다.
따라서 현재와 오늘의 모습에 충실하려는 인간의 이성적 노력을 촉구하는 태도로 볼 수도 있다. 한편 예술 사조로서의 모더니즘을 말할 때는 ‘미학적 근대주의’ 혹은 ‘근대주의’로 이해된다. 문학에서는 19세기의 데카당스*, 상징주의*와 아방가르드*, 음악에서는 쇤베르크Arnold Schoenberg의 현대 음악, 미술에서는 인상주의* 이후 현대 미술의 주류가 이에 해당된다. 19세기 이후 대부분의 현대 미술은 모더니즘의 경향을 띠고 있다고 할 수 있다.
미술사에서 모던이라는 표현을 적용할 수 있는 구체적인 시기는 대략 1860~1970년대이며, 이 기간에 태동한 20세기 아방가르드*의 제 미술 양식과 이념은 모더니즘 혹은 모던 아트로 여겨진다.
모더니스트들은 오늘의 새로움 자체를 절대적인 것으로 삼는 경향이 있으며, 모더니즘에는 무조건 새로운 것을 지향하는 부정적인 의미가 내포되어 있기도 하다. 이처럼 오늘의 새로움을 강조하다 보면 이전의 예술 전통에 대한 의도적인 파괴가 새로운 예술적 창조를 대신하게 된다. 그 과정에서 과거와는 근본적으로 다른 감수성이나 스타일, 방식, 기법, 형식을 강조하게 되는 것이다. 주제의 측면에서는 신의 죽음, 허무주의, 미적 찰나주의, 중심의 상실, 감수성의 분열 등이 자주 부각된다. 한편 ‘예술을 위한 예술’을 기치로 내건 모더니즘 미술은 개별 예술의 자율성에 주목하면서 각 예술 간에 경계를 설정해왔다. 1960년대에 미국의 평론가 그린버그Clement Greenberg(1909~1994)는 모더니즘이 형식주의* 미학으로 정착되는 데 기여하였다. 그린버그는 모더니즘이란 산업화 이래로 민주화된 문화 아래에서의 미학적 수준의 저하와 위협으로부터 그 질을 지키려는 계속되는 노력이라고 정의하였다. 결국 모더니즘이란 어떤 운동이나 프로그램이 아니라, 하나의 궁극적인 미학적 가치를 향한 일종의 지향성이라고 할 수 있다. 반면에 팝 아트* 등 일군의 예술가들은 20세기 이후 지속되어 온 아방가르드를 총칭하는 모더니즘의 일부를 비난하는 한편, 모더니즘의 현학화와 귀족주의를 배격하기 시작하였으며, 이러한 움직임은 이후 포스트모더니즘* 미술의 태동으로 이어졌다.

→ ‘근대 미술’ ‘모더니스트 회화’ 참조

모델 model(영)

화가나 조각가가 모방이나 재현*의 대상으로 삼는 인체나 사물, 즉 원형(原型). 모델을 사용하는 목적은 인체의 구조나 동작의 정확한 파악에 있기 때문에 초기의 모델은 나체인 경우가 많았다. 고대 그리스의 예술가들은 경기장에서 운동하는 나체의 젊은이들을 모델로 삼았다. 그러나 기독교적이고 관념적이었던 중세 미술에서는 옷을 입은 모델조차도 제작에 이용되지 않았다. 하지만 르네상스 시대에는 완성작의 사실성(寫實性) 때문에 모델이 다시 사용되었으며, 복제된 고대 조각의 사생 소묘를 거쳐 실제 모델의 사생으로 넘어가는 미술 교육 과정도 이때 정착되었다.
한편 16세기 이탈리아에 아카데미*가 설립되면서 직업 모델이 등장하였다. 이때까지 여성상을 위한 습작에서도 남성 모델을 사용하는 등 모델은 남성의 전유물이었다. 여기에는 남성의 근육이 여성에 비해 더 완전하다는 이념적 배경이 자리잡고 있다. 미술학교에 나체의 여성 모델이 도입된 것은 19세기 후반의 일이다. 모델의 사생은 전통적으로 완성작을 위한 습작이 목적이었지만, 19세기 이후에는 인물화*로서 사생 그 자체를 목적으로 그리게 되었다. 한편 조각에서 모델은 점토 따위로 미리 만들어 낸 원형을 말하는데, 이것이 석고의 형태로 만들어지고 다시 대리석이나 청동 따위의 최종적인 재료에 의하여 완성된다. 또한 모델은 건축이나 비행기, 자동차 등의 모형을 지칭하기도 한다. 건축에서는 설계 도면으로는 추측할 수 없는 실제상의 효과를 판정하기 위해 각종 보조 재료로 만든 규모가 작은 모형을 뜻한다.

모듈 module(영)

일반적으로는 건축의 기준척(基準尺)이라든가 유수(流水)의 정량을 표시하는 말. 그리스어의 ‘modulus’가 어원이며, 수학에서는 율(率)이라든가 계수(係數)로 번역된다. 공업 생산화와의 관련이 중요한 문제인 건축에서는 치수를 구체적으로 체계화해서 설계, 시공, 재료, 생산 등에 사용하는 것을 MC(Modular Coordination)라고 하는데, 여기에 사용하는 치수 체계가 모듈이다. 이 수열(數列)적 모듈에 대해서는 여러 가지 연구나 제안이 이루어져 KS(한국 공업규격)나 DIN(독일 공업규격), JIS(일본 공업규격)는 이미 일반적으로 널리 알려져 있다. 프랑스를 중심으로 활약했던 스위스의 화가이자 건축가인 르 코르뷔지에Le Corbusier(1887~1965)가 그 개념을 명확하게 주장한 이후부터 현대 건축의 설계이론의 하나로서 정착했다.

모방 模倣 imitation(영)

일반적으로 원상과 비슷한 모상을 만들어내는 것을 말한다. 예술에서 이 개념은(1)다른 예술가의 제작을 모범으로 삼아 그것과 같은 방식으로 제작하는 것, 즉 대상을 모방하는 경우와(2)현실에 존재하는 대상을 모방하여 그것과 같은 모양의 것을 제작하는 것, 즉 대상을 묘사하는 경우가 있다. 고전적 예술의 모방이 권장되는 것은 전자의 의미이며, 예술이 현실 또는 자연의 모방이라고 하는 것은 후자의 의미이다.
미학*에서 주로 문제가 되는 것은 뒤의 경우인데, 여기에는 또한 ①외적, 객관적인 사물로서의 대상을 의미함으로써 내적, 주관적 체험을 표현하는 것, 즉 ‘표출’에 대립되는 경우와 ②대상을 있는 그대로 충실히 묘사하는 것, 즉 사실(寫實)을 의미함으로써 이상화 또는 양식화에 대립되는 경우도 있다. 고대 그리스에서는 모방이란 개념이 매우 넓은 의미로 해석되어 아리스토텔레스Aristoteles에서 엿볼 수 있듯이 생각, 심정과 같은 내면 상태의 표출도 포함하고 있다. 이러한 의미에서 음악까지도 모방이 될 수 있는 것이다. 또 아리스토텔레스 이후 많은 모방설은 실제로는 모방이란 개념에 다소간 이상화의 의미를 포함하고 있기 때문에 이 방향으로 이 개념을 확장하면, 그것은 인생에서 보편적 내지 유형적인 것의 표현이며, 대상의 본질 재현을 함축하는 것이다. 즉 18세기 프랑스의 미학에서 부분적으로 발견되는 ‘아름다운 자연의 모방’이라는 개념도 모방원리를 예술의 이상성에 조화시키고자 하는 노력을 나타내는 것이다.
예술의 기원 내지 본질을 단순한 모방으로 돌리는 고대의 전통적 사상은 오늘날에 와서는 이미 극복되고 있지만, 모방적 계기가 예술창작의 한 측면의 구성요소라는 것은 현대에도 인정되고 있으며, 가이거Moritz Geiger와 같이 그것을 하나의 예술적 가치계기로서 중요시하는 이론가도 있다. 적어도 모방예술(재현예술)에서는 사물적 존재 또는 그 본질의 묘사가 중요한 가치계기를 이루고 있을 뿐만 아니라, 앞의 ①의 모방이야말로 이러한 모방예술을 다른 예술과 구분해주는 체계적 분류의 원리 중 하나라는 의의를 갖는다. 또 ②의 모방과 이상화의 대립관계에 기초하여 사실주의*적, 이상주의*적이라는 두 기본양식의 구별이 가능하다. 모방은 본래 예술창작의 원리이지만 그로스Karl Gross와 같이 감정이입미학*의 입장에서 예술체험으로서의 내적 모방의 과정을 미적 향수*의 중심에 두는 경우도 있다.

모사 模寫 copy(영)

원화(原畵), 원도(原圖), 원형(原型) 등 기존 예술 작품의 원작을 모방하여 그것을 재현하는 것으로 미술, 공예 등 많은 분야에서 행해진다. 회화와 서(書)의 경우는 모사, 조각의 경우는 모각(模刻)이라고 한다. 조각 공예품의 모작이나 레플리카(replica)를 포함하기도 한다. 모사의 본래 목적은 귀중한 작품의 복제를 위해서 혹은 작가의 기술을 습득하기 위해서이다. 한편 문화재의 형상과 색채를 복원하기 위해 사용되기도 한다. 모사를 위해서는 우선 본이 되는 원본이 있어야 하며, 대개의 경우 원작을 제작한 작가에 의해선 만들어지지 않는다. 한 작가가 같은 작품을 둘 또는 그 이상 만드는 경우도 있으나, 이때 기준이 되는 하나에 대하여 다른 것은 ‘레플리카’라고 한다. 레플리카는 베낀 것이라기보다는 일종의 부본(副本)으로서 원본으로서의 가치를 그대로 인정받는다. 제한된 의미에서의 모사는 모사하는 이의 주관이 개입되지 않음을 전제로 한다. 이러한 의미에서 각색이나 레플리카와는 구별되나, 원작을 맹목적으로 따라가지 않고 자유롭게 변경하는 경우도 있어 반드시 베낀 것이라고만 할 수 없는 그 나름의 뜻이 있는 작업도 있다. 인쇄 등에 의한 다수의 복본은 복제*(reproduction)라고 한다.
동양 미술에서 모사는 회화나 서 등의 작품을 모방해서 베끼는 것을 가리킨다. 특히 중국 미술에서는 전모이사(傳模移寫)라고 칭하여 중시되는데, 원본을 옆에 두고 보면서 베끼는 임모*(臨摹)와 원본 위에 얇은 종이를 놓고 투사하는 탑모(溻模)로 구분된다. 한편 서적의 엄밀한 모사에는 쌍구전묵(雙鉤塡墨)에 의한 탑본이 만들어진다. 또 원본을 보지 않고 기억으로 모사하는 것은 배림(排臨)이라 한다. 모사는 원작자의 기법이나 의도를 따라함으로써 원작을 이해하고 그 방법을 배우는데 목적이 있으며, 예로부터 미술 학습을 위해 널리 행해졌다. 일반적으로 위대한 예술가 중에서 수련기에 모사에 열중하지 않는 사람은 찾기 힘들 정도이다. 예를 들어 루벤스Pieter Paul Rubens(1577~1640)는 티치아노Tiziano(c.1485~1576)를, 푸생Nicolas Poussin(1594~1665)은 벨리니Giovanni Bellini(c.1400~1470)를, 렘브란트Rembrandt(1606~1669)는 라파엘로Raffaello(1483~1520)를 모사하였다. 미술 교육에서 모사의 가치는 논란이 되고 있는 문제임에도 불구, 여전히 화가 지망생들이 거쳐야 하는 관문으로 계속되고 있다.