공간 空間 space(영)

시각예술의 조형요소 중 하나로 삼차원 혹은 삼차원성을 지향하는 요소. 조형 공간의 창조에는 무엇보다도 동적인 색면 및 포름*의 구성이 중요한 문제이다. 또한 시각적 효과 차원에서 균형이나 움직임을 결정하는 요소가 되기 때문에, 조형에 있어서 소재 간의 공간처리는 매우 중요하다. 또한 포함된 공간과 배제된 공간을 조형적으로 동시에 설명해 낼 수 있는 능력, 주어진 공간을 명확하게 한 개 또는 몇 개의 비율로 마음대로 축소하거나 확대할 수 있는 능력, 그밖에 여러 특수한 조형적 능력이 필요하다고 논해지고 있다. 좁은 뜻으로는 공간을 화면상의 공간 처리 기법으로서 남겨 놓은 것, 즉 여백*(餘白)이라는 뜻으로 쓰는 경우도 있다.
음악이나 문학 등의 시간 예술에 대하여 공간 예술*이라 불려지는 회화, 조각, 공예 등의 조형 예술은 직접적으로는 현상(現象)의 공간적 여러 관계의 재현을 위해 그 기능이 한정된 재료 및 수단을 쓰며 스스로를 공간적으로 한정하고 구성한다. 현대 회화에서는 환영적으로 공간을 재구성하는 종래의 방법을 배제하고, 회화의 평면성에 근거한 구성에 의해 비재현적인 조형 공간을 창조하려는 입장이 나타났다. 입체주의*에서 비구상* 회화에 이르는 현대 회화에서 이러한 경향을 찾아볼 수 있다.
한편 현대 조각에 있어서 공간이라는 문제를 새로이 재기한 작가는 가보Naum Gabo(1890~1977) 및 펩스너Antoine Pevsner(1886~1962)였다. 그들은 종래의 매스(mass) 편중(偏重)이 잘못된 것이라 주장하고, 조각에 시간과 공간의 통일적 형식을 실현하기 위한 중요한 계기로서 동력학(動力學)적인 리듬*을 도입하였다. 이어서 모홀리 나기László Moholy-Nagy(1895~1946)도 물리적 공간 속에 실제로 긴장을 만들어 내고 있는 여러 힘을 동적이며 구성적인 시스템 안에서 조화되도록 함으로써 공간을 능동화할 것을 주장하여 모빌* 조각의 이론적 선구자가 되었다.

공간예술 空間藝術 Raumkunst(독)

일정한 공간*을 구성함으로써 형상화되는 예술을 가리킨다. 음악이나 문학 등과 같은 시간예술(Zeitkunst)에 대비된다. 회화, 평면 장식 등의 이차원적 예술과 조각, 건축 등의 삼차원적 예술을 총칭한다. 흔히 조형예술이라고 할 경우, 일반적으로 공간 예술을 의미한다. 공간예술의 특색은 그 작품이 물질적 재료를 매개로 해서 실재적 공간성을 지니고, 제작자로부터 독립된 객관적이고 항상(恒常)적인 완성품적 존재라는 데 있다.

공공미술 公共美術 public art(영)

가장 일반적인 의미의 공공미술은 단순히 지역사회를 위해 제작되고 지역사회가 소유하는 미술을 말한다. 그러나 구체적으로 공공미술이라는 개념은 1960년대 말 미국 정부에서 시작한 두 가지 제도, 즉 ‘미술을 위한 일정지분투자*’ 프로그램과 국립예술기금의 ‘공공장소의 미술(Art in Public Place)’ 프로그램과 직접적인 관련이 있다. 미술을 위한 일정지분투자 프로그램은 현재 미국의 50개 주 중 약 반 수 정도와 여러 도시 및 카운티에서 시행 중에 있다. 이는 공공건물을 신축할 때 건설 예산액의 일정 지분(대개 1%)을 예치해 미술품을 위해 사용하도록 하는 것이다. 공공장소의 미술 프로그램에서는 지역사회에서 공공장소에 전시할 미술품을 제작, 의뢰하고 구입하는 데 드는 자금과 자문을 도맡아 준다.
이러한 관(官)주도의 미술진흥정책과 발맞추어 미술의 본질에 대한 의식의 변화가 1960년대 말에 일어났다. 많은 미술가들이 작업실을 떠나 작업실 규모보다 큰 건축적 규모를 요구하는 대지미술*과 그 밖의 다른 환경미술* 형태를 창조하기 시작했다. 따라서 작가들은 복잡한 프로젝트의 완수라는 도전적인 상황으로 인해 필요한 기술을 습득할 수 있었을 뿐만 아니라 공동작업을 기꺼이 하게 되었고, 그 결과 작업실 제작의 전 과정을 혼자 관리하려는 태도를 버리게 되었다. 공공미술 작품은 코즐로프Joyce Kozloff가 지하철역 구내에 설치한 타일 벽화에서부터 노이하우스Max Neuhaus가 비슷한 장소에 설치한 사운드 아트* 조각, 노구치Isamu Noguchi(1904~1989)가 설계한 수백만 평방미터에 달하는 공원과 광장들, 하스Richard Hass가 단조로운 벽을 환상적인 건축으로 탈바꿈시킨 실물과 같은 착각을 일으키게 하는 눈속임 기법* 벽화, 또 아담스Dennis Adams가 버스 정류소를 통해 보여준 첨예한 정치적 이미지, 베이카Judy Baca가 로스앤젤레스 강변에 늘어선 콘크리트 담장 위에 그린 로스앤젤레스와 스페인계 미국인 사회의 역사화에 이르기까지 다양하다.

공동작 共同作
cooperated works(영)

복수의 예술가가 동일한 작품을 대등하게 분담, 제작하는 것. 이는 스승이 제자나 조수에게 원안을 주어 그리게 하고 가필, 수정하여 완성시키는 것과는 다르다. 이러한 공동제작 개념으로 잘 알려진 경우는 피카소Pablo Picasso(1881~1973)와 브라크Georges Braque(1882~1963), 뒤샹Marcel Duchamp(1887~1968)과 만 레이Man Ray(1890~1977) 등의 상호 인용을 들 수 있다. 특히 전후의 현대미술에 있어서 공동제작이 보다 전략적인 의미로서 인식되기 시작한 것은 영국의 앙상블 아티스트인 길버트와 조지Gilbert & George로 대표되는 1960년대의 개념미술*에 있어서이다. 1970~1980년대에 걸쳐서는 바르트Roland Barthes의 《작가의 죽음》, 에코Umberto Ecco의 《열려진 작품》이라는 구조주의 혹은 후기구조주의의 테제(these)에 호응하는 형태로서 복수의 주체 사이에 함수화되어진 텍스트 공간으로 작품(행위)을 생성시키는 시도가 많이 출현했다.

공방 工房 workshop(영)

예술가, 장인 등이 작품을 제작하기 위한 방 혹은 작업장. 후에 뜻이 바뀌어 공통의 기반 혹은 방침 아래 제작하는 예술가나 직인(職人) 등의 집단을 가리킨다. 아틀리에*와 거의 같은 뜻이지만 공방이라는 말에는 ‘물건을 만드는 곳’이라는 뉘앙스가 짙다. 문명이 발생한 곳 특히 예술이 권위 표상의 수단으로서 큰 구실을 하는 경우에는, 지배자는 직속 공방을 설치해 놓고 제품의 질을 높이고 디자인을 통일하는 것이 상례였다. 고대 이집트*, 아시리아* 등의 미술은 그 배후에 대규모 그리고 조직적인 궁정 공방의 존재를 상상케 한다. 하지만 공적인 조직으로서의 기술자 집단이 확인되는 것은 고대 로마*로서, 율리우스 법에서는 ‘콜레기아Collegia’라는 동업자의 단체가 있었던 것으로 알려진다. 서양 중세에 있어서는 대성당 건조에 필요한 모든 분야의 집단이 일단이 되어 그 사업에 종사했다. 비잔틴에서는 궁정에 통괄되어 있었지만 서구에서는 수도원에 부속되었고 중세 말에는 우수한 공인을 가지는 공방과 그 연합조직인 동업조합을 형성했다. 르네상스 시대*에는 개개의 공방이 자립한 기업가로서 수도원에서 독립하였고, 16세기 피렌체에서는 기를란다이오Domenico Ghirlandajo, 베로키오Verrocchio(c.1435~1488) 등의 대공방을 낳아 고객의 주문에 따라 제작했다. 공방은 근세까지 기술의 전승과 공인의 교육이라는 기능을 다해 왔지만 아카데미*의 성립과 함께 두 가지 기능은 후자에게로 옮겨지게 되었다.