에스프리 esprit(프)

‘영(靈)’ ‘넋’ ‘정신’의 뜻이며, ‘기질’ ‘재치’ ‘기지’ ‘능력’ 등의 의미도 내포하고 있다. 라틴어의 호흡이란 말에서 파생되었다. 미술작품을 논할 때 에스프리는 작가적 정신이나 번뜩이는 재치, 개성 등을 의미한다.

에어 아트 Air Art(영)

원래 환경예술*과 키네틱 아트*의 한 종류로 압축 공기나 자연적인 바람을 이용해 부풀리거나 띄워 올리는 여러 가지 구조물 및 거기에 뒤따르는 광범위한 행위를 통틀어 일컫는 개념이다.
전통적인 타블로*와 조각의 상투적인 미학을 벗어나 공기만이 가질 수 있는 그 특유의 자연적인 성질을 이용하여(특히 보이지 않는 기체를 보이게 한다는 것과 중력으로부터 자유로운 부유의 관념이 생긴다는 점, 그리고 기체의 팽창되어 가는 이미지가 전달하는 소유의 관념과 소유로부터의 해방, 소유하는 일의 불가능성 등의 관념을 이해한다는 점에서) 본격적인 예술 작업으로 전개된 이 움직임은 1960년대 말의 세 가지 커다란 기획전을 통해 그 독자적인 위치를 확보했다.
즉 1968년 파리에서 개최된 <확대구조물전>, 같은 해 필라델피아 아트 카운슬에서 열린 <에어 아트전>(하케Hans Haacke, 레빈Levine, 메달라, 로버트 모리스Robert Morris 등이 참가), 또 뉴욕 유태미술관에서 열린 <팽창조각전>(1969)에는 프레지어, 자콥스, 윌리엄스Emmett Williams, 워홀Andy Warhol, 피네Otto Piene 등이 참가했다. 여기에 참여한 작가들 중 대부분은 에어 아트의 의식과 방법론에 대해 비전문가적 입장이었지만, 오토 피네만은 스카이 아트*에 높은 관심을 보이며 마침내 뮌헨 올림픽에 올림픽 무지개를 띄워 올릴 만큼 전문적이고 독창적인 예술세계를 구축해 나갔다.
에어 아트의 중요한 의의라면 첫째 작업을 많은 사람들이 동시에 볼 수 있는 대중성, 둘째 참여적인 요소, 셋째 1960년대 말부터 나타난 반(反)오브제, 후기 오브제 미술에 대한 공헌 등을 들 수 있다.

에칭 etching(영)

산(酸)의 부식작용을 이용하는 판화*의 한 방법. 잘 닦여진 동판에 산의 화학작용을 방지하는 내산성 방식제, 즉 보통 밀랍, 역청(瀝靑), 송진 등이 혼합된 ‘에칭 그라운드’를 입힌다. 검은 피복을 입힌 이 판에 금속 바늘로 형태를 새겨 그 선을 따라 아래의 금속이 노출되도록 하고 판의 뒷면과 모서리는 내산성으로 처리된 바니시*를 덮은 후, 희석된 산에 담근다. 이때는 일반적으로 질산을 사용하며, 부식액 속에 담겨진 판은 바늘로 긁어 그라운드가 벗겨진 부분만 부식이 됨으로써 판에 그 형태가 새겨지게 되는 것이다.
에칭의 효과는 같은 동판화의 일종인 선 인그레이빙*과 비교되곤 한다. 선 인그레이빙이 기구를 사용하여 판에 직접 힘을 주어 새김으로써 손의 압력에 따라 선의 굵기가 결정되며 계획성과 금속성의 명쾌함을 드러내는 특성을 갖는다면, 에칭의 특징은 부드러운 그라운드 위에 형태를 그림으로써 펜이나 연필로 종이 위에 직접 그리는 것과 같이 선들이 자연스럽다는 것과, 또 부식의 정도에 따라 선의 굵기와 깊이가 결정된다는 점에 있다.
에칭이 작품으로 선보인 시기는 1513년으로 기록되어 있으나 그 이전부터 금공기법으로 존재하여 갑옷이나 투구를 장식하는 데 이용되었다. 뒤러Albrecht Dürer(1471~1528)는 철판을 이용하여 에칭을 하였는데 상당히 강렬하고 거친 부식효과를 내고 있다. 뒤러 외에도 당시 북구의 그라프Urs Graf, 알트도르퍼Albrecht Altdorfer(1480~1538), 반 레이든Lucas van Leyden(c.1492~1533) 및 이탈리아의 파르미지아니노Parmigianino 등이 에칭 기법을 사용하였고, 17세기 초에는 랄로Jacques Lallot와 보스Abraham Boss가 큰 활약상을 보였다. 이들 에칭의 구파(舊派)들은 에칭 기법만의 특이성을 살렸다기보다는 선 인그레이빙의 대체 기법으로 간주한 측면이 강하였다.
최초의 근대적인 에칭 화가는 작품에 풍부한 감정과 힘을 실었던 렘브란트Rembrandt Harmensz van Rijn(1606~1669)였으나 에칭 미술 전반에 큰 영향을 끼치지는 못하였다. 18세기에는 티에폴로Giovanni Battista Tiepolo(1969~1770)가 환상적인 주제를 다룬 작은 크기의 에칭에서 자신의 대형 그림에서 보이는 특징적인 빛, 대기, 공간에 대한 느낌을 보여주고 있다. 같은 18세기말 스페인에서는 고야Francisco de Goya(1746~1828)가 수많은 에칭을 제작했는데, 부식된 선뿐 아니라 그늘진 작은 부분까지도 나타낸, 정교하고 세밀한 에칭의 특성을 그대로 살린 작품들이 많았다.
19세기 말에는 밀레Jean François Millet(1814~1875), 코로Jean-Baptiste-Camille Corot(1796~1875), 피사로Camille Pissaro(1830~1903), 드가Edgar Degas(1834~1917)를 포함하여 프랑스의 뛰어난 작가들 대부분이 에칭을 제작했다. 20세기에 들어서도 많은 화가들이 책의 삽화나 감식가를 위해 고안된 소수의 제한된 판을 제작하거나 자율적이고 독창적인 작품을 위한 에칭을 만들어내고 있다.

에콜 데 보자르 École (Nationale Supérieur) des Beaux-Arts(프)

화가, 조각가, 건축가를 위한 목적으로 하여 설립된 프랑스 유일의 공적인 미술교육기관. 파리의 보나파르트가에 위치해 있으며, 문화성(文化省)에서 관장한다. 프랑스 혁명 이후, 여러 교육체제의 근대화에 따라 예부터 전래되어 오던 도제학교를 대신하여 등장한 것이며, 건축, 조각, 회화, 판화 등 4가지 분야로 나뉘어진다. 프랑스 대혁명 전까지의 각종 왕립 아카데미에서 행해진 교육이 콜레지 드 카르트 나숑에 통일된 것이 시초이며, 1820년에 오늘날의 건물 건축이 드브레에 위촉되었다.
이 학교는 17~30세까지의 지망자가 시험을 거쳐 입학하게 된다. 아틀리에*에서의 제작이 교육의 중심이며, 그 밖에 일반 교양, 전문강좌가 있다. 아틀리에는 두 종류가 있다. 하나는 장관이 임명한 교수의 아틀리에로 학교 내에 있고, 다른 하나는 학교 외에 설치되어 있는 자유 교실로, 교수는 학생에 의해 선임된다. 매년 각종 콩쿠르가 행해져 상이 주어진다. 19세기에는 예술가들에게 로마 유학의 기회가 주어졌던 로마 대상으로 특히 유명했다. 이 학교는 그 보수성 때문에 이따금 진보적인 재야 미술가들의 표적이 되기도 한다.

에키누스 echinus(영)

도리아식 원주에 있어서 주두의 둥글게 말아 올린 형태로, 아바쿠스*와 기둥 몸체 사이에 있는 넓은 사발형의 부분. 에키누스란 그리스어로 ‘성게’라는 뜻인데, 이는 옛날 도리아식 주두가 성게 모양을 하고 있었기 때문이다. 때로는 난족(卵族) 무늬로 채색을 하기도 했다.

→ ‘주식’ 참조