밀랍 蜜蠟 beeswax(영)

벌집에서 채취한 동물성 고체랍으로, 예로부터 사용되어 온 조소의 거푸집용 재료이다. 그 조직이 치밀해서 점토처럼 습기의 정도에 따른 수축 및 균열이 없다. 유토(油土)에 가까운 가소성을 보이며 특히 브론즈 주조의 거푸집에 적합하다.

밑칠 underpainting(영)

유약칠이나 바림, 유화의 물감을 덧바르기 위해 밑바탕 또는 그 색깔 위에 물감의 발색(發色)을 좋게 하려고 일정한 색의 물감을 칠하는 것. 표현하려는 색조를 살리는 색깔을 선택해야 하며 유화에서는 중간색 중 하나를 사용하기도 한다. ‘알라 프리마Alla prima’, 즉 밑칠 없이 한 층의 안료로 회화 표면이 완성되는 방식의 회화가 보편화된 19세기 후반 이전까지는 대부분의 회화가 여러 층으로 되어 있었다.
템페라* 화법에서는 밑그림을 그린 후 흙빛이 도는 초록색 도료 위에 밝은 색부터 덧칠해 밝은 부분과 어두운 부분을 표현했으며, 이 방법은 특히 14세기 회화에서 흔히 나타난다. 15세기와 16세기초 많은 이탈리아 화가들은 플란더스의 영향을 받아 템페라를 밑칠용으로 사용했다. 18세기의 거의 모든 영국 화가들은 넬러Sir Godfrey Kneller(1646~1723)의 방식대로 중간색으로 밑바탕을 칠한 후, 그 위에 유약, 칠바림 또는 진한 색을 칠해 음영과 부분적인 색을 표현하고 가장 밝은 부분은 두꺼운 임파스토*로 맨 나중에 칠했다. 이때 나중에 칠한 색이 밑칠과 결합해 짙고 선명한 효과를 내기도 했다.
19세기 회화에서는 극단적으로 어두운 색과 밝은 색을 피함으로써 각각의 색이 더 차분해지고 짙어졌다고는 하나 완성작의 색채는 큰 차이가 나지 않는다. 여기에서 한 가지 이상의 불투명한 물감을 칠하는 방식이 마련되어 밑칠의 색이 어두워졌다. 18~19세기에는 광택이 없는 애벌칠 도료로 종종 수성 물감을 여러 번 덧칠하는 방법을 사용하기도 했다. 보통 단색으로 먼저 칠한 후에 덧칠함으로써 밝은 색은 약화되고 어두운 색은 보강되었다.

바로크 미술 Baroque Art(영)

1600년경부터 1750년까지 이탈리아를 비롯한 유럽의 여러 가톨릭 국가에서 발전한 미술 양식. 르네상스 미술*의 단정하고 우아한 고전 양식에 비하여 장식이 지나치고 과장된 건축과 조각에 대한 경멸의 뜻으로 사용되었다. 바로크라는 단어는 ‘불규칙한’ 혹은 ‘변덕스러운’ ‘현란한’이라는 의미로 통용되기도 하는데 이는 ‘비뚤어진 진주’라는 뜻의 포르투갈어 barroco에서 유래했기 때문이다. 과거 예술관계 문헌에서 경멸적이고 부정적인 의미로 통용되었던 바로크는 부르크하르트Jacob Burckhardt와 뵐플린Heinrich Wölfflin(1864~1945)에 의해 미술사 및 비평용어로 사용되면서 전문적인 용어로 격상되었다. 이후 바로크 미술은 르네상스 미술에 대립하는 개념으로 상정되어 미술사에서 매너리즘*과 로코코 미술*의 사이에 위치하며, 17세기 유럽의 시대정신과 부합하는 외향적이고 격동적인 경향을 일컫는다.
바로크 미술은 전체에 종속되는 부분들의 조화를 통한 균형*을 강조하였다. 여기에서 말하는 균형이란 각각으로도 완벽한 부분들이 모여 이루는 전성기 르네상스의 전체적인 균형에 비할 수는 없지만, 매너리즘의 의도적인 부조화나 로코코의 단편성보다는 르네상스의 균형에 가깝다. 바로크가 추구하는 화합은 형식적이고 자기만족적인 차원을 넘어선 것이다. 따라서 여러 가지 수단을 동원해서 보는 이로 하여금 신체적인 참여를 하게 함으로써 정신적인 참여를 유발하는 것을 목적으로 한다. 바로크 미술은 16세기 르네상스의 조화와 균형, 완결성에 대하여 양감, 광채, 역동성에 호소하였으며 과격한 운동감과 극적인 효과를 특징으로 한다.
바로크 건축에서는 거대한 양식, 곡선의 활용, 자유롭고 유연한 접합 부분 등이 부각된다. 조각에서는 비상(飛翔)하는 듯한 동적인 자세와 다양한 의복의 표현 등이 돋보인다. 대표적인 바로크 조각가는 이탈리아의 베르니니Bernini Gianlorenzo(1598~1680)로 그는 동적이고 환각적인 표현이 돋보이는 성 베드로 성당의 내부 장식을 완성하였다. 한편 바로크 회화는 대각선 구도와 원근법*, 격렬한 명암 대비, 단축법*, 눈속임 기법*의 사용 등을 특징으로 한다. 17세기초 이탈리아의 카라밧지오Caravaggio(1571~1610)가 바로크 회화의 창시자이며, 그의 영향력은 스페인과 북유럽에까지 퍼져 많은 추종자들을 낳았다. 특히 루벤스Pieter Paul Rubens(1577~1640)와 렘브란트Rembrandt(1606~1669)를 배출한 플랑드르와 네덜란드는 바로크의 중심지가 되었으며 이밖에도 스페인에서는 벨라스케스Diego Velazquez(1599~1660)가, 프랑스에서는 푸생Nicolas Poussin(1594~1665)이 활동하였다.

바르후트 Bhārhut(범)

중인도 북부 나고드Nagod에 위치한 불교 유적지로서 슝가 시대*의 중요한 스투파*가 남아 있었다. 복발(안다*)은 없어졌고 현재는 울타리(베디카*)와 문(토라나*)의 일부만이 캘커타의 인도 박물관과 미국, 유럽의 박물관에 보존되어 있다. 문에는 날개 달린 사자가 등을 대고 있는 페르세폴리스*식 주두*, 팔메트* 문양 등 서아시아 기원의 장식 요소들이 혼합적으로 사용되었다. 울타리 기둥에는 약샤와 약시*상들이 조각되었고 울타리에는 그 밖에도 본생담*과 불전을 나타낸 부조*들이 새겨져 있다. 이 부조들은 산치* 제2탑의 조각과 비교해 볼 때 산치보다 늦은 시기의 것으로 여겨지며 약 기원전 100년경 제작된 것으로 생각된다.

바실리카 basilica(라)

고대 로마 공화정 시대에 재판소나 집회장, 시장, 관공서, 지붕이 있는 야외극장 등 상업적 용도보다는 공공의 목적으로 사용된 대규모 건물을 지칭한다. 그러나 점차 장방형의 회당이라는 특정 형태를 취한 건축을 지칭하게 되었다. 고대 그리스 신전을 로마식으로 발전시킨 형식이며 그리스 신전보다 내부 공간이 넓다. 바실리카라는 명칭도 ‘왕족의’라는 뜻의 그리스어에서 나온 것이며, 현존하는 최고(最古)의 바실리카는 폼페이에 있다.
그러나 최초의 바실리카라고 알려진 것은 기원전 2세기초 로마에 건설된 건물들로서, 중앙의 넓은 복도를 열주*랑으로 둘러싸고 천장을 높게 해서 창문을 달았고, 개방된 주랑을 통해 내부로 들어가게 되어 있다. 포르 로마노가 이에 해당한다. 바실리카의 한쪽 끝 혹은 양쪽 끝에는 집정관이나 제정자가 앉을 수 있는 자리에 해당하는 애프스*가 있고, 그 앞에는 희생단이 놓였다. 이런 형태의 바실리카는 로마 제정 초기에 지중해 중심과 동부의 여러 지역으로 전파되었다. 또한 1세기 후반 로마의 궁정에서 볼 수 있는 긴 측랑과 동쪽 끝에 애프스가 있는 집회실을 일컬어 바실리카라고 하기도 했고, 아무 장식도 없는 장방형의 집회장을 포함해서 여러 형태의 공공 건물을 지칭하기도 했다.
콘스탄틴 대제가 기독교를 공식으로 인정한 312년 이후에 바실리카는 기독교 의식을 공적으로 치를 수 있는 교회 건물로 사용되었다. 로마 가톨릭 교회와 그리스 정교회는 교회법에 따라 역사가 오래되거나 위대한 성인 또는 역사적 사건 등과 관련되어 국제적으로 예배의 중심지 역할을 담당하는 특정 교회 건물에 바실리카라는 명칭을 부여한다. 이에 따라 바실리카라는 이름이 붙은 교회는 교황과 추기경, 총대주교를 위해 대제단을 보유할 수 있는 권리와 특별사면권 등 특별한 권한을 지닌다. 한편 4세기경의 문헌에서는 콘스탄틴 대제 시대의 교회 뿐만 아니라 다양한 건축 양식에 바실리카라는 명칭이 나타나 있는데, 다수의 사람들을 수용하는 커다란 홀이나 혹은 로마 주택에서 열주가 있는 큰 방을 가리키기도 한다. 이처럼 대체로 바실리카라는 용어는 특정한 건축 유형을 칭하는 것이 아니라 건물의 용도를 일컫는 말로 사용되었음을 알 수 있다.